Cursos de Verano 2018

De igual manera en segundo lugar, deben ser considerados los reflejos que el cielo produce sobre los objetos, siendo estas luces secundarias. Estos cambian, al igual que la luz principal debido al clima o la hora del día. Así mismo, representar grandes distancias tiene implicaciones sobre la forma en que empleamos el color, ya que en ellas el ambiente juega un papel más importante que los objetos representados en sí.

En suma, cuando hablamos de pintura de paisaje hablamos generalmente de escenarios de muchísima amplitud, donde los elementos del paisaje se modifican gravemente en relación con la luz y la atmósfera del ambiente en que se encuentran.

Influyen los horarios del día, como el amanecer o la noche con un cielo estrellado, también influye la época del año, ya sea la luz de invierno o la humedad del verano, etc. De igual manera existen muchas manifestaciones en el cielo que dependen de la fuerza de su luz para mostrarse ante nosotros, sea un rayo, el sol, auroras boreales, los arcoiris y las estrellas mismas; se unen al ser vistas con el polvo, la bruma y otros objetos de la tierra brindando ambos, partes de sus cualidades.

La forma en la que percibimos las manifestaciones que aparecen en la bóveda celeste está siempre relacionada con la luz y con la densidad de la atmósfera en el lugar desde el cual las observamos, ya sea desde un desierto, una selva, una ciudad o desde cualquier otro lugar. La luz y la atmósfera son los elementos que el pintor debe estudiar a profundidad para representar convincentemente y con maestría, los distintos cielos y la infinitud de manifestaciones que en él puedan aparecer. Grandes pintores de distintas épocas sintieron devoción hacia el cielo y lo estudiaron fervientemente, ya que éste envuelve todo lo que se encuentre en la tierra: Van Gogh, Monet, Nicolás Roerich, Rothko, entre otros son algunos de los artistas que mayor devoción sintieron por la atmósfera. Es gracias a su legado que los pintores de hoy nos acercamos a la representación de este a través del análisis de la teoría del color en sus diversas combinaciones.

Una combinación específica de colores es capaz de producir infinidad de emociones y debido a que como seres humanos tenemos la posibilidad de sentir y asociar profundamente con nuestras vivencias al cielo y a la tierra, existir y habitar este mundo donde quiera que estemos nos estimula a recrearlo en la pintura para dar forma y carácter a nuestras ideas

Objetivos generales

• Estudiar la teoría del color y el uso de los materiales en relación con la forma de representar convincentemente el cielo y los elementos terrestres.
• Analizar diferentes tipos de iluminación en el cielo y cómo influyen en la atmósfera.
• Analizar cómo distintas atmósferas influyen sobre los objetos.
• Realizar un cuadro en Técnicas Mixtas haciendo uso de este método didáctico.

Lo que ocurre en espacios interiores es diferente de aquello que ocurre en ambientes exteriores, como los del paisaje. Los ambientes interiores, a diferencia de los exteriores, poseen luz controlada que no varía y que a su vez es de menor intensidad que la del sol, además de abordar una gran diversidad de tonalidades: luz de chimenea, luz que entra por una ventana, la luz de un foco, una vela, un letrero de neón en un bar, etc. Todas estas luces tienen infinitas posibilidades con las cuales evocar ideas y emociones, así como de producir efectos visuales particulares dentro de un cuadro.

La luz nos baña, envuelve y arropa, a la vez que sugiere y exalta determinados sitios de un espacio. Esto puede aprovecharse para enfatizar contrastes dentro de una pintura con atmósferas específicas que ambientan a los elementos y personajes. Por si fuera poco, puesto que dentro de estos ambientes transcurren nuestras vidas, se puede decir que las luces son las moduladoras de aspectos sensoriales y emocionales para nosotros; evocan lo emocional y producen diferentes estados de ánimo en quien las contempla.

Dentro del arte occidental, una de las primeras referencias históricas en la que encontramos cierta forma de pintura de interiores es en las antiguas ciudades romanas, como la ciudad de Pompeya. Durante una época, en Roma, una forma de pintura conocida posteriormente como los “trampantojos de Pompeya” consiguió una gran popularidad. Ésta consistía en pintura mural realizada en el interior de las casas y otros espacios habitacionales.

Lo interesante de esta pintura de interiores es que se imitaban de forma hiperrealista ambientes interiores ficticios con los cuales se decoraban de forma ilusoria las habitaciones donde estas pinturas se realizaban.

Los ambientes interiores nos remiten a lugares en donde transcurren nuestras vidas, hogares, escuelas, iglesias, cuevas o demás ambientes cotidianos. Imaginamos los refugios del interior, los contenedores de nuestros recuerdos, reflejos de nosotros mismos, de nuestros hábitos y de nuestra forma de vida real o imaginativa. Ambientar y modular la luz de escena predispone la atmósfera del cuadro y ayuda al pintor a sujetar emociones en sus obras.

Los espacios interiores, a diferencia de los exteriores, poseen luces controladas, tanto en ambientes o escenarios cerrados como en ambientes semicerrados. Por lo general, en espacios exteriores la fuente luminosa sólo es una: el sol (a menos que sea de noche). En ambientes interiores, por el contrario, puede haber distintas fuentes contrastantes que aquél que pinta puede usar a su favor.

El género de la pintura de interior comenzó formalmente en Europa como pintura de naturaleza muerta; el término “de interior” fue acuñado por primera vez a mediados del siglo XVII. Los precursores de la naturaleza muerta, como ya se comentó, se remontan a Grecia, más esta pintura comenzaría decididamente hasta después del Renacimiento.

El género posee distintas variantes, en el cual se han considerado las naturalezas muertas y bodegones, a lo que se suman las pinturas intimistas como el conocido Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa u otras escenas que transcurren en este tipo de ambientes. Posteriormente y con la llegada de la vida moderna, empezaron a pintarse ambientes interiores, como bares, cabarets con fuertes luces o teatros. Con el paso del tiempo la pintura de interiores evolucionó y los pintores empezaron a interesarse en cosas más allá del simple ilusionismo. Conforme la narrativa se volvía para algunos cada vez más importante la pintura de interiores adquirió cada vez mayor fuerza. Y esta sigue siendo un vasto recurso explorable para el pintor de hoy.

Objetivos generales

• El tema y su iluminación.
• Composición por color: sutiles, medios y altos contrastes.
• Los planos en la pintura.
• Los planos y su iluminación en interiores.
• El volumen de los personajes y objetos.
• El uso del color y su densidad.
• Luz reflejada.
• Brillos y acentos.
• Elaboración de un cuadro en técnica mixta.

Sumergirse en las profundidades, flotar o sobrevolar las superficies, hurgar en el temor, dolor, alegría, amor y desamor; entrelazar pasado, presente y futuro. Construir o deconstruir lo tangible o lo intangible. Atreverse a romper barreras de silencio, de velocidad de la luz. Para abordar estos y muchos otros universos con la inagotable imaginación de una mente creadora como la de los artistas plásticos se han retomado las técnicas antiguas.

En esta búsqueda de nuevas formas de expresión, son de gran utilidad distintos medios antiguos que pueden aliarse a sus procedimientos contemporáneos de construcción permitiendo la capacidad de explorar otras regiones del arte aún no descubiertas y con ellas, sacudir por medio de la técnica algunos rincones desconocidos del alma humana.

Las distintas cualidades de transparencia, opacidad y otras características de los materiales ayudan a ejecutar efectos diversos para apoyar las inquietudes, necesidades o intereses creativos de cada artista. Cada material tiene una propia naturaleza y carácter que por sí mismos evocan sensaciones que el artista no podría conseguir sin apoyarse en ese material particular. Al combinar medios elásticos, medios cortantes, medios dispersantes, aglutinantes, fluidos densos, sólidos y otros, se estructuran efectos diferentes y, por lo tanto, sensaciones distintas que provocan respuestas visuales únicas, lo que hace de lo medios y herramientas técnicas insdispensables para la abstracción.

Otro recurso muy importante para el pintor abstracto es la valoración y conocimiento de la iluminación, para apoyar el carácter cromático de su obra y exaltar a voluntad las emociones elegidas.

El color asociado a la luz es el mejor modo de sujetar la atmósfera del cuadro y así poder crear vitalidad, espacialidad, ilusionismo o relación entre figuras y fondo. Color y luz fomentan la percepción de ritmos y movimientos, libres o controlados acentuando la fuerza que se utiliza en los elementos pintados, mismos que se mueven en el escenario abstracto de manera dinámica o estática. Estudiar el color asociando las emociones humanas, permitirá controlar la paleta del artista abstracto de forma contundente.

Objetivos generales

• Exploraremos ritmos, manchas, efectos diversos, sólidos o dispersos que se provocan con materiales y medios antiguos en técnicas puras o mixtas.
• Estudiaremos el método didáctico para controlar la iluminación y color.
• Analizaremos la relación del color y las emociones humanas.
• Elaboración de ejercicios y un cuadro en Técnicas Mixtas.

Los mayores problemas técnicos que se le presentan a un dibujante o pintor hiperrealista a la hora de atacar el lienzo son: ¿Cómo representar de manera convincente los diferentes materiales de la naturaleza? ¿Cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo? ¿Cómo plasmar el color exacto y representar la textura de los objetos? ¿Cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera? y ¿Cómo representar objetos o elementos que aparenten ser reales y estar frente a quien observa la obra?

Por simple que estas tareas puedan parecer en la época de las computadoras y los efectos especiales, no lo es tanto como un pensaría. La realidad es que pasaron varios siglos antes de que los pintores pudieran lograr pintar de esta manera, tanto que de la Edad Media en adelante se hicieran infinidad de intentos mediante los cuales conseguir este tipo de realismo, y fue particular el trabajo que costó lograr una representación convincente de la iluminación. De hecho, aun utilizando herramientas de computadora para pintar objetos luminosos, esta tarea continúa basándose en las mismas nociones desarrolladas poco a poco por los pintores del pasado, puesto que las reglas esenciales de la luz son las mismas ya sea que se pinte con pincel o con un cursor en la computadora.

En este curso hablaremos de distintos elementos a considerar para generar en nuestra pintura, la sensación de objetos que emanan luz como son: velas, focos de todos tipos, lámparas, fogatas, estrellas, luna, sol, incendios, llamas de estufa, encendedores, luces místicas, divinas y más.

Para producir la ilusión de que un objeto pintado emite luz es indispensable estudiar por separado las siguientes reglas que en el curso se pondrán en práctica:

1. Analizar la manera en que nuestros ojos perciben la luz.
2. Conocer cómo ha sido solucionada esta tarea por otros pintores.
3. Recursos necesarios para elegir los colores adecuados para representar el efecto lumínico.
4. Entender cómo acondicionar medios fluidos o densos para conseguir los efectos deseados.
5. Saber cuándo y cómo elegir la yuxtaposición de capas de pintura para controlar los efectos luminosos.

Puesto que producir la ilusión de que un objeto pintado emite o refracta luz dependerá de valoraciones sensibles por parte del pintor, debemos apelar a aquellos elementos que los seres humanos reconocemos inconscientemente por la relación directa que tenemos con los mismos. Estos son los elementos de la naturaleza y la forma en que la luz actúa físicamente sobre o entre ellos, los cuales serán el modelo para conseguir en nuestra pintura la sensación de objetos que emanan luz.

Objetivos generales

• Analizaremos cómo asociar la teoría del color con la luz física y cómo es percibida por nuestros ojos.
• Veremos cómo se valoran las densidades de los materiales y procedimientos para acelerar el secado en técnica de óleo utilizados por artistas que representaron la luz en su obra.
• Estudiaremos cómo representar cuerpos luminosos y objetos que aparentan emitir luz y cómo afecta esta a los demás elementos del cuadro.
• Realización de una obra con lo aprendido en el taller.

A la hora de pintar un cuadro hay varios retos que los interesados en producir imágenes que parezcan verdaderamente reales tienen que afrontar. El pintor debe analizar aspectos de la luz, de las texturas de los objetos, los brillos, reflejos y la conducta de los materiales; y cuando los objetos a representar son objetos pulidos, refractantes y espejos, los pintores deben afrontar diferentes retos para conseguir resultados de forma satisfactoria, los cuales van mucho más allá de simplemente copiar una fotografía.

Algunos de estos retos para representar objetos refractantes, pulidos y espejos son los siguientes:

1. Analizar la atmósfera en la que se encuentran los objetos refractantes ya que esta participará en proporción importante puesto que pintamos objetos que la refractan.
2. Analizar cómo diferentes pintores han solucionado estos retos.
3. Cuáles son los lineamientos más adecuados para elegir los colores utilizando la teoría del color.
4. Cómo acondicionar materiales, medios fluidos y densos para representar espejos, objetos refractantes y pulidos
5. Cómo resolver la yuxtaposición de capas de color para representar objetos que refractan su entorno y espejos.

Objetivos generales

• Analizaremos el entorno que participa en objetos reflejantes y en espejos.
• Estudiaremos cómo la luz genera la atmósfera del escenario participante.
• Estudiaremos cómo la teoría del color es un gran apoyo para elegir los colores adecuados para la representación convincente de estos objetos.
• Acondicionaremos medios fluidos y densos para controlar la ejecución.
• Se realizará una obra por alumno con lo aprendido durante el taller.

El Hiperrealismo consiste en representar objetos y otros elementos como si fueran reales, cosa que sólo se consigue haciendo uso de extrema precisión figurativa. Aunque la pintura hiperrealista parece fotografía a primera vista, lograr este tipo de resultados de forma satisfactoria va mucho más allá de simplemente imitar la realidad.

A la hora de pintar un cuadro, hay varios retos que tienen que afrontar aquellos que se interesan en producir imágenes que parezcan verdaderamente reales. El pintor debe analizar aspectos de la luz, las texturas de los objetos, los brillos, reflejos y la conducta de los materiales (independientemente de si son laqueados, transparentes, vidriosos, metálicos, telas, maderas, etc).

En este curso intensivo nos enfocaremos en la representación de cuerpos y objetos cuyos materiales son transparentes, ya sean estos cuerpos de agua, vidrios, cristales, plásticos o elementos etéreos.

Los cuerpos transparentes por sus cualidades permiten que veamos a través de ellos. Por su color y forma podríamos percibir qué elementos intervienen y alteran el colorido del entorno cuando vemos dentro o a través de ellos.

Por si fuera poco, aparte de permitirnos ver a través de ellos, también nos permiten ver si son pulidos, refractan luces, reflejan formas y ver su contenido. Además, cuando proyectan su sombra esta es alterada por el color propio del objeto y transformada, ya que la iluminación de la atmósfera es participante aun más en la misma debido a la transparencia que el objeto posee.

En suma, para representar los materiales transparentes se requiere un visible conocimiento de perfección técnica, afinado por el trabajo pictórico que nos heredan los grandes pintores de todos los tiempos.

Objetivos generales

• Haremos énfasis en los métodos para controlar con precisión los bocetos, el dibujo y la valoración de las luces y de los contrastes.
• Analizaremos los reflejos, elemento clave de la pintura hiperrealista, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros generando la integración entre los distintos elementos de una composición. Esto es lo que produce la sensación de una atmósfera engarzada o envolvente.
• Estudiaremos las luces primarias y secundarias, su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas para la representación de cuerpos transparentes, translúcidos y etéreos.
• Realización de un cuadro en Técnica Mixta con lo estudiado en este taller.

En el siglo XVI el triunfo de este nuevo dibujo fue contundente cuando personalidades como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael decretaron la supremacía del dibujo sobre todas las otras artes, convirtiéndose éste en la expresión más íntima y real de la inspiración humana.

Retomar con ímpetu renovado antiguos procedimientos dibujísticos ha sido tarea de muchos grandes pintores como Dega, Klimt, Kaethe, Kollowits y otros de distintos periodos en la historia.

Con ese mismo impulso, materiales adecuados y una figura humana al desnudo, incursionaremos en el vasto campo de las técnicas del dibujo tridimensional. El cual posee muchísimas posibilidades plásticas y es también en sí mismo la antesala de Técnicas Mixtas entre dibujo y pintura.

Objetivos generales

• Analizaremos materiales utilizados para dibujar tridimensionalmente en los siglos XV, XVI, XVII, XVIII, XIX y XX.
• Preparación de materiales de uso para el taller.
• Estudiaremos formas y volúmenes de lo general a lo particular.
• Analizaremos valores de luces y sombras para elegir tonalidades.
• Estudiaremos espacio y entorno en relación con la figura humana.
• Realizaremos un dibujo tridimensional con las técnicas dibujísticas de grandes pintores.

Los grandes maestros del pasado sabían que el secreto para pintar un desnudo consistía en estudiar proporciones, huesos, músculos, piel y luces sobre ella.

Esta práctica fue considerada por muchos como su más importante aprendizaje y como tal, el fundamento de sus conocimientos ya sea que se trabajara directamente con modelos o de memoria.

Fue en 1506 que una escultura que ilustra una escena de la Eucida de Virgilio ejecutada en el taller de Hegesandro, Atenodoro y Polidón de Rodas, llamada El Laoconte (siglo III y I A.C.) emocionó a los pintores de la época y despertó su interés en la descripción de emociones a través del cuerpo humano al desnudo, y por la expresividad de cuerpos y rostros. A partir de ese momento dominar la representación del cuerpo constituyó la más importante prueba de habilidad artística y el vehículo para lograr el máximo grado de expresividad.

Desde entonces el desnudo es uno de los géneros con unas implicaciones culturales e ideológicas que transita por todo tipo de representaciones, ya sean naturales, metafóricas, narrativas, transgresoras, desafiantes, psicológicas, etc.

La representación tridimensional del desnudo implicó un manejo técnico controlado como objetivo principal.

Los esfuerzos sumados por grandes maestros que se enfrentaron a estos retos permiten hoy un gran apoyo para recrear la ilusión de relieves y espacialidad entre los diferentes elementos del cuadro donde se representa la figura humana.

Para esta finalidad se utilizan materiales con densidades y saturaciones distintas, valorando en el proceso los relieves, luces y sombras del cuerpo humano en relación con su entorno y atmósfera.

Objetivos generales

• Analizar, apreciar y valorar procesos técnicos con diferentes medios aglutinantes.
• Acondicionar saturaciones con materiales de carga.
• Proporciones y relieves del cuerpo humano.
• La atmósfera y la iluminación.
• Músculo, piel, brillos y reflejos.
• Elaboración de una obra con lo estudiado de figura humana con modelo.

La luz tenebrista, iniciadora de la revolución del claroscuro en la pintura, no sólo sacaba los cuerpos de una profunda obscuridad, sino que -como toda luz hace- mostraba dichos cuerpos con características que bajo una luz más tenue quizá pasarían desapercibidas.

El Tenebrismo usó la luz renacentista del conocimiento para develar los aspectos humanos que más rechazaba la iglesia durante la Edad Media. Con su estilo pictórico marcaría profundamente el arte de todos los siglos posteriores.

El talento de Caravaggio para representar fielmente sus modelos no fue empleado con la única intención de satisfacer necesidades estéticas. Al igual que en la obra de tantos otros artistas posteriores a él, el “Realismo” o la precisión figurativa, la utilizó para denotar que la realidad no sólo es bella, por el contrario, para acentuar su majestuosidad. Distintos pintores han hecho uso de la precisa figuración para ejercer una mirada exacerbada sobre el mundo. En muchos casos, esta mirada más que exaltada se vuelve profundamente crítica.

Si bien Caravaggio es el artista más conocido que enfatizó la técnica de claroscuro, no fue el único en utilizar dicho estilo pictórico. De igual manera no sería el único partícipe del espíritu que acompañó la época Tenebrista, es más, el Tenebrismo tuvo gran influencia en movimientos posteriores a este, siendo la semilla más influyente en dar lugar a algunos de los movimientos más relevantes en la historia del arte, mismos que también se valdrían del claroscuro. Es posible encontrar sus reverberaciones desde el Barroco hasta el Impresionismo o incluso el siglo XX. Obras como las de Rembrandt habrían sido imposibles de no haber surgido el interés por la luz que introdujo el Tenebrismo en la pintura, lo que explica con facilidad la relevancia de este movimiento en la historia de la pintura como la conocemos hoy, especialmente cuando en ella se enfatizan los altos contrastes.

El desarrollo de la técnica de la pintura de claroscuro al óleo se dió en un momento en el que los artistas intentaban dotar a sus obras de un naturalismo mayor, y la pintura al óleo facilitaba sobremanera ese objetivo. Ella permitía más profundidad, variaciones de color, mayores contrastes y libertad de ejecución gracias a su tiempo de secado.

Las capas oleosas por su elasticidad y transparencia permitían que la luz física atravesara entre las capas sucesivas, generando un mejor rango de valores tonales y una profundidad exaltada que permitía enfatizar intensamente luz y obscuridad. Por estas cualidades fue ganando seguidores ávidos de experimentar con las posibilidades técnicas que el medio graso ofrecía.

Al pasar el tiempo, los pintores afinaban sus conocimientos para representar temas complejos que demandaban ajustar las luces en sus cuadros para dramatizar o intensificar el carácter emocional de sus obras. Al exaltar áreas luminosas y extremar sombras, logramos conseguir la ilusión de “alto contraste” o iluminación extrema.

El carácter dramático y teatral que evoca la figura humana en un ambiente “claroscuro“, es el propósito de este taller. Valoraremos procedimientos técnicos para manipular la luz y el color que sirvan de método práctico para conocer a profundidad los elementos que intervienen en nuestro objetivo de estudio que es la figura humana en claroscuro.

Objetivos generales

• Analizar y valorar altos contrastes luminosos con luces.
• Analizar y valorar altos contrastes luminosos con color (selección del color).
• Diferenciar medios, cargas e impastos con métodos técnicos antiguos y actuales de óleo.
• “Mano prima”, so-capa, veladuras.
• Elaboración de un cuadro de figura humana en claroscuro (con modelo) durante el curso.