Los dibujos italianos, sin embargo, muestran una gran influencia del Catolicismo y de la iglesia, que por supuesto jugó un papel importante en el patronaje artístico desde siglos atrás. Lo mismo suele ser cierto para los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII, las disciplinas del Clasicismo francés se encargaron de brindar dibujos mucho menos barrocos que sus contemporáneos italianos más libres, los cuales transmitían una gran sensación de movimiento.
Retrato de su hijo Nikolas (1619). Peter Paul RubensEl siglo XVII llegó con un movimiento artístico fuerte y decidido, donde el dibujo se vio enriquecido por las manos de artistas como Jacques Callot, el muy reverenciado (y con justa razón) Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens, Sir Anthony Van dyck, Hercules Seghers, Agostino y Annibale Caracci y el mismísimo Rembrandt, por mencionar algunos.
En el siglo XVIII, a la cabeza del arte francés se encontraban los logros de François Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert, y Gabriel de Saint-Aubin, cuyos dibujos incluían estudios de la figura, obras de género y paisajes.
En Francia se utilizaba mucho la técnica à trois crayons, que literalmente significaba dibujar con tres colores de tiza: rojo, negro y blanco (todos colores de la llamada “paleta primitiva”, compuesta por los colores rojo, amarillo, negro y blanco).
Mientras que en Venecia, Giovanni Battista Tiepolo y familia se encargaban de concebir expansivamente dibujos a pluma, lavados con una brocha, logrando un estilo luminista como el que utilizó Francesco Guardi para sus estudios de paisajes y de escenas imaginarias.
Dibujo preparatorio de Goya para su pintura los DisparatesA principios del siglo XIX, Francisco de Goya dibujaba con pincel y sanguina. Estos dibujos estaban muy asociados a su ciclo de trabajos en aguafuerte. Goya, a grandes rasgos, combinaba los efectos de luminosidad de Tiepolo con el impacto dramático del chiaroscuro de Rembrandt. También por aquel entonces apareció un artista cuya obra principal era la del dibujante y que vino a expandir aún más la concepción de lo que es el dibujo: el caricaturista y satirísta social inglés Thomas Rowlandson.
Fue en este siglo también que el Neoclasicismo idealista de Jean-Aguste-Dominique Ingres encontró una expresión ejemplar de linealidad estricta, y el dibujo a lápiz se convirtió en una forma absolutamente clásica. Todos llevaron cada vez más lejos el dibujo, lo utilizaron con todo tipo de materiales y medios, contribuyendo así al crecimiento del concepto que se tiene sobre lo que es el dibujo.
Ya en el siglo XX, el modernismo impulsó la “originalidad imaginativa” y el rechazo hacia la Academia, con lo cual la aproximación de algunos artistas al dibujo se volvió mucho menos literal y más abstracta.
Pablo Picasso. "The Death of Harlequin," Paris, end 1905 / beginning 1906 gouache over charcoal on cardboard (National Gallery of Art, Washington)¿Que de qué tipo de artistas hablamos? Pues tanto del mismísimo Picasso, como de Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat, que dicho sea de paso, ayudaron a desafiar el status quo de las artes (y de la sociedad misma) manteniendo el dibujo muy cerca del núcleo de su práctica, siendo utilizado para re interpretar las técnicas tradicionales.
Los dibujos de Basquiat, por dar un ejemplo, fueron producidos en muchos medios diferentes, siendo los más comunes la tinta, lápiz, rotuladores/marcadores, pasteles al óleo, y dibujaba prácticamente sobre cualquier superficie que estuviera a la mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes o en cascos de béisbol.
En suma, podríamos decir que se diversificó aún más el uso del dibujo, aunque curiosamente, pese a lo dinámica que se volvió su aplicación, la percepción de lo que es dibujo se quedó pasmada. Al tirar por calle lo ideales de la academia, mucho de valor también se fue con ello y entró en desuso.
Jean-Michel Basquiat - Untitled (Head of Madman), 1982 El dibujo en el arte
Todos sabemos que el dibujo es muy importante en la pintura, y aunque no toda obra de arte ha sido precedida por un dibujo en la forma de un boceto preliminar (recordemos que había artistas como Caravaggio, quien es famoso entre otras cosas por no dibujar antes de pintar), podemos decir que es en efecto la base de todas las artes visuales y parte importante de otras artes plásticas. Lo cierto es que a veces es difícil percibirlo pues el dibujo queda integrado en el trabajo final o es destruido / dejado atrás en el proceso.
Ejemplos de esto hay muchos. La utilidad de los planos para construir los cimientos de un edificio que ha de ser erigido va decreciendo mientras el edificio va siendo terminado. También de manera similar, los puntos y las líneas marcados en un bloque de piedra representan dibujos auxiliares para la escultura que será labrada en el material. No obstante, podemos decir que este tipo de dibujos desde su concepción no tuvieron otra finalidad.
Ahora bien, hoy en día se considera que la gran mayoría de las pinturas son construidas con líneas y/o que al menos son previamente boceteadas en sus contornos principales y que solo mientras se progresa en la obra esta es consolidada en capas de color, aunque para con los términos artísticos y su definición de qué es el dibujo esto no es necesariamente siempre así.
Nicolas Poussin - A Dance to the Music of Time, ca. 1640, pen, brown ink and wash on paper; traces of squaring on black chalk, Edinburgh, Scottish National Gallery.Qué es el dibujo
Sólo piénsalo un poco: de entrada, al menos desde el renacimiento es seguro que el papel sobre el que se dibujaba era previamente entonado para no trabajar sobre un color blanco casi inerte, dando una coloración que también forma parte indefectible del resultado final del dibujo, pues se tenía en consideración dicho entonado incluso al colocar otro colores por encima.
¿Te has fijado como prácticamente ninguno de los dibujos de los grandes pintores y dibujantes del renacimiento, del periodo barroco o de periodos posteriores son empezados en una hoja blanca? pues es por esta razón (no es sólo que el papel sea antiguo o que la foto sea mala).
