El arte oriental y la pintura: explora 5 regiones de Asia a través de su arte
Si vamos a hablar sobre la historia del arte oriental y la pintura, esta publicación probablemente acabe siendo sólo una probada del sabor que realmente tiene la representación artística pictórica de las culturas orientales.
El arte en oriente no sólo es una expresión antiquísima, sino que dibuja el mapa de un vasto rango tanto de expresiones artísticas como de culturas, regiones y creencias espirituales. Representaciones de la naturaleza y del cuerpo humano han formado parte importante del desarrollo de estas representaciones, por lo que podemos encontrarla en pinturas prácticamente de cualquier rincón del continente asiático con muy diversas formas, aunque guarden cierta semejanza con aquello que más las ha influenciado.
Con tal variedad, es un poco difícil limitar este estudio específicamente a la pintura del cuerpo humano, pero haremos lo posible para no divagar de más y en nuestra publicación trataremos de abarcar un poco sobre las regiones principales de Asia que comprenden la Central, el Este, el Sur, Sureste y el Oeste de Asia.
Obviamente, habrá algunos destinos más icónicos en nuestro viaje debido al auge de la pintura y otras artes en sus respectivas culturas, pero encontrarás variedad y será un estudio del cuerpo visto desde los ojos del oriente bastante interesante.
El arte oriental y la pintura
A grandes rasgos, podemos decir que el arte de Asia central consiste principalmente en obras de los pueblos turcos de la estepa euroasiática, mientras que el arte de Asia oriental incluye obras de China, Japón y Corea.
El arte del sur de Asia abarca las artes del subcontinente indio, y el arte del sudeste asiático incluye el arte de Tailandia, Laos, Vietnam, Indonesia y Filipinas.
En ciertos sentidos, se puede decir que la historia del arte en Asia y la del arte occidental han sido paralelas. Las historias del arte de Asia y Europa están muy entrelazadas, y el arte asiático tiene una gran influencia en el arte europeo y viceversa; las culturas se mezclaron a través de métodos como la transmisión del arte por la Ruta de la Seda, el intercambio cultural de la Era de los Descubrimientos y la colonización.
Por supuesto, modernamente esto se ha dado a través de Internet y la globalización, aparte del constante cambio de tendencias y del desarrollo artístico en todo el mundo, pero antes de que el mundo occidental y el oriental se encontraran, el arte oriental y la pintura de la región ya estaban en constante desarrollo y algunos ejemplos son realmente maravillosos.
Asia central
Excluyendo el arte prehistórico, en cuanto al arte oriental y la pintura se refiere, el arte de Mesopotamia representa las formas de arte más antiguas de Asia.
Lamentablemente, ha sobrevivido poca pintura, pero lo que hay sugiere que, con algunas excepciones, la pintura se usó principalmente para esquemas decorativos geométricos y basados en plantas, aunque la mayoría de las esculturas también fueron pintadas. Los sellos cilíndricos han sobrevivido en gran número, muchos de ellos con escenas complejas y detalladas a pesar de su pequeño tamaño.
En este sentido, el cuerpo humano fue representado principalmente a través de esculturas, pero por los fragmentos de frescos que se han encontrado, se han creado recreaciones arqueológicas de lo que hubiera sido, por ejemplo, la sala del Palacio de Nínive con sus paredes llenas de pinturas de un estilo bastante similar al egipcio aunque ciertamente, con elementos distintivos.
No obstante, en las artes de Asia central posteriores a este periodo, podemos encontrar muchas más pinturas que relatan, por ejemplo, el modo de vida de la clase gobernante de los Hepthalitas en Tokharistán. Esto alrededor del siglo XIV al XVI. Y aunque se habla de un periodo hepthalita en la historia del arte de asia central (incluso aparecen en las pinturas encontradas junto con las famosas estatuas de los Budas de Bāmiyān) No fueron los únicos.
Detrás traen mucha historia y después de ellos se siguió desarrollando el arte budista en Bamiyan (Afganistán), el arte de Tarim Basin con su influencia e interacción con el arte Indio y chino, el arte sogdian y de turquía, así como el avance que tuvo el arte relacionado con el Islam y que llegó en la "Era de Oro Musulmana".
En todas estas representaciones, hay mucha sobriedad y en general, para esta región del arte oriental y la pintura, el cuerpo humano y lo que se representa alrededor de él está casi siempre relacionado con las creencias espirituales o con las clases altas y el modo de vida propio de los territorios en los que habitaban las diferentes culturas presentes (que no sin color o exquisitez en diversas formas de arte).
Quizás sea por las inclemencias del entorno o porque que su verdadero fuerte era la escultura, pero es en esta última donde destacan y ahí sí que hay gran variedad de piezas que han sobrevivido al paso del tiempo, aparte de que muchas de estas culturas eran muy diestras en el arte mobiliar que es muy diverso por sí mismo, ya que no sólo se trata de creaciones artísticas como estatuillas u ornamentos, sino también objetos funcionales, herramientas y útiles decorados.
Quizás, también, se reservaban la mejor parte de su día a día de manera muy personal, a diferencia de lo que sucedió en el arte Japonés y el Ukiyo-e, por ejemplo.
Asia Oriental
Muchos dirían que es aquí donde vienen las cartas fuertes de las representaciones pictóricas Asiáticas. Si el arte oriental y la pintura del cuerpo humano de Asia central se distinguía por ser un tanto más pragmático y limitado en cuanto a lo que representaba (en buena parte por apreciaciones de carácter espiritual y social), el arte de Asia oriental se puede ver un colorido y una experimentación en las artes mucho más extenso y detallado.
Cabe aclarar que aún así, las representaciones del arte oriental y la pintura del cuerpo humano en esta regió de Asia podían estar limitadas también por ciertos factores que podían ser de carácter espiritual. Así, algunas formas tempranas de las representaciones del cuerpo humano tardaron en evolucionar, lo cual es, por ejemplo, muy notorio en la ilustración médica tradicional china.
La medicina oriental y occidental comenzaron con fusiones similares de religión, espiritualidad y ciencia. Los anatomistas recurrieron a observaciones y analogías del universo para explicar el cuerpo ya que las supersticiones que rodean la muerte y el destino del alma impidieron acercar más la observación mediante la disección.
Para los anatomistas, la naturaleza también era dividida en elementos, cada uno determinado por asociaciones complejas con dioses y todo lo que existe por voluntad divina, y aunque dicha relación podía tener connotaciones razonables, en muchos casos -y sobre todo en Europa- solían ser meramente supersticiosas y sin verdaderos fundamentos.
Obligados a deducir la anatomía a través de la especulación y las nebulosas memorias de experiencias pasadas, no es de extrañar que las primeras ilustraciones anatómicas inclinadas hacia representaciones simbólicas de órganos (nunca examinados de cerca) resultaran imprecisas.
Pero cuando las barreras de la disección cayeron en la Europa Medieval mientras permanecieron en China, el conocimiento médico oriental y occidental divergieron y, con esto, también los estilos de ilustración: Uno tendió hacia un mayor realismo y el otro preservó las filosofías y el simbolismo de sus primeros estudios.
Pero las artes gráficas en el oriente estaban lejos de quedarse rezagadas en su totalidad, porque en lo que sí podían observar fueron desarrolladas ampliamente, incluso se hizo hincapié en temas que la Europa medieval tardó mucho más en adoptar, ya que a similitud de lo que sucedía con el arte y la pintura de Asia Central, se centraban mucho más en las representaciones de personajes y pasajes religiosos o de monarcas y mecenas adinerados.
Mientras tanto, en países como China o Japón las filosofías de vida y el vibrante folclor les dieron un abanico de temas tales como aves, plantas, insectos, la vida en sociedad, el sexo y demás. No obstante, déjame decirte que, después de ver imágenes de anatomía y disecciones del periodo Edo en Japón también resultan bastante más detalladas que lo hallado en China, comparto una por aquí.
Claro, son temas presentes en toda cultura y civilización, pero la forma y la apertura para abordarlos pueden variar y esto se verá reflejado en su evolución, la cual tomó formas bastante interesantes en los pueblos de Asia oriental, rayando incluso en lo abstracto.
Por otro lado, ¿Sabías que el Tíbet y Mongolia pertenecen a esta región de Asia? El arte que llegó con el Budismo sigue tan presente como en el siglo XVIII (ni la invasión china pudo borrar estas raíces culturales tan fuertes) y ha derivado incluso en frutos contemporáneos bastante llamativos, como es el caso del artista Tashi Norbu.
Japón
Yamato-e
En Japón podemos encontrar el denominado Yamato-e como la forma de arte japonés por excelencia.
Yamato-e (大 和 絵) es el estilo de pintura japonesa inspirado en las pinturas de China, específicamente de las de la dinastía Tang, y fue completamente desarrollado a finales del período Heian. Desde el período Muromachi (en el XV), el término Yamato-e se ha utilizado para distinguir el trabajo de las pinturas contemporáneas de estilo chino kara-e (唐 絵), que se inspiraron en las pinturas de lavado de tinta de la era Song china y la Yuan.
Entre los rasgos carácterísticos del arte Yamato-e, encontramos:
- figuras pequeñas y representaciones muy detalladas de edificios y otros objetos
- La selección de sólo ciertos elementos de una escena a ser completamente representados, donde lo demás puede ser completamente ignorado o cubierto por una “nube que flota”
- Una visión oblicua aérea, que muestra los interiores de los edificios como
- Si se estuviera viendo a través de un corte del techo
- Representaciones muy estilizadas del paisaje
También, en sus inicios la gran mayoría de las obras estaban relacionadas con el budismo. Posteriormente, la caída de la dinastía Tang permitió a Japón y otras naciones tener un desarrollo independiente propio mucho más cómodo.
Decidieron hacer marcadas diferencias en la caligrafía, la filosofía y las artes, aunque ciertos patrones perduraron hasta después. Probablemente este periodo de la pintura japonesa es aún muy temprano como para ver diferencias estilísticas mucho más llamativas.
En el arte oriental y la pintura de este periodo en la historia de Japón, el cuerpo humano era representado en escenas, más que nada como parte del todo de una composición, pero no había un verdadero énfasis aún más que aquel hecho en las características principales de esta forma de arte. Lo interesante vendría en el siguiente paso que dió el arte japonés.
Ukiyo-e
Como comentamos en nuestra publicación acerca del Ukiyo-e “Arte Ukiyo-e: el mundo flotante y 7 de sus exponentes” (que resulta muy recomendable para empaparse mucho más de esta excepcional labor pictórica), el arte Ukiyo-e surge como una evolución natural del Yamato-e, en el que un nuevo modo de vida era enfatizado y celebrado.
El arte Ukiyo-e dependía de la colaboración entre cuatro personas: El artista, usando tinta sobre papel, dibujaba la imagen que luego era tallada por un artesano en un bloque de madera. Luego, el impresor aplicaba pigmento al bloque de madera, y un editor supervisaba y coordinaba el proceso para así después comercializar las obras.
El Ukiyo-e se producía más comúnmente como una hojas impresas, que eran tan económicas que muchos podían pagarlas. También se recopilaron en libros, llamados e-hon. A veces, se realizaba una impresión con dos o tres hojas de papel, creando un efecto de tríptico.
Los retratos usaban un formato vertical, los paisajes un formato horizontal, pero ocasionalmente se realizaban impresiones verticales y estrechas, creando el efecto de un pergamino que se mostraría en columnas o pilares.
Shin-hanga
Shin-hanga (literalmente "nuevos grabados") fue un movimiento artístico de principios del siglo XX, durante los períodos Taishō y Shōwa, que revitalizó el arte ukiyo-e tradicional arraigado en los períodos Edo y Meiji (siglos XVII-XIX).
El arte Shin-hanga mantuvo el sistema de colaboración tradicional ukiyo-e (sistema hanmoto, así era conocido el sistema donde hacían equipo artista, tallador, impresor y editor), de manera opuesta al movimiento paralelo sōsaku-hanga (“impresiones creativas”) que defendía los principios de "auto-impresión"; dibujado ("jiga"), auto-tallado (“jikoku”) y auto-impreso (“jizuri”), según los cuales el artista, con el deseo de expresarse, es el único creador de arte.
Curiosamente, si bien se trató de una necesaria evolución para el arte oriental y la pintura de Japón, estaba creado para un público principalmente occidental, debido al mecenazgo de parte de comerciantes de arte occidentales. Cuenta con imágenes bellamente logradas, que mezclan ese toque clásico de Japón con las novedades en materia de pintura artística traídas por los occidentales.
(para saber más sobre el arte oriental y la pintura del continente asiático -concretamente la japonesa- te recomiendo también nuestra publicación sobre Nihonga)
China
China tiene una larga y prolífica historia si hablamos del arte oriental y la pintura, tanto del cuerpo humano, como de paisajes y otros temas. Fue desde las Seis Dinastías (222–589) hasta la dinastía Tang (618–907) cuando artistas tan importantes como Gu Kaizhi (顧 愷 之) y Wu Daozi (吳道子) (checa la curiosa leyenda sobre éste último en wikipedia) establecieron gradualmente las bases de la pintura figurativa.
La pintura de paisaje comenzó a popularizarse en las dinastías Sui (581–618) y Tang gracias al esfuerzo de artistas como Zhan Ziqian (展 子 虔), Li Sixun (李思 訓) y Wang Wei (王維), y en cuanto a la la pintura de pájaros y flores -que también se volvió uno de los subgéneros dentro del ukiyo-e-, la forma decorativa de la noble corte Tang se transmitió en Sichuan a través del estilo de Huang Quan (黃 筌), que contrasta con el estilo más relajado de Xu Xi (徐 熙) en el área de Jiangnan.
Hay quien dice que la historia de la pintura china se puede comparar a una sinfonía, y que los estilos y tradiciones en la pintura de figuras, paisajes y pájaros-y-flores han formado temas que continúan mezclándose hasta el día de hoy en una sola pieza musical, donde sí se diferencia entre lo tradicional pero contemporáneo y lo foráneo de manera muy marcada.
En cuanto al arte oriental y la pintura se refiere, China siempre será un referente histórico con sus siglos de historia artística, la cual estuvo presente de manera estilística en muchos países que la tomaron como punto de partida para encontrar sus propios estilos.
Corea
Los primeros ejemplos de arte coreano consisten en obras de la Edad de Piedra que datan del 3000 a. C. Estos consisten principalmente en esculturas votivas y, más recientemente, petroglifos, que fueron redescubiertos.
En cuanto al desarrollo del arte oriental y la pintura de este país, dicho período temprano fue seguido por los estilos artísticos de varios reinos y dinastías coreanos. Los artistas coreanos a veces modificaron las tradiciones chinas con una preferencia nativa por la elegancia simple, la espontaneidad y el aprecio por la pureza de la naturaleza.
El arte coreano se caracteriza por transiciones en las principales religiones de la época: el arte chamanista coreano temprano, luego el arte budista coreano y el arte confucionista coreano, que siguieron evolucionando a través de las diversas formas de artes occidentales en el siglo XX.
Sur de Asia
Geográficamente hablando, el arte oriental y la pintura del Sur de Asia comprende todo el subcontinente indio, esto es, incluyendo lo que ahora es India, Pakistán, Bangladesh, Sri Lanka, Nepal, Bután y el este de Afganistán. Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.
La antigua literatura budista e hindú de la India tiene muchas menciones de palacios y otros edificios decorados con pinturas, pero las pinturas de las cuevas de Ajanta son las más significativas de las pocas que sobreviven, ya que las condiciones climáticas no permitieron que mucho de este arte prevaleciera ante el paso de los años.
En esta región y su evolución como parte del arte oriental y la pintura de la región, se pueden identificar ciertas clasificaciones principales concretamente en la labor pictórica
Murales
grandes obras ejecutadas en las paredes de estructuras sólidas, como en las Cuevas de Ajanta y el templo Kailashnath (generalmente del tipo de un fresco).
Miniaturas
ejecutado a muy pequeña escala para libros o álbumes en material perecedero como papel y tela.
Pinturas en tela
Las pinturas sobre tela a menudo se producían en un contexto más popular, a menudo como arte popular de hecho. Era utilizado, por ejemplo, por recitadores itinerantes de poesía épica, como los Bhopas de Rajasthan y Chitrakathi, y se compraban como recuerdo de peregrinaciones.
En cuanto a lo contemporáneo, este campo fértil para el arte oriental y la pintura es tan variado como nunca antes. Entre los artistas más conocidos de la nueva generación se incluyen Bose Krishnamachari y Bikash Bhattacharjee.
Sudeste de Asia
Las comunidades y culturas del sudeste asiático estaban en contacto directo con la India a través de rutas comerciales y estaban fuertemente influenciadas por la religión y el arte indios.
El hinduismo y el budismo se llevaron a la región y se convirtieron en las principales religiones practicadas desde aproximadamente el siglo I a. C. hasta el siglo XIII. Como es de imaginarse, estas influencias jugaron un papel considerable en la configuración del arte y la escultura del sudeste asiático.
Los ejemplos sobrevivientes más famosos de frescos de estilo del sudeste asiático se encuentran en la fortaleza de roca y en las ruinas del palacio de Sigiriya en Sri Lanka. Estos datan de aproximadamente los siglos V-VI EC y representan gráciles figuras femeninas con flores. Se supone que estas figuras son apsaras, o mujeres de la corte del rey.
El arte oriental y la pintura también se vieron en aprietos en esta región: Los artistas trabajaron en medios perecederos, pintando principalmente sobre madera, tela y hojas de palma, pero lamentablemente como en el caso de otros países de Asia, dichos materiales no resistieron los rigores del clima del Sudeste asiático en su mayoría.
Y es todo por ahora. Quedan algunos destinos sin explorar, y otros más sobre los que se podría decir mucho más, pero tampoco se trata de saturarnos de información en una sola publicación. Lo principal es que haya sido de tu agrado y si hay alguna duda, no dudes en compartírnosla.
