Cursos de Verano 2015

Los impresionistas intentaban hacer algo similar a lo que hoy en día logran las fotografías instantáneas, pero utilizando pintura, la cual en contraste, les permitía no sólo representar aquello que observaban sino también el estado emocional que en ellos generaba.

Los impresionistas se salieron del taller para pintar directamente en el campo y dado que lo que les interesaba captar no era la forma precisa del paisaje sino la unión de éste con la atmósfera y la luz, sus pinceladas fueron libres, imprecisas y texturadas a diferencia de las de la pintura académica de la época.

Los impresionistas trabajaron en técnica al óleo y usaron métodos para acelerar el secado de las capas fluidas de pintura y con ello ganar velocidad en su proceso de trabajo. Utilizaron distintos carbonatos para generar impastos secantes y refractantes. Fue mediante estos impastos secos como lograron brochazos toscos, de apariencia espontánea, a la manera de artistas que admiraban, como Goya y Diego de Velázquez.

Utilizaron la yuxtaposición como método de trabajo, técnica que implica la superposición de capas de pintura de densidades distintas y controladas desde la paleta, que producen resultados óptimos.

Emularon mediante movimientos del pincel la agitación de las hojas y la geometría propia de los elementos que representaban, huyendo de la mímesis estrictamente figurativa, produciendo una síntesis inspirada en el arte oriental usando la línea como elemento para sugerir la geometría y la forma sin representar los objetos en su totalidad.

Objetivos:

• Analizaremos la teoría del color con relación a la luz a la manera de los impresionistas.
• Profundizaremos sobre los materiales utilizados por los impresionistas: barnicetas, cargas, distintas densidades de oleos, entre otros.
• Haremos especial énfasis en cómo modular el calibre (o grosor) de los impastos.
• Prestaremos atención en cómo representar objetos mediante trazos sintéticos, haciendo énfasis sólo en los elementos esenciales de la forma con métodos de divisionismo.
• Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de los impresionistas donde aplicará lo visto en el curso.

Van Gogh buscaba en “el corazón de la gente” sus motivos, al igual que su ídolo Jean Francois Millet en quien inspiró no solo su temática, sino su forma de usar el color y exaltar las fuerzas de la naturaleza, en particular la luz. Con él compartió varias temáticas, entre ellas, la de personas dentro de atmósferas místicas, glorificando y elevando desde la imagen más humilde hasta la magnificencia que sólo la luz y el cielo poseen, enfatizando lo trascendente de la vida en lo más modesto del mundo.

El objetivo de la obra de Van Gogh no fue el virtuosismo, sino la comunicación de la emoción subjetiva. Aun así fue un gran técnico, a diferencia de lo que se piensa habitualmente cuando se dice que sólo usaba la pintura “directa del tubo”.

“Sondeemos los misterios de la técnica tan profundamente” —escribió Van Gogh a Van Rappard— “que la gente se agolpe alrededor de los cuadros y jure por los cielos que no tenemos técnica alguna.”

Van Gogh utilizó su línea como un elemento para producir volumen, movimiento, dirección y profundidad, fundiéndola de esta forma con su uso del color y el material. Adelgazó las capas profundas de sus cuadros agrisándolas. Usó veladuras, produjo saturaciones, brochazos espesos e impastos que acompasaba con ritmos y juegos dibujísticos para emular las formas de la naturaleza y producir sensaciones de elementos diversos.

Estudió el color a partir de fijarse en la exaltación luminosa y llegó a comprenderlo de forma precisa, lo cual le permitió llevarlo más allá de sus posibilidades naturales, utilizando altos contrastes cromáticos, además del contraste por claroscuro.

La pintura y técnica de Van Gogh fueron el punto de partida de la nueva pintura europea: “Cuando ya nadie sabía cómo continuar” —dijo Pablo Picasso— “él encontró un amplio camino para el futuro. Éste futuro es la actualidad”.

Objetivos:

• Partiendo de la teoría del color analizaremos la interacción de los colores para        producir paletas con contrastes exaltados a la manera de Van Gogh.
• Estudiaremos el uso de distintas densidades de óleo en la obra de Van Gogh.
• Analizaremos la interacción de la luz y refracción del cielo sobre los objetos y elementos en la tierra.
• Descifraremos los ritmos y patrones de movimiento de las pinceladas características de Van Gogh.
• Estudiaremos la técnica de dibujo de alto contraste de Van Gogh.
• Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de Vincent Van Gogh donde aplicará lo visto en el curso

Los Fauvistas sentían que ya no se podía representar la luz ni la luminosidad de la naturaleza a través del naturalismo, ni mediante las formas del impresionismo. Creían que éstos no podían representar el sentir del hombre moderno, la vida después de la revolución industrial y sobre todo después la primera guerra mundial. Su arte tenía que ver más con expresar el sentir humano que con representar fielmente a la naturaleza. Sin embargo, aunque su interés era alejarse de la mímesis figurativa, estudiaron (al igual que los impresionistas) fielmente la naturaleza: “hay que establecer una correspondencia con la luz del sol por medio de una orquestación rica y policroma, a través de traducciones apasionadas que siempre deben comenzar con la experiencia de la naturaleza, y cuyos resultados y teorías surgen de una búsqueda entusiasta”. Así describía Othon Friesz, uno de los máximos exponentes de la pintura Fauvista, la esencia de esta corriente artística.

Los pintores Fauvistas utilizaron sensaciones de color puro sobre el lienzo a manera de impasto, produjeron intensos efectos lumínicos por medio de veladuras sobre cargas y saturaciones que hicieran ver a los pigmentos mucho más brillantes. Escogieron su paleta de colores basados en su estudio de la luz, la cual comprendieron y abstrajeron para crear pinturas capaces de expresar su sentir, valiéndose de su confianza en lo elemental; la radical simplificación del espectro cromático y la forma.

Usaron las leyes del color para hacer algo que la naturaleza misma no es capaz de lograr, analizándola para separarse de ella y así expresar y ahondar en el sentido del alma humana.

Objetivos:

• Partiendo de la teoría del color analizaremos cómo interactúan los colores, para así elegir paletas exaltadas y conseguir estridencia cromática a la manera de los Fauvistas.
• Analizaremos diferentes procedimientos técnicos como medios, soportes y colores que benefician este procedimiento plastico.
• Estudiaremos procesos para exaltar el color, de artistas como Kees van Dongen y Henri Matisse, entre otros.
• Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de los Fauvistas donde aplicará lo visto en el curso.

Existen pieles jóvenes, envejecidas, de distintas razas, texturas y colores que para ser pintadas requieren diferentes tonalidades. Sin embargo, todas las pieles humanas se componen por las mismas capas de tejido, que al ser representadas en pintura con diferentes grados de transparencia, nos ofrecen una extraordinaria calidad visual.

Representar la piel humana depende del análisis por separado de las capas que la componen, y la comprensión de éstas es lo que hace a un retrato o desnudo parecer de piel viva, y no asemejarse solamente a un muñeco pintado o una fotografía.

Grandes pintores de distintas épocas han logrado representar la piel en su estado vivo, entre ellos destacamos para este curso a Rembrandt y Lucian Freud. Es gracias al estudio de las obras de los grandes pintores, su color, sus materiales y la forma en que los aplicaron, que podemos hoy en día hacer uso de sus conocimientos para enriquecer nuestra técnica y pintar la piel de forma tal que genere la ilusión de estar viva y ser tridimensional.

Objetivos:

• Analizaremos las capas sucesivas de pintura, así como sus distintas veladuras, impastos, cargas y transparencias para representar la piel humana. Utilizaremos secretos técnicos de los grandes maestros que nos permitirán plasmar la piel con seguridad y precisión.
• Entenderemos cómo representar a capas la piel humana controlando los grosores de pintura sucesivos.
• Las primeras capas, llamadas mano prima (magras).
• Las capas gruesas, al grosso modo (grasas).
• Veladuras entre capas, de fina transparencia con las que se obtienen grises ópticos, con el que se consolidan las sensaciones de tridimensionalidad.
• Analizaremos individualmente cómo representar figurativamente el cabello, vello, dientes, ojos y otros detalles.
• Reflejos, brillos y acentos de luz.
• Los barnices finales y sus funciones protectoras.
• Pondremos en práctica la metodología mediante la elaboración de un cuadro.

Otra de las grandes incógnitas de su forma de pintar es la técnica que utilizaron, el encausto, la cual estuvo perdida durante varios siglos. Muchos pintores, entre ellos Leonardo da Vinci, intentaron retomarla sin éxito. Fue hasta principios del siglo XX que Diego Rivera la redescubrió y reinstauró.

El encausto es una pintura translúcida de hermosa apariencia que puede ser controlada con precisión. Es una técnica que tiene una apariencia impresionante, y como nos muestran los artistas del Fayum, especialmente magnífica para el retrato. Por si fuera poco, puede durar miles de años, dado que por sus componentes, con el paso del tiempo se vuelve tan sólida como la piedra.

Para utilizar exitosamente esta técnica es indispensable conocer cómo preparar soportes especiales, controlar la transparencia del material, utilizar cargas, y saber qué función tienen las resinas.

El encausto es una pintura imperecedera, de presencia laqueada que no se altera y que permite abundantes juegos plásticos. Es altamente flexible en cuanto a aplicación de materiales en diferentes grosores, desde los ínfimamente delgados hasta los muy gruesos. Es un material que por sus características, queda completamente anclado a la imprimatura desde las primeras manos, volviéndose con el tiempo una unidad con ella. Es capaz de generar textura y se le puede incrustar oro, y otros elementos, utilizarle con sílice y vidriar su superficie provocando una apariencia refractante. Puede ser trabajado en caliente o en frío y producir desde la figuración más precisa hasta la abstracción más espontánea.

Objetivos:

• Analizaremos los materiales, imprimaturas y medios en sus distintas durezas.
• Estudiaremos cómo aplicar las capas de pintura en técnicas de encausto para lograr óptima pintura de retrato.
• Estudiaremos cómo producir representaciones precisa en encausto, sin que éstas sufran modificaciones con el calor.
• Analizaremos el uso de metales en polvo, laminados de oro y otros metales, sus métodos de aplicación y su comportamiento e interacción con otros materiales.
• Estudiaremos el uso del vidriado en el encausto.
• Cada alumno ejecutará una obra con los procesos técnicos de la pintura de retrato en técnica de encausto donde aplicará lo visto en el curso.

La pintura abstracta parte de nuestro sentir y percibir, de adentrarnos en lo profundo de nuestro ser y nuestro entorno.

Es mediante el color, aceites, barnicetas, barnices, acrílicos, cargas y otros materiales, que el pintor es capaz de expresar y plasmar su subjetividad abstracta. Si bien la pintura abstracta se separa del mundo en sus formas, los elementos a través de los cuales existe funcionan con reglas técnicas, y es el conocimiento de las cualidades de los materiales lo que le da a los artistas la capacidad de expresar sin límites su visión.

La luz tiene la capacidad de atravesar las capas de pintura y es éste el factor que permite al artista generar sensaciones e ilusiones que pueden ser percibidas por el ojo humano. Los diversos manejos técnicos producen efectos distintos en la retina, detonando de esta manera, lecturas y asociaciones diversas en cada observador.

En este curso estudiaremos cómo controlar dichos efectos en la retina a través del uso del material. Utilizaremos diferentes medios, saturaciones, impastos, evanescencias, transparencias, veladuras opacas, translucidas, delgadas, gruesas, diferentes moliendas de pigmentos, cargas, texturas, colores, trazos y efectos que produzcan distintas evocaciones, para así conseguir una aproximación precisa a los intereses de cada pintor, ofreciéndole opciones virtualmente inagotables.

Objetivos:

• Analizaremos variaciones en técnicas de dibujo, tinta, acuarela, gouache, temple, óleo, técnicas mixtas, a la cera, encáustica y acrílico.
• Los efectos, manchas y contrastes visuales que producen medios de densidades distintas, y sus posibilidades de expresión abstracta.
• Analizaremos las diferencias y usos de capas transparentes, semi-transparentes, opacas y cubrientes y sus posibilidades en yuxtaposición.
• Estudiaremos la interacción de colores con efectos lumínicos, de contraste sutil, medio y alto.
• Pondremos en práctica lo visto en el curso elaborando varios cuadros de formatos pequeños, experimentando con las posibilidades de diversas técnicas.

El mayor problema técnico que presentó el pintor hiperrealista fue respecto a cómo representar convincentemente los diferentes materiales de la naturaleza. ¿Cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo? ¿Cómo plasmar el color exacto y representar de la textura de los objetos? y ¿Cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?

Para responder estas y otras preguntas, revisaremos en este curso la teoría del color en relación al hiperrealismo y analizaremos cómo representar materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, texturados, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos y cómo es que éstos se manifiestan ante la luz, y por lo tanto como representarlos de forma asertiva.

Objetivos:

Usaremos la técnica al óleo, la cual ha sido una de las más utilizadas para éste tipo de pintura debido a sus cualidades. Analizaremos variaciones técnicas y métodos para trabajarla de forma óptima y obtener resultados satisfactorios.

Analizaremos la teoría del color para controlar congruentemente la representación de objetos en relación a la atmósfera que los envuelve, destacando la importancia de las luces, brillos, reflejos y acentos de color.

Analizaremos los reflejos, elemento clave de la pintura hiperrealista, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición, produciendo la sensación de atmósfera engarzada o envolvente. Analizaremos las luces primarias y secundarias y su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.

También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llegar a la extrema precisión pictórica:

• Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
• Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del pincel y suavizar los golpes.
• Cuáles materiales son los adecuadas para conseguir el mayor grado de precisión.

El mayor problema técnico que presentó el pintor hiperrealista fue respecto a cómo representar convincentemente los diferentes materiales de la naturaleza. ¿Cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo? ¿Cómo plasmar el color exacto y representar de la textura de los objetos? y ¿Cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?

Para responder estas y otras preguntas, revisaremos en este curso la teoría del color en relación al hiperrealismo y analizaremos cómo representar materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, texturados, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos y cómo es que éstos se manifiestan ante la luz, y por lo tanto como representarlos de forma asertiva.

Objetivos:

Haremos énfasis en los métodos para controlar con precisión los bocetos, el dibujo y la valoración de la luces y contrastes.

Analizaremos los reflejos, elemento clave del dibujo hiperrealista, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición, produciendo sensación de atmósfera engarzada o envolvente.

Analizaremos las luces primarias y secundarias, su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.

También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llevar la precisión pictórica  al punto de extrema precisión. Como son:

• Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
• Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del lápiz y suavizar los golpes.
• Cuales técnicas de dibujo y materiales son los adecuadas para conseguir el mayor grado de precisión.