Claves para crear la ilusión de perspectiva atmosférica
¿Cuántas veces has mirado a la distancia un hermoso atardecer, amanecer o paisaje en general? Por mucho que nos gustaría ver todos los detalles que sabemos que existen entre los árboles y el paisaje a la distancia, estos se vuelven borrosos e incluso parecen cambiar de color.
Ciertamente cuanto más cerca está algo, más detalles se pueden ver, y cuanto más lejos, menos podemos distinguirlos. Lo que los artistas también hemos aprendido es que la modulación del color puede transmitir la sensación de proximidad o distancia. Las montañas distantes, por ejemplo, parecen más frías, más azules, que sus contrapartes más cercanas. ¿Qué causa esto? Se trata de la perspectiva atmosférica, también conocida como perspectiva aérea, tema que examinaremos en el presente artículo.
Tipos de perspectiva
Lograr una perspectiva atmosférica en el arte requiere una comprensión de la relación entre el objeto y el espectador, que también es imprescindible para mostrar una perspectiva lineal precisa y una dispersión de la luz.
Perspectiva Lineal
Anthony Waichulis, cuyo trabajo ha aparecido en la revista The Artist’s Magazine (septiembre de 2007), dice lo siguiente:
“Los dos tipos de perspectiva que usan los artistas son lineales y atmosféricos (o aéreos).
La perspectiva lineal utiliza líneas y puntos de fuga para determinar cuánto cambia el tamaño aparente de un objeto con la distancia.
Perspectiva atmosférica
La perspectiva atmosférica trata de cómo la apariencia de un objeto se ve afectada por el espacio o la atmósfera entre él y el observador. El maestro renacentista italiano Leonardo da Vinci notó este último fenómeno y lo denominó "la perspectiva de la desaparición".
La perspectiva atmosférica es la frase utilizada para describir nuestras percepciones de los objetos que están en la distancia. Las condiciones en la atmósfera cambian a medida que un objeto o paisaje se extiende a lo lejos. Se puede aplicar una ilusión de profundidad a distancias cortas, como 12 pulgadas, así como crear una ilusión de espacio infinito. Estas condiciones hacen que los objetos cambien de tamaño, color y textura a medida que se acercan o alejan en el plano de una imagen.
Efectos de la atmósfera en el ojo humano
Mediante la perspectiva aérea podemos imitar la forma natural en que la atmósfera interactúa con la luz para posteriormente afectar el ojo humano, de modo que las cosas en la distancia parecen más pálidas, más azules y más difusas que las cosas en primer plano. Aquí puedes observar un poco de perspectiva aérea clásica del pintor romántico Caspar David Friedrich:
Los efectos de la atmósfera en el ojo humano habían sido observados por pintores de frescos de la época romana y se han utilizado en pinturas de los Países Bajos en el siglo XV. Las explicaciones de sus efectos fueron escritas por polímatas como Leon Battista Alberti (1404-72) y Leonardo da Vinci (1452-1519). A continuación puedes detallar la maestría del gran Leonardo Da Vinci aplicando la técnica en su obra La Virgen, el Niño y Santa Ana (1508):
Perspectiva atmosférica y temperatura de color
Leonardo construye un hermoso paisaje imaginario en azul mucho más allá de sus figuras. Los tonos se vuelven más pálidos a medida que retroceden. Observa también cómo los colores de fondo son "fríos" mientras que los de primer plano son "cálidos". Los colores a veces se describen (y los pintores los usan a menudo) en términos de temperatura. Cálidos se suele nombrar a aquellos en el rango rojo-naranja-amarillo. Como colores fríos se suele nombrar a los del lado opuesto del circulo cromático: estamos hablando de la zona verde-azul-violeta.
Son los azules fríos en el fondo en contraste con las piedras de color ocre en el primer plano las que construyen la obra junto a sus formas y figuras.
En esta acuarela de 1842, Lago Constanza, el pintor romanticista inglés J.W.M. Turner también explota el empuje y atracción de colores cálidos y fríos. En esta pintura, los colores cálidos parecen avanzar hacia el espectador, mientras que el azul brumoso retrocede hacia el horizonte.
Consejos para utilizar la temperatura de color para crear profundidad en tus pinturas
La clave principal está en emplear el lado frío de la rueda de colores. Ahora, recuerda que estamos hablando en términos relativos aquí, por lo que aún puedes incluir colores cálidos en la distancia. Pero deben ser más fríos que los que están más cerca. Por ejemplo, considera un objeto que es de color naranja brillante. De cerca, se verá muy naranja, por supuesto. Pero a medida que ese objeto retrocede en la distancia, adquirirá una apariencia ligeramente más fría y menos saturada (como si se hubiera mezclado algo de carmín, azul o púrpura con el naranja).
En las siguientes pinturas, observa la temperatura de color del fondo en relación con el primer plano.
Perspectiva atmosférica y saturación
En general, se dice que la temperatura de color de un objeto tiende a cambiar hacia el lado frío (que se encuentra a nuestra izquierda en la rueda de colores a continuación, e incluye los azules, púrpuras, carmín y algunos verdes) a medida que retrocede en la distancia. Los colores también aparecen menos saturados (menos intensos) en la distancia.
Además de usar el color para convencernos de la profundidad, Da Vinci, Turner y otros grandes artistas hacen un desenfoque para engañarnos y hacernos creer que las cosas están muy lejos. Los bordes de las rocas lejanas están suavizados y los detalles desaparecen en el aire.
Esta falsificación de detalles finos es algo que vemos hacer a Ma Yuan de la dinastía Song (960-1279) en su obra Sauces y montañas distantes. Debido a que este pintor no emplea el color para sugerir la sensación de profundidad, trata de hacer que el primer plano sea realmente nítido y oscuro y el contorno escarpado del fondo sea tenue y vaporoso.
Más claves para crear la ilusión de la perspectiva atmosférica
1. Textura
La textura puede referirse a dos cosas:
- La textura física de la pintura; o
- La ilusión de textura en la pintura (por ejemplo, utilizando la técnica de yuxtaposición entrecortada conocida en ingles como scumble, para crear la ilusión de corteza seca en el costado de un árbol).
Para crear la ilusión de profundidad en tus pinturas, puedes usar más textura en el contraste de primer plano contra un fondo mucho más suave. Esto refleja cómo vemos realmente los detalles. Cuando miras una escena de paisaje, puedes ver todos los pequeños detalles y texturas en primer plano: todas esas piedras, hebras de hierba, ramas, insectos, plantas, etc. Puedes pintar estos detalles con una mayor textura en el primer plano, tanto con una acumulación física de pintura como con una mayor actividad de las pinceladas y colores.
Pero a medida que observas más lejos, todos estos pequeños detalles y texturas desaparecen y se suavizan en una masa general de colores y formas.
2. Valor
El valor es cuán claro u oscuro es un color, en una escala de negro a blanco (con el negro como el valor más obscuro y el blanco como el valor más claro).
Cuando un objeto retrocede en la distancia, parece que tiene un valor más claro de lo que realmente tiene al verlo de cerca. Puedes leer más sobre el valor en esta publicación (Sobre el valor tonal).
En la pintura a continuación de Claude Monet, observa cómo los acantilados lejanos tienen colores con valores tonales más altos (más claros) que los acantilados que están más cerca de nosotros. Además, observa cómo el cielo justo por encima del horizonte es más claro que el resto del cielo. Esto empuja estas áreas hacia atrás en la pintura y crea esa ilusión de profundidad.
3. Detalles
Este es un concepto simple pero con el que algunos principiantes parecen tener dificultades. Cuando miras un objeto en la distancia, parecerá que tiene mucha menos claridad y detalles que cuando se ve ese mismo objeto de cerca.
Entonces, al pintar unas montañas en la distancia, no necesitaras pintar todas las rocas, sombras, árboles y otros detalles particulares. Realmente es necesario simplificar los detalles para crear la ilusión de la perspectiva atmosférica.
En algunos casos, es posible que incluso desees simplificar el fondo para realmente exagerar la sensación de profundidad en tus pinturas.
En la pintura de Turner a continuación, comparemos el nivel de claridad entre el primer plano y el fondo. El fondo casi no tiene detalles y simplemente está ahí para crear el efecto atmosférico. La parte más detallada de la pintura es la parte más cercana a nuestra derecha.
¿Cómo puedes aplicar el concepto de perspectiva atmosférica en tus pinturas?
El primer paso será descomponer tu imagen en planos de perspectiva atmosférica.
Comienza pensando en tus pinturas como un escenario teatral con piezas recortadas de paisajes. Desglosa la escena o pintura abstracta en primer plano, término medio y fondo. Observa los bosquejos a continuación como un ejemplo de lo que quiero decir:
Tomemos el boceto anterior en azul y traduzcamos en un escenario teatral según el boceto anterior. A continuación, divides el paisaje simple en un primer plano, un plano medio y un fondo:
Ejemplo de aplicación
Según el concepto de escenario teatral que describí anteriormente, utiliza colores más oscuros (en las sombras) y brillantes en el primer plano de la pintura y colores más claros y grises en el fondo. Los colores intermedios serían una gradación entre los colores que usaste en los planos frontal y de fondo.
Lista de verificación para crear una perspectiva atmosférica en tus pinturas:
A medida que el espacio retrocede:
- Los detalles se vuelven borrosos o incluso se pierden por completo.
- Los bordes se vuelven gradualmente más suaves a medida que se retrata la distancia.
- El color se vuelve más frío.
- El color se vuelve menos intenso y se desatura, neutralizado o agrisado.
- El contraste entre los valores tonales de luces y sombras disminuye.
Usa la lista de verificación anterior como punto de partida y experimenta para descubrir tu voz visual.
Consejo de pintura
Uno o más de los principios anteriores deben exagerarse en cada pintura para convencer al ojo humano. Es importante exagerar al menos uno, si no todos. Debido a que estarás trabajando en una superficie bidimensional y quieres generar la ilusión de tridimensión, empujar uno o varios de estos factores al extremo será más convincente. En otras palabras, la exageración ayuda a crear un poco de magia en tu trabajo.
Los principios adicionales a tener en cuenta al crear profundidad son:
- Los objetos cercanos se superponen a objetos más alejados.
- Los objetos / formas se hacen más pequeños cuanto más lejos están; este es el principio de la perspectiva lineal.
- Las líneas atraen a los espectadores a la profundidad de una pintura y/o aprovechan nuestros diccionarios visuales. Inmediatamente los interpretamos como una forma tridimensional familiar.
PD: Gracias por tomarte el tiempo de leer esta publicación y espero que hayas aprendido algo nuevo! Si la publicación te pareció útil, compártela.
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