- Analizaremos la teoría del color para dominar las escalas cromáticas que mejor representan los horarios nocturnos.
- Compararemos densidades de medios para producir diversos efectos visuales.
- Examinaremos densidades y saturación de colores con el fin de lograr efectos difusos, semi-difusos, transparentes, translúcidos y precisos en atmósferas nocturnas.
- Estudiaremos las penumbras exteriores e interiores.
- Analizaremos el comportamiento de brillos y reflejos de baja intensidad.
- Cada persona asistente elaborará un cuadro durante el taller para poner en práctica los conocimientos vistos durante el curso.
4
El Dibujo Hiperrealista
Del lunes 18 al jueves 21 de julio de 2016
10 am - 2 pm
$3600 pesos (incluye materiales)
El hiperrealismo consiste en representar objetos y otros elementos como si fueran reales, cosa que sólo se consigue haciendo uso de extrema precisión figurativa. Los dibujos hiperrealistas parecen fotografías a primera vista, sin embargo, lograr este tipo de resultados de forma satisfactoria va mucho más allá de simplemente copiar una fotografía. El hiperrealismo como movimiento artístico nació durante los años 60, justo después del gran
boom del expresionismo abstracto: el arte minimalista y el pop fueron algunas de sus influencias y detonadores.
Los mayores problemas técnicos que se le presentan a un dibujante o pintor hiperrealista, a la hora de atacar el lienzo, son: ¿cómo representar de manera convincente los diferentes materiales de la naturaleza?, ¿cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo?, ¿cómo plasmar el color exacto y representar la textura de los objetos? y ¿cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?
Para responder estas y otras preguntas revisaremos en este curso la teoría del color, acentuando aquello que es pertinente para el dibujo hiperrealista. Analizaremos cómo representar en dibujo materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, con texturas, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos, cómo es que éstos se manifiestan ante la luz y, por lo tanto, cómo representarlos de forma asertiva. Haremos una revisión de distintos materiales y sus modos de uso para lograr los resultados que deseamos.
Objetivos generales:
- Haremos énfasis en los métodos para controlar con precisión los bocetos, el dibujo y la valoración de las luces y de los contrastes.
- Analizaremos los reflejos -elemento clave del dibujo hiperrealista-, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición. Es esto lo que produce la sensación de una atmósfera engarzada o envolvente.
- Estudiaremos las luces primarias y secundarias, su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.
- También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llevar la labor pictórica al punto de extrema precisión:
- Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
- Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del lápiz y suavizar los golpes.
- Qué técnicas de dibujo y materiales son los adecuados para conseguir el mayor grado de precisión.
5
La Pintura Hiperrealista - Primer Módulo
Del lunes 18 al jueves 21 de julio de 2016
3:30 pm - 7:30 pm
$3600 pesos (incluye materiales)
Gustave Courbet (1819 – 1877), pintor despectivamente nombrado como realista por la crítica de su época, utilizó la crítica a su favor e hizo un manifiesto “realista”, en el cual explicaba su interés por la realidad en sus diversas manifestaciones. El término “realista” fue utilizado por la crítica debido a los temas que el pintor seleccionaba, sin embargo, el realismo es también un método de representación que, en opinión de Courbet, fue desarrollado por Edouard Manet, el “pintor de la vida moderna". Este término es utilizado con frecuencia como sinónimo de “naturalismo” para definir el intento de reproducir fielmente la realidad, pero una vez más, no es el único significado que se le da a la palabra.
Que se utilice el mismo nombre para designar diversas formas de plasmar o expresar confirma la complejidad de las manifestaciones realistas producidas a lo largo del siglo XX y en tiempos anteriores. El Nouveau réalisme, o Nuevo realismo, implica la apropiación concreta de la realidad; el “hiperrealismo”, o “súper realismo”, es también llamado fotorrealismo o realismo fotográfico a causa de su perfección técnica; el realismo social se enfoca en expandir y hacer visible el conocimiento sobre los problemas sociales; y así, muchas formas de pintar llamadas “realismo” tienen objetivos diferentes.
El novelista, pintor, poeta y crítico de arte John Berger dijo que “el realismo no es un estilo sino una aproximación a un objeto”. Por otro lado, cuando Pablo Picasso hablaba de realismo, decía que había que olvidarse de los objetos: “siempre procuro perder de vista a la naturaleza, me interesa la semejanza, una profunda semejanza, más real que la propia realidad”.
A la hora de pintar un cuadro, hay varios retos que tienen que afrontar aquellos que se interesan en producir imágenes que parezcan verdaderamente reales. El pintor debe analizar aspectos de la luz, las texturas de los objetos, los brillos, reflejos y la conducta de los materiales (independientemente de si son laqueados, transparentes, vidriosos, metálicos, telas, maderas, etc). En estos talleres nos enfocaremos en metodologías precisas para representar lo antes mencionado.
“No creo que en cuestiones de realismo, la fotografía sea la última palabra” –Richard Estes.
Objetivos generales:
- Este curso será impartido en tres módulos. La información será proporcionada en bloques, para así procurar resultados de calidad profesional.
- Se analizarán cuerpos opacos tales como la madera, plásticos, papel, piedras, plantas, flores, frutas, telas en diferentes formas y objetos a partir de lo siguiente:
- Diversos métodos de dibujo y transferencia de los mismos.
- Métodos técnicos para producir efectos al manipular la pintura, tales como cruzado, punteado, dry brush, estarcido, degradado, esfumado y otros.
- Densidades de las capas de pintura.
- Enmascarillados.
- Wet on Wet.
- Se realizarán diferentes ejercicios y prácticas en el taller como punto de partida para la elaboración de cuadros en sus propios talleres.
6
La Luz, el Cielo y las Nubes en la Pintura
Viernes 22 y Sábado 23 de julio de 2016
De 10 am - 2 pm y de 3:30 pm - 7:30 pm
$3600 pesos (incluye materiales)
Al ser representado en obras bíblicas, Dios ha aparecido habitualmente en el cielo, bañado en ocasiones por una atmósfera etérea luminosa, o representado por la luz misma que baja del cielo. Las aparentemente infinitas extensiones que se abren frente a nosotros convergen siempre en el cielo, así como las montañas también llegan y penetran en él. El ermitaño busca consuelo espiritual en las montañas y el artista quizá pretende que su paisaje montañoso se interprete de manera simbólica, como un empinado camino hacia el encuentro con lo trascendental, siempre representado por el cielo: la meta última a la que los pintores románticos europeos como Caspar David Friedrich tanto hicieran alusión.
Para pintar el cielo, sea cual sea la razón por la que lo hagamos, es importante conocer sus reglas. Puesto que el cielo es siempre cambiante, uno no puede simplemente copiarlo del natural, o de una fotografía, y esperar que el resultado sea convincente. Uno tiene forzosamente que haberlo estudiado, ya que el cielo tiene distintas formas de aparecer frente a nosotros: gaseoso, brumoso, sin humedad, con lluvia, frío, cálido, en el ocaso, durante el amanecer, en distintas épocas del año, de noche y estrellado, entre otros. También hay muchas manifestaciones en el cielo que dependen de la fuerza de su luz para mostrarse ante nosotros, sea un rayo, el sol, aviones, auroras boreales, los arcoiris y las estrellas mismas.
La forma en que percibimos las manifestaciones que aparecen en la bóveda celeste está siempre relacionada con la luz y con la densidad de la atmósfera en el lugar desde el cual las observamos, ya sea desde un desierto, una selva, una ciudad, o desde cualquier otro lugar. La luz y la atmósfera son los elementos que el pintor debe estudiar a profundidad para representar convincentemente, y con maestría, los distintos cielos y la infinitud de manifestaciones que en él puedan aparecer. Grandes pintores de distintas épocas sintieron devoción hacia el cielo y lo estudiaron fervientemente: Van Gogh, Monet, Nicolas Roerich, Rothko, entre otros. Es gracias a su legado que los pintores de hoy nos acercamos a la representación del mismo a través del análisis de la teoría del color en sus diversas combinaciones. Cada combinación específica de colores es capaz de producir infinidad de emociones, siendo que como seres humanos tenemos la posibilidad de sentir y asociar profundamente con nuestras vidas al cielo y lo que implica habitar el mundo bajo lo que, en donde quiera que estemos, es nuestro techo.
