Pintura, arte abstracto y cuerpo humano: la deconstrucción del cuerpo en la obra de más de 6 artistas

En esta publicación, exploraremos el vínculo aún existente que guardan pintura, arte abstracto y cuerpo humano. Es una conexión que no siempre parece seguir presente, ya que algunos de los integrantes de las vanguardias de la pintura, en algún punto de su historia, interpretaron los avances hacia la abstracción como un serio y definitivo divorcio entre lo abstracto y lo figurativo, aunque afortunadamente nunca fue consumado del todo, sino que, por decirlo de alguna forma, solo se fueron a vivir por separado durante un tiempo.

Sí, como intuyes, hay que ponerse cómodos todos porque será una publicación con un gusto agradable y bastante filosofal.

Y es que hubo muchos resultados asombrosos y dignos de ser llamados obras de arte mientras esta “ley del hielo” artística fue declarada por algunos en pos de la modernidad, aunque su rigor dejó fuera elementos también realmente valiosos y enriquecedores para los artistas y la pintura en sí, que poco a poco han ganado nuevamente merecida atención y por muy buenas razones como podrás notar a medida que avanzamos en nuestro tema.

Pintura, arte abstracto y cuerpo humano

Efectivamente, a veces pareciera que el arte abstracto moderno se volvió demasiado limitado en su propia definición: un lenguaje visual que se vale de las formas, colores y líneas para crear composiciones que existan con una cierta independencia con respecto a las referencias visuales en el mundo. No obstante, aún sigue formando parte de este último y muchos de sus exponentes utilizan la presencia humana como una maravillosa y potente herramienta narrativa.

Para finales del siglo XIX se sentía una necesidad de cambio en el ambiente artístico, se quería crear un nuevo tipo de arte que se adaptara a los cambios fundamentales que se estaban suscitando en materia de tecnología, filosofía y ciencias.

Las fuentes de donde los artistas tomaron los argumentos teóricos con los que empezaron a plasmar tratando de transmitir mensajes más profundos eran diversas, y cada una respondía a las preocupaciones sociales e intelectuales de todas las áreas de la cultura occidental del momento.

Se puede ver la abstracción como un alejamiento de la realidad en la representación de imágenes en el arte, uno que podía ser ligero, parcial o completo. En este sentido hay mucho espacio para crecer, pero las tendencias hacen que una cosa lleve a la otra y bueno, incluso al apartarse del concepto y la mecánica de la academia, se dejaron del lado conocimientos sobre materiales y técnicas que fueron rescatados del olvido hasta tiempo después.

En realidad, es mejor entender que arte abstracto, arte no figurativo, arte no-objetivo y arte no-representativo son terminos que están estrechamente relacionados, que son similares, pero que no son idénticos per se.

Visto así, hay entendimientos sobre la abstracción donde pintura, arte abstracto y cuerpo humano pueden entablar un ilimitado número de diálogos con el observador, incluso se dice que el arte que tiene como finalidad la verosimilitud del más alto grado puede entenderse como abstracto al menos en teoría, ya que la representación perfecta es imposible (aunque ha habido artistas abstractos que afirman haberla encontrado, como Kazimir Malevich, sobre quien puedes leer más en nuestra publicación “El Suprematismo, Kazimir Malevich y el Arte Contemporáneo”)

Pintura, Arte abstracto y cuerpo humano: En retrospectiva…

Para la primera mitad de los 1940s, los principales movimientos de arte moderno eran el expresionismo, el cubismo, el surrealismo y el dadaísmo; todos de tendencia parcialmente abstracta, aunque la abstracción no empezó aquí en realidad. Algunos dirían que como la conocemos actualmente viene desde los fauvistas (checa nuestra excelente publicación sobre ellos “Fauvismo: la bestialidad pictórica de 1905”) aunque está bien identificado que ya los impresionistas jugaban con elementos de pintura, abstracción y cuerpo humano.

Los artistas e ilustradores pueden indicar la presencia de una figura humana utilizando algunas pinceladas ¿cierto?, pues esto es precisamente lo que ellos hacían. Obviamente, es algo que contrasta completamente con un retrato pintado tradicionalmente, el cual utiliza miles de pinceladas para representar un humano a un fino nivel de detalle.

No obstante, hay estudios que nos dicen que la mayoría de los humanos pueden imputar una cantidad considerable de información en las representaciones más simples y raras de la figura humana. El cerebro humano, después de todo, puede trabajar con representaciones incompletas en nuestros cerebros y también resulta particularmente bueno en eso de identificar humanos.

Aquí va un ejemplo para tener en consideración la relación entre pintura, arte abstracto y cuerpo humano en el impresionismo: en su pintura “Paysage”, Paul Gauguin representa a un sacerdote acompañado de unos niños. La pintura solo tiene contornos incompletos de las personas y el autor no provee de ningún detalle en los rostros, pero aún así logramos ver que el sacerdote tiene una barba y que los niños están mirando hacia la izquierda como podemos apreciar en el acercamiento.

Entender que estos son niños, requiere conocimiento de las alturas relativas de los niños y de los adultos, las cuales todos compartimos. Podemos, también, identificar que el adulto porta un sombrero, tiene barba (y que por lo tanto es un hombre) y que viste una túnica larga que le llega a los pies. Pero eso no es todo: quien entiende el contexto, puede también reconocer que se trata de un sacerdote de la iglesia romana católica.

En un segundo ejemplo, las figuras semi abstractas de Edvard Munch en “Bailando a la orilla” no son más que bordes rellenos en amarillo y blanco con briznas como adornos de pintura contrastante unidas a sus partes superiores. Subjetivamente, estas son mujeres que bailan en la playa. Sabemos que “bailan a la orilla” por el nombre de la obra, pero ¿qué nos dice que son mujeres?

Ambas figuras parecen llevar vestidos, ambas tienen cabello largo y que fluye y la figura de la izquierda tiene una cintura que es estereotípica de una mujer joven.  Si quisiéramos, esto también podría ser interpretado como una mujer pelirroja joven bailando con un sacerdote, pero tendemos a hacer la interpretación más común de que se trata de dos mujeres bailando alegremente.

Podemos imputar la emoción, la “alegría”, desde nuestro entendimiento acerca del tipo de emociones que serían expresadas al bailar a la orilla de la playa y por la posición de las figuras: sus centros de gravedad no están por encima de sus pies, así que se deben estar balanceando la una a la otra al unir sus manos, lo que también implica que se están moviendo rápido.

¿No resulta fascinante todo lo que podemos percibir con solo unas cuantas pinceladas y colores?

Y la relación entre pintura, arte abstracto y cuerpo humano puede ser aún más extrema, incluso aún sin salir de la habitación de los impresionistas, pero por ahora volvamos a nuestros tiempos...

Pintura, arte abstracto y cuerpo humano en el siglo XXI

Ahora bien, debo confesar que esta publicación tenía un objetivo secreto.

La idea era mostrar primero algo básico de la abstracción respecto al cuerpo en la amalgama de estos tres elementos que son: pintura, arte abstracto y cuerpo humano. Para ello nos hemos valido de los que son sus precursores, llegando niveles significativos de abstracción en obras icónicamente impresionistas, para después mostrarte lo que hoy en día se hace en materia de pintura, arte abstracto y cuerpo humano con un interesante giro: la figura humana se roba el escenario en estas pinturas que se mueven entre lo abstracto y lo figurativo.

Creo que es la mejor manera de demostrar que la no-figuración y la abstracción no son exactamente lo mismo.

Como dicen los de la Tate Gallery en su guía de cursos sobre la figura humana, para la mayoría de los artistas que pintan o esculpen “de lo vivo”, su fascinación por la figura humana va mucho más allá de simplemente crear una representación precisa de su modelo.

Francis Bacon

Para romper el hielo, comencemos con una cara conocida: la de Francis Bacon. Aunque claro, él es más bien del siglo XX y su rostro no aparece aquí, sino el de una de sus obras con esos desconcertantes semblantes y elementos, poseedoras de la particular forma de combinar pintura, arte abstracto y cuerpo humano en diversas proporciones, que caracterizan sus experimentos.

No es raro que los artistas hagan este tipo de incursiones en lo desconocido: ya sea al simplificar el cuerpo humano o al mostrarlo de una manera que no sea la más directa, la de todos los días, lo que comúnmente puede significar distorsionar elementos del cuerpo. Esto es precisamente lo que hace Francis Bacon, si has visto sus obras antes es algo que queda muy claro, pero ¿qué es lo que quiere comunicar?

Seguramente has experimentado emociones de enojo, tristeza y frustración ¿cierto? ¿Han llegado a ser tan fuertes como para sentirte torturado por ellas? Esperaría que no, pero de ser así, es parte de lo que la vida le presenta a algunos, y de entre ellos, no son pocos los que piensan una manera de representar estos sentimientos a través del arte. Francis Bacon es de estos artistas.

Sus figuras torcidas expresan un poderoso sentido de dolor psicológico, un sufrimiento y una angustia que las personas a veces experimentan. El utilizaba fotografías de libros y revistas como el punto de inicio para muchas de estas obras maestras.

Angela Fraleigh

Sus encantadores y cuidadosamente organizados cuadros están estelarizados por mujeres representadas al estilo de las pinturas “boudoir” o “de tocador”, resultando en llamativas escenas que muchos encontrarían provocativas hacia el espectador. Ella, sin embargo, también da una personalidad muy distinta a la iconografía con los elementos contemporáneos de los que hacen gala sus obras.

En sus obras, que pueden llegar a los dos metros y medio, las escenas grupales generalmente se establecen en un fondo de efectos pictóricos casi fantásticos, que pueden ir desde la abstracción pura hasta sugerencias de flora y fauna.

“Quiero que mis pinturas sean mágicas y fascinantes, seductoras, al mismo tiempo que inspiren al espectador a hacer preguntas sobre quiénes son, dónde están, qué poder tienen disponible y cómo podrían usar ese poder”, dice la artista.

Ted Holland, director de Hirschl & Adler Galleries, en Nueva York, comenta sobre el trabajo de Fraleigh: “Ella examina los roles y representaciones de las mujeres en la historia del arte - como sujeto, objeto, artista y musa - y reposiciona esas figuras a menudo marginadas en el centro de sus propias pinturas. La mezcla de figuración y abstracción permite que las figuras femeninas existan sin los significantes del tiempo y la ubicación, lo que finalmente les da a las figuras un nuevo poder y contexto".

Con todo, la pintura de Angela Fraleigh también tiene su lado más tranquilo e íntimo. Se dice que es una dibujante exquisita a quien le atraen, entre otros temas, el del reino animal y las complejidades del cabello de las mujeres. Dicen los que saben que algunas de sus pinturas de menores dimensiones tienen un misterio silencioso que recuerda a los tiernos retratos de Gerhard Richter. Siendo este último igualmente alguien que ha explorado por años la relación entre figuración y abstracción en su obra.

Eileen Cooper

Cuentan que Eileen Cooper ha dicho que tiene la cabeza llena de historias: "Mitología, cuentos de hadas, historias bíblicas, fábulas y las primeras películas de efectos especiales, todas son parte de mi trabajo, incluso si no es obvio. Siempre trato de parecer espontánea".

Además de su labor artística, Cooper ha mantenido una carrera docente en instituciones como Central St. Martins, Royal College of Art y las Escuelas de la Royal Academy.

Se convirtió en académica y Guardiana de las Escuelas de la Royal Academy en 2010 (es, de hecho, la primera mujer Guardiana desde la fundación de la RA, en 1768), y en 2016, fue nombrada Oficial del Imperio Británico (OBE) por sus servicios al arte y la educación artística.

En su caso valdría la pena preguntarse si la síntesis, puesto que distorsión, es también una forma de abstraer parcialmente la realidad.

Mark Steven Greenfield

Después de obtener un título de posgrado de Cal State en 1987, Mark Steven Greenfield, con sede en Los Ángeles, lanzó su carrera en la costa oeste utilizando un verdadero cocktail molotov social: tomó algunos de los estereotipos más ofensivos de los afroamericanos en la cultura popular, por ejemplo, la tradición teatral del blackface y las formas en que se retratan los personajes "étnicos" en los dibujos animados, muchos de ellos tan insultantes que desde entonces han sido prohibidos hoy día.

“Hay toda una generación que hoy día ni siquiera sabe que existían estas cosas”, asegura el artista. De su exposición “BLACKATCHA”, que superpuso borrosidades en forma de gráficos oculares sobre fotografías de personajes de cara negra, ha comentado: “Si te incomoda lo que ves, te invito a examinar esos sentimientos, porque de este examen puede que venga la iluminación ".

Daisy Patton

De los retratos de Daisy Patton se dice que son alegremente disfuncionales. En realidad sí que recuerdan a esas gastadas fotos que se encuentran en algún rincón olvidado de cualquier hogar donde alguien que pisó aquellas épocas tenga presencia. Viejas fotos de bordes arrugados o las famosas tomas de estudio que conmemoran compromisos, graduaciones de la escuela secundaria y reuniones familiares informales. Sin embargo, aqui aparecen con un giro inquietante.

Los rostros pueden ser borrados con “máscaras” de colores chillones, los patrones estrambóticos se hacen con la vestimenta cotidiana y la vegetación rastrera y extraña amenaza con engullir a los sujetos desprevenidos. Es una manera de combinar pintura, arte abstracto y cuerpo humano que puede resultar un poco desconcertante para los que se desinteresan ante la fotografía, ya que el trabajo de esta artista igual los hará mirar.

Patton ha estado fascinada por la resbaladiza función documental de la fotografía y por el papel del artista como voyeur, desde antes de recibir su MFA de la Escuela del Museo de Bellas Artes de la Universidad de Tufts en Boston en 2011. En gran variedad de sus series, Patton amplía las fotografías de estudio y las embellece con tintas o pintura, lo que a menudo confiere una surrealidad vertiginosa a los sujetos originales.

"Patton vela, oculta y revela elementos de la figura humana de una manera que atrae al espectador a redescubrir las complejidades familiares de la naturaleza humana", dice Dariya Bryant, directora de K Contemporary, en Denver.”

Dariya también asegura que “Sus delicados estampados florales guían la mirada a través de la composición con intención, envolviendo al espectador en un ensueño de memoria, identidad y pérdida. Al llamar la atención sobre las expresiones faciales, las manos y las extremidades, partes que expresan nuestros sentimientos más íntimos hacia afuera, Patton transmite las historias individuales que alguna vez vivieron sus sujetos y les rinde tributo a estas vidas de una manera hermosa, triste y esperanzada".

Maria Lassnig

Para esta publicación me encontré en el agradable apuro de no saber qué pintura de María Lassnig compartir. Toda su obra resulta tanto brillante (en muchos sentidos) como realmente relevante al tema de la pintura, arte abstracto y cuerpo humano. Ella representaba el cuerpo desnudo directamente y sin tapujos a través de la deconstrucción. En la mayoría de sus obras, uno puede notar como las fluidas pinceladas de brillante pintura dan forma a la textura y al color de su propia piel mientras envejece.

Aunque se dice que fueron muchas las personalidades que adoptó y que todas eran extremadamente ambiguas, hizo un maravilloso trabajo capturándolas en sus diferentes etapas y corrientes.

Se dice que sus “pinturas de conciencia corporal” transforman las figuras en expresiones de las sensaciones físicas de la artista, sobre lo cual ella misma dijo “La única realidad verdadera son mis sentimientos, actuados dentro de los confines de mi cuerpo”.

Con esto en mente, las distorsiones con las que jugaba podían variar grandemente: los miembros podían ser alargados o truncados, las narices se podían convertir en las de un puerco (como en “Tres formas de ser” que vemos aquí en la publicación), las bocas pueden ser alargadas y convertidas en muecas impresionantes.

También, las propias características de la artista podían ser claramente reconocidas mientras mira ella misma al observador, sosteniendo un par de revólveres o mientras yace boquiabierta con los ojos vendados y una cazuela sobre la cabeza.

A esto nos referimos cuando recordamos que la figuración no está en realidad peleada con la abstracción. Pintura, arte abstracto y cuerpo humano pueden coexistir en un sin fin de maneras y es por demás degustable dicha variedad sin censurar innecesariamente la figuración. El artista Alfred Leslie, quien fue muy conocido por sus obras abstractas, comentó cuando empezaron a tomar una forma más realista y figurativa:

“Hubo un punto en el que me di cuenta que si mi trabajo iba a desarrollarse y evolucionar, y que si iba a madurar como un artista, estas ideas figurativas no podían ser ignoradas, incluso aunque el seguirlas pudiera parecer una implicación de que estaba dándole la espalda al siglo XX, dándole así la espalda a mi logro abstracto”.

La próxima vez que quieras combinar pintura, arte abstracto y cuerpo humano, por favor, hazlo con toda libertad y soltura y, de paso, compártelo con el mundo.

Si quieres conocer más sobre pintura, arte abstracto y cuerpo humano también puedes revisar nuestra publicación sobre Cecily Brown, quien es uno de los iconos contemporáneos del tema.

Y, por supuesto, no podemos terminar este texto sin mencionar a De Kooning, de quien deberíamos tener un texto ya escrito en el blog, pero no tenemos. Esperemos pronto hacerlo.

Por ahora te comparto estos otros textos donde aparece más respecto a este tema:

• La composición all over de la pintura abstracta y los estilos relacionados con ella.
• La pintura gestual a través de la historia.
• La pintura abstracta contemporánea de Mark Bradford: género, raza y sociedad.