Una nueva forma de pensar la pintura, revisión de una de las teorías de arte más influyentes del siglo XX

Junio 27, 2016

Durante muchos siglos, los pintores Europeos fueron vistos por la sociedad de sus respectivas épocas como una especie de “fotógrafos”, con una función práctica establecida. Eran útiles para representar imágenes bíblicas, escenas de batallas importantes; para retratar a reyes, las actividades de la nobleza y al clero. De hecho, durante muchos siglos, aquello que se consideraba importante de la pintura era que ésta tenía la capacidad de representar, sin que la pintura en sí misma tuviera mucha importancia. No fue sino hasta el renacimiento, con el inicio de la conciencia artística que surgió conforme dejó de ser el arte exclusivamente anónimo, que los artistas comenzaron a determinar por sí mismos los temas de sus pinturas. A pesar de este cambio, la pintura siguió siendo apreciada sólo en cuanto a su capacidad de producir mimesis y de transmitir ideas, por lo que seguía en cierta forma siendo un súbdito de la literatura o filosofía. Seguía sin ser reconocido su valor como pintura en sí y como arte por derecho propio, independiente de la narrativa.

 

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Rafael di Sanzio, La escuela de Atenas, 1510-1512, 500 x 770 cm.

 

Fue hasta el principio de la época moderna, después de la revolución francesa, donde junto con la pérdida de poder de la aristocracia, el crecimiento de la clase burguesa, la revolución industrial y el flujo de bienes materiales y culturales importados desde las colonias a Europa, que la mentalidad generalizada sobre lo que la pintura debía hacer y ser comenzó a cambiar, de la mano de un nuevo grupo de pintores que hoy en día son conocidos por el nombre de “los impresionistas”. Ellos se preocupaban más por el color, la luz, el movimiento, la forma, y todo aquello que la pintura y la visión podían lograr, que por el mensaje que la narrativa conllevaba. Un ejemplo de ello serían las catedrales de Monet, las cuales pese a retratar una catedral, no tratan de la catedral ni de lo que en ella ocurre, sino de la luz, el color, la pintura y el observar y sentir en sí.

 

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Qué son las veladuras y cómo sacarles el mejor provecho en nuestros cuadros

Junio 20, 2016

Como mencioné en el texto sobre cómo mejorar nuestra paleta de colores, tomar en consideración el grosor y la delgadez de los pigmentos puede enriquecer considerablemente nuestras posibilidades pictóricas, permitiéndonos nuevos y mejores resultados. Generalmente, los pintores compramos nuestras pinturas fijándonos únicamente en el color que poseen, pero el color no es lo único importante: también deberían interesarnos la delgadez o grosor de las moléculas de nuestros pigmentos, así como los agregados que los fabricantes de materiales puedan haber mezclado con las pinturas que compremos, esto porque el resultado de nuestros cuadros dependerá mucho de estos factores.

El grosor molecular de los pigmentos nos es importante por dos razones: por la posibilidad que ofrece su delgadez, o grosor, para producir sensación de distancia o proximidad en nuestros cuadros, y por los distintos bajotonos y veladuras producidos por los diferentes tipos de pigmentos.

En este texto hablaré principalmente de las veladuras.

 

¿Qué es una veladura?

Las veladuras son capas semitransparentes o transparentes de color, que por lo general se colocan sobre otras capas previas de otros colores con el fin de cambiarles el tono, aumentar o disminuir su temperatura o volverlas más oscuras o brillantes. Las veladuras se han utilizado tradicionalmente en la pintura europea desde hace siglos, como parte del sistema de pintura que hoy en día conocemos como “técnica veneciana”. Esta técnica contiene elementos que se comenzaron a desarrollar en la Edad Media y que se perfeccionaron con el paso de los siglos.

Uno de sus elementos más importantes es el uso de grisallas previas, las cuales se hacían tradicionalmente con blanco de plomo y y tierras de sombra. Estas tenían la función principal de ayudar a los pintores a determinar los volúmenes de las formas de manera sencilla; una vez que eran bañadas de color por medio del uso de veladuras, permitían que se intensificara la sensación de luminosidad y de obscuridad en los cuadros.

 

Grisaille Rembrandt

Grisalla de Rembrandt

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Consejos sobre el uso del color negro, extraídos de la pintura europea y oriental

Junio 13, 2016

He escuchado a muchos pintores decir que no les gusta usar el color negro. Dicen que prefieren hacer sus propios negros mezclando colores, habilidad que es indispensable para cualquier pintor. Sin embargo, también he llegado a escuchar a maestros de pintura prohibir el pigmento negro a sus alumnos, por una simple razón lógica: “el negro está prohibido en la pintura”. Existen otros pintores, menos radicales, que utilizan algún negro para agilizar su proceso de trabajo. No obstante, son raros los pintores que saben que distintos pigmentos negros, o mezclas de negro, tienen distintas características visuales -no solo tonales-, y que por lo tanto tienen también distintas funciones y características.

 

Los pájaros muertos

Francisco de Goya, los pájaros muertos.

 

El tabú actual, en cuanto al uso del negro en la pintura artística, proviene en gran medida de una frase de Monet que dice así: “el negro es la muerte de las sombras”. De esta frase muchos pintores dedujeron que los impresionistas no utilizaban pigmento negro en su paleta y por eso comenzaron a no permitir el uso del negro a sus alumnos, diciendo que está “prohibido” añadirlo a la paleta del pintor. Sin embargo, a partir de estudios realizados a los cuadros de Monet,la ciencia ha demostrado que de hecho hay mucho pigmento negro en sus cuadros, es sólo que no lo hay en las sombras. En ellas encontramos más bien mezclas de azul ultramar o mezclas de Alizarina y Verde Viridian.

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El dibujo como herramienta de expresión pictórica e intelectual

Junio 6, 2016

El dibujo como herramienta de expresión pictórica e intelectual, a la manera de los grandes dibujantes del renacimiento.

 

El artista e historiador del siglo XVI, Giorgio Vasari, hizo en su libro Vidas de los Más Excelentes Pintores, Escultores y Arquitectos por primera vez alusión a una noción que hoy en día es dada por hecho: el dibujo nos ofrece, mejor que ningún otro medio, un acceso directo a los procesos de pensamiento de los artistas. Y es cierto que cuando contemplamos los dibujos de grandes artistas, como Miguel Ángel o Leonardo da Vinci, sentimos como si pudiéramos ver sus mentes trabajando. Bajo esta concepción, Vasari nos participa la forma en que los dibujos eran apreciados y coleccionados en ese tiempo, como demostración del talento, no sólo estético, sino también intelectual del artista. Lamentablemente, aun cuando tenemos muchos dibujos de los grandes maestros del pasado, el trabajo de dibujantes de épocas anteriores a Vasari es difícil de encontrar y ampliamente desconocido.

9788437627366

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