Cursos de verano 2016

Mayo 25, 2016, 8:57 PM

 

Curso Fecha Horario Precio
1 Retrato con Modelo en Técnica Mixta Del lunes 11 al jueves 14 de julio de 2016 10 am – 2 pm $3600 pesos (incluye materiales)

Aquellos retratados habitan en el tiempo más allá de su época y es gracias a eso que sabemos que el retrato ha existido como hoy lo conocemos por mas de 2000 años. Desde hace siglos la mejor manera de retratar a un modelo es y ha sido observándolo en vivo, directo del natural. Los grandes maestros del pasado sabían que el secreto para pintar un rostro estaba en estudiar los huesos, los músculos y el moldeo directo de la superficie de un rostro vivo. Esta práctica era considerada por muchos su más importante aprendizaje y, como tal, el fundamento de sus conocimientos. Les permitía, una vez terminada su etapa de formación, hacer los rostros y las figuras incluso de memoria. 

La forma en que los grandes maestros trabajaron sus estudios del tema fue a través de la técnica mixta, la cual da a los pintores la posibilidad de acentuar los volúmenes con cargas (y tizas) y trabajar con gran velocidad, exaltando de forma controlada luces y sombras. Así se puede sacar el mayor provecho a los modelos en el menor tiempo, utilizando colores en medios fluidos, semi-fluidos y espesos. Retomar esta técnica mixta para retratar del natural a un modelo nos ayuda a obtener mejores resultados en cuanto al análisis de un rostro y a lo que se puede transmitir mediante su representación. Esto sucede porque vemos los gestos en tres dimensiones y no en dos, como sucede al copiar de una foto, un video o incluso otra pintura.

Retratar del natural de esta manera nos permite, gracias a los materiales de pintura, enfatizar el carácter de los relieves producidos por los huesos y músculos, y mostrar la manera en que la piel se estira con los gestos. Así podemos marcar las arrugas del rostro, la tensión que en los músculos se produce según las emociones, la exaltación entre las luces y sombras, la sombra intermedia, los reflejos y la interacción de la luz con las distintas capas de la piel. La posibilidad que este sistema técnico nos da nos permite exaltar todo eso, creando con realismo la sensación tridimensional y viva de un rostro humano como ningún otro sistema. A partir de este método podemos adentrarnos con profundidad en la experiencia de pintar y vivir en el proceso el cuadro.

Objetivos generales:

  • Analizar, apreciar y valorar los procesos que se explicaron en el texto previo: luces, contrastes y volúmenes.
  • Utilizar estos procesos, sumando beneficios, para obtener resultados asertivos.
  • Analizar la técnica mixta que permitirá aplicar todos los puntos mencionados en ejercicios sobre papel, que servirán para estudiar el retrato. Cada alumno hará ejercicios en papel durante el curso.
  • Cada alumno elaborará un cuadro con modelo, en técnica mixta, al óleo.
2 La Técnica Pictórica de Lucian Freud Del lunes 11 al jueves 14 de julio de 2016 3:30 pm – 7:30 pm $4000 pesos (incluye materiales)

Lucian Freud desarrolló a lo largo de varios años su propia forma de pintar, que es expresiva, emblemática y distinta a la de todos sus contemporáneos. Es con esa técnica que se convirtió en el pintor más conocido de finales del siglo XX y principios del siglo XXI. De origen inglés y nacido en Alemania en el año 1922, 4 años después de terminada la primera guerra mundial, Lucian Freud hizo de sus cuadros análisis psicológicos de los modelos en ellos retratados. La atención con la que retrató a sus modelos fue con una concentración casi febril, ya que creía que sólo a base de pura concentración se podían lograr grandes cuadros. Le interesaba mostrar la existencia aislada de cada individuo, lo torturado y difícil de la vida que dejamos ver a través de nuestra piel, cuerpo y rostro.

Al principio de su carrera, Freud pintó de forma delicada y utilizando colores tenues en veladuras, técnica que le ganó el reconocimiento de los críticos de su época. Sin embargo, pronto abandonó la receta del éxito en busca de algo diferente. Es por esta razón que fue por varios años víctima del rechazo de los mismos críticos que antes le aclamaran. Sin disgustarse, Freud aprovechó el anonimato para hacer de su pintura lo que él deseaba. Sin el peso de los reflectores sobre sí, pudo olvidarse de los cánones establecidos y embarcarse en su propia búsqueda. Las técnicas de pintura que Lucian Freud desarrolló durante ese periodo, y que perfeccionaría a lo largo de su carrera, son producto de una sostenida observación y amplia investigación de los materiales al óleo, la anatomía, la piel, el dibujo y la luz. Freud retomó materiales y procedimientos que habían caído en desuso; entre ellos el blanco de plomo y la técnica veneciana. De éstos hizo ajustes y los transformó, adecuándolos a su forma de trabajo y obligándolos a adoptar el carácter plástico que él buscaba en su obra.

Lucian Freud solía decir que el blanco de plomo traía a su pintura características que eran insustituibles, e hizo uso de él hasta su último día en el taller: un día antes de su muerte. Freud se fijaba en la forma de pintar de grandes artistas del pasado, en los impastos de Rembrandt y el uso de la luz de Georges de La Tour. Probó con cerámica, pintura, escultura, grabado, dibujo y con ello nos hace -aún hoy- viajar hacia nuestro interior estando frente a sus cuadros. A través de su obra consigue hacernos explorar los sentimientos que habitamos y cargamos con nosotros.

Objetivos generales:

  • Analizaremos procesos técnicos y procedimientos pictóricos de Lucian Freud.
  • Haremos especial hincapié en el periodo maduro del artista.
  • Se aprenderá sobre el uso del plomo a la manera de Lucian Freud.
  • Cada alumno pintará un cuadro usando los procesos de Lucian Freud.
  • Este curso es sólo para personas que tengan experiencia previa pintando retrato en técnica de óleo o temple, y que tengan un nivel de experiencia intermedio, avanzado o profesional; no principiantes.
3 Atmósferas Nocturnas y de Penumbra Viernes 15 y sábado 16 de julio de 2016 De 10 am – 2 pm y de 3:30 pm – 7:30 pm $3600 pesos (incluye materiales)

De acuerdo al consenso de la crítica especializada, Goya fue el primer artista que enfatizó a través de las escenas de sus pinturas las causas dentro de la psicología social de sensaciones como la melancolía, la debilidad y la cercanía con la muerte. Específicamente en sus pinturas negras representó un mundo caduco, anterior a los ideales de la revolución francesa, donde había muerte, decrepitud, melancolía y depresión -asociados a la sátira y la tragedia-, fundidos entre los elementos del paisaje, campos de batalla y otros sitios. A todo esto se suma una paleta cromática oscura que recalca dichas emociones y produce estados similares al duelo.

Las escenas nocturnas de la obra de Goya muestran poca o casi nula iluminación, generando sensaciones de enigma; espacios irreales logrados por medio de gamas de color, con contrastes controlados que producen diversos tipos de interpretaciones: fieles, aproximadas y dudosas. Con estas obras Goya detona misterio, ilusión, magia, sueño y desmaterialización. Estas escenas fueron algunos de los principales precursores de la abstracción y, en particular, del expresionismo abstracto.

Es el uso de paletas de colores controladas lo que asegura un manejo asertivo de las atmósferas de oscuridad y penumbra. Las densidades y los medios son a su vez las herramientas para que el artista consiga despertar más emociones en su obra y vaya más allá de la representación bidimensional y narrativa de los elementos y cuerpos. El fin es enriquecer las posibilidades de interpretación.

Objetivos generales:

  • Analizaremos la teoría del color para dominar las escalas cromáticas que mejor representan los horarios nocturnos.
  • Compararemos densidades de medios para producir diversos efectos visuales.
  • Examinaremos densidades y saturación de colores con el fin de lograr efectos difusos, semi-difusos, transparentes, translúcidos y precisos en atmósferas nocturnas.
  • Estudiaremos las penumbras exteriores e interiores.
  • Analizaremos el comportamiento de brillos y reflejos de baja intensidad.
  • Cada persona asistente elaborará un cuadro durante el taller para poner en práctica los conocimientos vistos durante el curso.
4 El Dibujo Hiperrealista Del lunes 18 al jueves 21 de julio de 2016 10 am – 2 pm $3600 pesos (incluye materiales)

El hiperrealismo consiste en representar objetos y otros elementos como si fueran reales, cosa que sólo se consigue haciendo uso de extrema precisión figurativa. Los dibujos hiperrealistas parecen fotografías a primera vista, sin embargo, lograr este tipo de resultados de forma satisfactoria va mucho más allá de simplemente copiar una fotografía. El hiperrealismo como movimiento artístico nació durante los años 60, justo después del gran boom del expresionismo abstracto: el arte minimalista y el pop fueron algunas de sus influencias y detonadores.

Los mayores problemas técnicos que se le presentan a un dibujante o pintor hiperrealista, a la hora de atacar el lienzo, son: ¿cómo representar de manera convincente los diferentes materiales de la naturaleza?, ¿cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo?, ¿cómo plasmar el color exacto y representar la textura de los objetos? y ¿cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?

Para responder estas y otras preguntas revisaremos en este curso la teoría del color, acentuando aquello que es pertinente para el dibujo hiperrealista.  Analizaremos cómo representar en dibujo materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, con texturas, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos, cómo es que éstos se manifiestan ante la luz y, por lo tanto, cómo representarlos de forma asertiva. Haremos una revisión de distintos materiales y sus modos de uso para lograr los resultados que deseamos.

Objetivos generales:

  • Haremos énfasis en los métodos para controlar con precisión los bocetos, el dibujo y la valoración de las luces y de los contrastes.
  • Analizaremos los reflejos -elemento clave del dibujo hiperrealista-, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición. Es esto lo que produce la sensación de una atmósfera engarzada o envolvente.
  • Estudiaremos las luces primarias y secundarias, su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.
  • También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llevar la labor pictórica al punto de extrema precisión:
    • Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
    • Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del lápiz y suavizar los golpes.
    • Qué técnicas de dibujo y materiales son los adecuados para conseguir el mayor grado de precisión.
5 La Pintura Hiperrealista – Primer Módulo Del lunes 18 al jueves 21 de julio de 2016 3:30 pm – 7:30 pm $3600 pesos (incluye materiales)

Gustave Courbet (1819 – 1877), pintor despectivamente nombrado como realista por la crítica de su época, utilizó la crítica a su favor e hizo un manifiesto “realista”, en el cual explicaba su interés por la realidad en sus diversas manifestaciones. El término “realista” fue utilizado por la crítica debido a los temas que el pintor seleccionaba, sin embargo, el realismo es también un método de representación que, en opinión de Courbet, fue desarrollado por Edouard Manet, el “pintor de la vida moderna”. Este término es utilizado con frecuencia como sinónimo de “naturalismo” para definir el intento de reproducir fielmente la realidad, pero una vez más, no es el único significado que se le da a la palabra.

Que se utilice el mismo nombre para designar diversas formas de plasmar o expresar confirma la complejidad de las manifestaciones realistas producidas a lo largo del siglo XX y en tiempos anteriores. El Nouveau réalisme, o Nuevo realismo, implica la apropiación concreta de la realidad; el “hiperrealismo”, o “súper realismo”, es también llamado fotorrealismo o realismo fotográfico a causa de su perfección técnica; el realismo social se enfoca en expandir y hacer visible el conocimiento sobre los problemas sociales; y así, muchas formas de pintar llamadas “realismo” tienen objetivos diferentes.

El novelista, pintor, poeta y crítico de arte John Berger dijo que “el realismo no es un estilo sino una aproximación a un objeto”. Por otro lado, cuando Pablo Picasso hablaba de realismo, decía que había que olvidarse de los objetos: “siempre procuro perder de vista a la naturaleza, me interesa la semejanza, una profunda semejanza, más real que la propia realidad”.

A la hora de pintar un cuadro, hay varios retos que tienen que afrontar aquellos que se interesan en producir imágenes que parezcan verdaderamente reales. El pintor debe analizar aspectos de la luz, las texturas de los objetos, los brillos, reflejos y la conducta de los materiales (independientemente de si son laqueados, transparentes, vidriosos, metálicos, telas, maderas, etc). En estos talleres nos enfocaremos en metodologías precisas para representar lo antes mencionado.

“No creo que en cuestiones de realismo, la fotografía sea la última palabra” –Richard Estes.

Objetivos generales:

  • Este curso será impartido en tres módulos. La información será proporcionada en bloques, para así procurar resultados de calidad profesional.
  • Se analizarán cuerpos opacos tales como la madera, plásticos, papel, piedras, plantas, flores, frutas, telas en diferentes formas y objetos a partir de lo siguiente:
    • Diversos métodos de dibujo y transferencia de los mismos.
    • Métodos técnicos para producir efectos al manipular la pintura, tales como cruzado, punteado, dry brush, estarcido, degradado, esfumado y otros.
    • Densidades de las capas de pintura.
    • Enmascarillados.
    • Wet on Wet.
  • Se realizarán diferentes ejercicios y prácticas en el taller como punto de partida para la elaboración de cuadros en sus propios talleres.
6 La Luz, el Cielo y las Nubes en la Pintura Viernes 22 y Sábado 23 de julio de 2016 De 10 am – 2 pm y de 3:30 pm – 7:30 pm $3600 pesos (incluye materiales)

Al ser representado en obras bíblicas, Dios ha aparecido habitualmente en el cielo, bañado en ocasiones por una atmósfera etérea luminosa, o representado por la luz misma que baja del cielo. Las aparentemente infinitas extensiones que se abren frente a nosotros convergen siempre en el cielo, así como las montañas también llegan y penetran en él. El ermitaño busca consuelo espiritual en las montañas y el artista quizá pretende que su paisaje montañoso se interprete de manera simbólica, como un empinado camino hacia el encuentro con lo trascendental, siempre representado por el cielo: la meta última a la que los pintores románticos europeos como Caspar David Friedrich tanto hicieran alusión.

Para pintar el cielo, sea cual sea la razón por la que lo hagamos, es importante conocer sus reglas. Puesto que el cielo es siempre cambiante, uno no puede simplemente copiarlo del natural, o de una fotografía, y esperar que el resultado sea convincente. Uno tiene forzosamente que haberlo estudiado, ya que el cielo tiene distintas formas de aparecer frente a nosotros: gaseoso, brumoso, sin humedad, con lluvia, frío, cálido, en el ocaso, durante el amanecer, en distintas épocas del año, de noche y estrellado, entre otros. También hay muchas manifestaciones en el cielo que dependen de la fuerza de su luz para mostrarse ante nosotros, sea un rayo, el sol, aviones, auroras boreales, los arcoiris y las estrellas mismas.

La forma en que percibimos las manifestaciones que aparecen en la bóveda celeste está siempre relacionada con la luz y con la densidad de la atmósfera en el lugar desde el cual las observamos, ya sea desde un desierto, una selva, una ciudad, o desde cualquier otro lugar. La luz y la atmósfera son los elementos que el pintor debe estudiar a profundidad para representar convincentemente, y con maestría, los distintos cielos y la infinitud de manifestaciones que en él puedan aparecer. Grandes pintores de distintas épocas sintieron devoción hacia el cielo y lo estudiaron fervientemente: Van Gogh, Monet, Nicolas Roerich, Rothko, entre otros. Es gracias a su legado que los pintores de hoy nos acercamos a la representación del mismo a través del análisis de la teoría del color en sus diversas combinaciones. Cada combinación específica de colores es capaz de producir infinidad de emociones, siendo que como seres humanos tenemos la posibilidad de sentir y asociar profundamente con nuestras vidas al cielo y lo que implica habitar el mundo bajo lo que, en donde quiera que estemos, es nuestro techo.

Objetivos generales:

  • Estudiar la teoría del color y el uso de los materiales en relación a cómo representar convincentemente el cielo.
  • Realizar prácticas con tipos diferentes de iluminación en el cielo.
  • Realizar un cuadro haciendo uso de ésta técnica.
7 El Paisaje Urbano (pintar las ciudades) Lunes 25 a jueves 28 de julio de 2016 De 10 am – 2 pm $3600 pesos (incluye materiales)

Los paisajes pueden representar también cambios que el ser humano realizó en la naturaleza, como serían fortificaciones, edificios y ciudades, ademas de la división del paisaje mediante carreteras, bardas y muros. Las pinturas de estos elementos pueden suponer un reto para los pintores, sin embargo, gracias a que estos elementos sugieren modos de vida y circunstancias sociales y políticas, expanden las posibilidades discursivas de la pintura de paisaje al entablar un diálogo con todos aquellos que habitamos el contexto retratado, enriqueciendo profundamente la lectura de nuestros cuadros.

Los pueblos y las ciudades han aparecido en pinturas desde la Edad Media. En el siglo XIX la ciudad fue un tema esencial para los impresionistas; distintos paisajes de Monet y Pizarro se basaron casi exclusivamente en su representación. La ciudad era vista como un lugar caótico, alienante y lleno de gente, pero a la vez como símbolo de lo moderno y de la nueva forma de vida. Hoy en día, aquella nueva forma de vida es nuestra realidad desde hace más de un siglo. Con ella, el hombre ha producido una transformación total del escenario; una fantasía independiente de la naturaleza, con un colorido específico y una estructura particular.

Las luces de la ciudad y su colorido, distinto al del paisaje natural, los acabados de los autos, los reflejos y rebotes de luces en los vidrios de los edificios, las ventanas, la lluvia sobre el pavimento, los semáforos, los letreros luminosos de los comercios y la pesadez de los gases de la atmósfera. Todos estos elementos representan retos y motivos para los nuevos pintores figurativos. Lo mismo ocurre con los distintos enfoques que nos permiten las construcciones de una ciudad: vistas a nivel de piso, perspectivas a ojo de pájaro desde un edificio, imágenes desde la punta de un rascacielos, desde un avión, saliendo del metro, entrando a un estacionamiento subterráneo; estos cambios de dimensiones alteran la forma en que nos relacionamos visualmente con el paisaje y requieren de análisis y metodologías técnicas para poder ser representados. Es comprendiendo estas sutiles diferencias que se vuelve posible realizar de forma pictórica paisajes citadinos propios y que se puede recrear ciudades fantásticas, a lo que se suma la credibilidad que sólo da el uso de una paleta de colores adecuada.

Objetivos generales:

  • En este curso analizaremos las distintas estructuras y sus perspectivas.
  • Se estudiará la representación de los diversos materiales: opacos, semi opacos, refractantes y luces.
  • Examinaremos los distintos planos y la refracción de los elementos, junto con materiales diversos: opacos, brillantes y refractantes, además de la luz de la atmósfera.
  • Se analizará (en términos de color) la atmósfera misma y elementos como el cielo y los gases que se perciben en la atmósfera de una ciudad.
  • Se discutirá la perspectiva por planos y por color, junto con la perspectiva geométrica.
  • Se realizará un cuadro por alumno en técnica de óleo.
8 Técnicas Indispensables para la Pintura Abstracta Lunes 25 a jueves 28 de julio de 2016 3:30 pm – 7:30 pm $3600 pesos (incluye materiales)

Los pintores que estamos interesados en el lenguaje de la abstracción requerimos la mayor cantidad de recursos y manifestaciones plásticas posibles. Por desgracia, en muchas ocasiones es nuestro desconocimiento de los propios materiales de pintura lo que limita nuestros resultados, y con ello, nuestras posibilidades expresivas.

En el tiempo actual y en el siglo pasado, la abstracción se ha limitado de manera generalizada al uso de unos cuantos materiales: óleos y acrílicos, por lo general, con algunas pequeñas variaciones. Como resultado, hoy en día son cada vez más los artistas, coleccionistas y galeristas que buscan nuevas posibilidades estéticas y discursivas en la pintura abstracta. Se han comenzado a explorar nuevos materiales y, a la vez, se han retomado técnicas antiguas. En esta búsqueda de nuevas formas de expresión son de gran utilidad distintos medios antiguos y contemporáneos, que abarcan desde el uso de materiales cerámicos, materiales de construcción y otros materiales industriales “no artísticos”, hasta el encausto y la técnica de caseína. Cada medio que está fuera de lo acostumbrado nos permite la capacidad de explorar otras regiones del arte aún no descubiertas y, con ellas, sacudir por medio de la técnica algunos rincones desconocidos del alma humana.

Las distintas cualidades de transparencia, opacidad y otras características de los materiales ayudan a ejecutar efectos diversos para apoyar las inquietudes, necesidades o intereses creativos de cada arista. Cada material tiene una propia naturaleza y carácter que por sí mismos evocan sensaciones que el artista no podría conseguir sin apoyarse en ese material particular. Al combinar medios elásticos, medios cortantes, medios dispersantes, aglutinantes, fluidos, densos, sólidos y otros, se estructuran efectos diferentes y, por lo tanto, sensaciones distintas que provocan respuestas visuales únicas. Algunos de estos materiales registran mejor el movimiento del trazo, lo que los hace ideales para explorar el gesto y el movimiento; otros tienen un carácter propio independiente de la forma en la cual fueron aplicados y danzan libremente sobre el lienzo. Estas características diferentes y únicas que todo material posee permiten nuevos resultados, pero a la vez exigen de los artistas atenciones especiales. Es sólo hasta que el pintor obtiene un amplio conocimiento de sus recursos que logra explotar al máximo las posibilidades que ofrece la pintura abstracta, y así, explotar su potencial como artista.

Objetivos generales:

  • Estudiar un panorama basto de procedimientos antiguos que pueden ser unidos a métodos contemporáneos dentro de la pintura abstracta.
  • Realizar pruebas con materiales.
  • Hacer ejercicios y prácticas específicas con distintos materiales.
  • Realizar un cuadro abstracto donde se ponga en práctica lo visto en el taller.

 

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. La mayoría de los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $1000.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Informes: (55) 5373-1059 y (55) 5373-8888 ext. 102, [email protected]

Un comentario to “Cursos de verano 2016”

  1. Susana G Aguirre dijo:

    Buenas tardes me interesan los cursos de verano Dibujo hiperrealista y Pintura hiperrealista primer modulo
    Soy maestra y me interesa apartar el lugar.
    Soy de Chihuahua y pasare el verano en cdmx del 15 de julio al 7 de agosto

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