Escuchar los colores: vida y obra de Wassily Kandinsky
La vida y obra de Wassily Kandinsky tienen una buena cantidad de momentos que trascendieron las barreras del tiempo, todos asociados ineludiblemente a las artes pictóricas y comenzando por el suceso que detonó su carrera artística: Una respuesta visual del todo inusual a una interpretación de la composición “Lohengrin” de Wagner, la cual presenciaba en el Teatro Bolshoi. Fue ahí que decidió dejar su carrera en leyes para estudiar pintura en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Munich.
Cuando describió la experiencia que cambió su vida, dijo “Vi todos mis colores en espíritu, ante mis ojos. Líneas salvajes, casi locas, fueron dibujadas frente a mi”.
Su legado pictórico habla por sí mismo ciertamente, aunque hay mucho más que sus trabajos más icónicos para encontrarse algunas buenas lecciones sobre la pintura. Afortunadamente para el mundo del arte, su paso por el rubro dejó un buen acervo de alumnos, períodos y conceptos para digerir en compañía de la filosofía.
En definitiva, esta publicación sobre la vida y obra de Wassily Kandinsky es tanto para fans confesos del artista como para aquellos que apenas lo están conociendo.
Vida y obra de Wassily Kandinsky
El pintor y teórico del arte Wassily Wassilyevich Kandinsky nació en 1866 en Moscú, Rusia. Su infancia transcurrió en Odessa (hoy ubicada Ucrania), en una familia bien educada de clase alta y de orígenes bastante interesantes, ya que su padre nació cerca de Mongolia, su madre era moscovita y su abuela era originaria del Báltico de habla alemana.
Odessa era una ciudad cosmopolita próspera, poblada por europeos occidentales, mediterráneos y una variedad de otros grupos étnicos. Desde temprana edad, Kandinsky exhibió una extraordinaria sensibilidad hacia los estímulos sonoros, las palabras y los colores, así que su padre animó su talento precoz y único por las artes inscribiéndolo en clases privadas de dibujo, piano y chelo.
No obstante su temprana exposición e interés por las artes, Ingresó a la Universidad de Moscú con la idea de estudiar leyes, etnografía y economía, e incluso se le ofreció impartir una cátedra (cátedra de Derecho Romano) en la Universidad de Dorpat (hoy Tartu, Estonia) pero bueno, ocurrió la revelación antes narrada y el joven Wassily vió la luz a través del sonido, así que a pesar de su éxito como educador, Kandinsky abandonó su carrera como profesor de derecho para asistir a la escuela de arte en Munich en 1896.
Con esto, Kandinksy empezó los estudios de pintura (dibujos de vida, bocetos y anatomía) a la edad de 30 años. Durante sus primeros dos años en Munich, estudió en la escuela de arte de Anton Azbe, y en 1900 estudió con Franz von Stuck en la Academia de Bellas Artes.
Empezando desde la base del realismo del siglo XIX, estuvo influenciado por el Impresionismo, por los latigazos de líneas y los efectos decorativos del Art Nouveau (llamado “Jugendstil” en Alemania), por la técnica de puntillismo Neoimpresionista y por el fuerte e irreal color del Expresionismo de Europa central y del Fauvismo francés.
No pocas veces reveló que tampoco había olvidado los íconos de Moscú y del arte folklórico de Vologda; algunas veces disfrutaba de utilizar patrones de matices violentos que hubieran sido el deleite de sus ancestros asiáticos.
En la escuela de Azbe conoció a futuros co-conspiradores como Alexei Jawlensky, responsable de introducir a Kandinsky en la vanguardia artística en Munich. En 1901, junto con otros tres artistas jóvenes, Kandinsky cofundó "Phalanx", una asociación de artistas que se oponía a las opiniones conservadoras de las instituciones artísticas tradicionales.
Era algo que estaba sucediendo simultáneamente en diferentes lugares por aquellas épocas y otros artistas como Pablo Picasso (checa nuestra publicación sobre él, llamada “20 obras famosas de Picasso”) o Henri Matisse y sus “bestias salvajes” son también muestra de ello.
Phalanx se expandió hasta incluir en sus haberes una escuela de arte en la que Kandinsky enseñó. En una de sus clases conoció a Gabriele Munter, que se convertiría en su compañera por los siguientes 15 años de vida (aunque no fue su única pareja), los cuales transcurrieron llenos de cosas bastante interesantes, empezando por sus viajes a través de Europa y el norte de África desde 1903 hasta 1909.
Durante este tiempo, la vida y obra de Wassily Kandinsky se vieron familiarizadas con el creciente movimiento del Expresionismo, con lo que desarrolló un estilo propio que estaba basado en las diversas fuentes artísticas de las que fue testigo durante dichos viajes.
De hecho, la maduración de todas estas influencias se cristalizó finalmente en un estilo muy propio -sorprendentemente personal dirían algunos- durante 1909, período en el que Kandinsky y Gabriele adquirieron una casa en el pequeño pueblo de Murnau, en el sur de Baviera. El artista trabajaba parte del tiempo en Murnau y otra parte más en Munich.
Concretamente hablando, fue en este punto en que también dió el salto hacia la pintura puramente abstracta. Lo que hay que entender es que su impulso de eliminar por completo un tema concreto en cuestión no se debió única o principalmente a consideraciones estrictamente estéticas.
Se dice que lo que la obra de Wassily Kandinsky buscó representar era una clase de pintura en la que los colores, las líneas y las formas, habiendo sido liberados del molesto negocio de representar objetos reconocibles, pudieran evolucionar hacia un "lenguaje" visual capaz -como lo era, para él, el "lenguaje" abstracto de la música- de expresar ideas generales, evocando al mismo tiempo emociones profundas.
La música y Wassily Kandinsky
La música jugó un papel muy importante en la obra de Wassily Kandinsky, en el desarrollo de sus pinturas abstractas. El famoso compositor vienés Arnold Schönberg fue una de sus influencias.
Schönberg abandonó las convenciones tonales y armónicas en sus composiciones en una suerte de coincidencia metafórica para un Kandinsky que rechazó la figura u objeto reconocible a favor de formas, líneas y colores discordantes en su obra. Inspirado en la música, nuestro artista desplegó color, línea, forma y textura para crear una experiencia visual rítmica que evocaba una respuesta emocional.
Con semejante conexión, resulta simplemente natural que Kandinsky diese títulos musicales a muchas de sus pinturas, como Composición o Improvisación. Era algo que fluía naturalmente en Kandinsky y que, de hecho, tenía todo que ver con la forma particular en que percibía el mundo.
El fenómeno neurológico experimentado por Kandinsky se llama sinestesia (o "percepción unida", de la palabra griega syn que significa "unir" y aisthesis que significa "percepción"). Es una condición rara pero real en la que un sentido, como el oído, activa simultáneamente otro sentido, como la vista por ejemplo.
Las personas con sinestesia pueden, de acuerdo con su condición personal, oler algo cuando escuchan un sonido o ver una forma cuando comen un determinado alimento. Kandinsky literalmente veía colores cuando escuchaba música y escuchaba música cuando pintaba.
De esta manera, el artista exploró inevitable y exitosamente estas sensaciones de formas artísticas, incluidas algunas poco convencionales. Concebidas para el teatro, la obra de Wassily Kandinsky incluye expresiones experimentales de sinestesia basadas en la interpretación, siendo The Yellow Sound la más famosa, que utilizó partituras musicales originales, iluminación y diversos medios para explorar las teorías de color predominantes de la época. ¿Bastante genial, no?.
Para Kandinsky, el color también tenía la habilidad de poner al espectador en contacto con su identidad espiritual. El creía que el amarillo podía molestar, mientras que el azul podía despertar las aspiraciones espirituales más elevadas.
Justo un año antes de pintar Fragmento 2 para Composición VII, Kandinsky escribió “En lo concerniente a lo espiritual en el arte”, que básicamente es una importante declaración de las teorías de Kandinsky acerca del potencial del arte para evocar respuestas físicas, psicológicas y emocionales. Por esta razón, dicho tratado es considerado la primera fundación teórica de la abstracción.
Período Maduro o del Jinete Azul
En 1911, en respuesta al rechazo de una de las pinturas de Kandinsky de la exposición anual de la NKVM, él y Franz Marc organizaron una exposición rival y cofundaron Der Blaue Reiter (“El jinete azul,” sí, como la obra del mismo Kandinsky, aunque se dice que en realidad no le pusieron así por la pintura), una asociación informal de nueve artistas expresionistas que incluía a August Macke, Munter y Jawlensky. Paul Klee también formó parte del grupo, por cierto.
A colación de esto es bueno abrir un paréntesis y subrayar algo: entre 1910 y 1914 la lista de artistas abstractos pioneros incluyó a muchos pintores que hoy son considerados grandes de la pintura. Un examen estricto de las obras y las fechas demuestra, por tanto y a final de cuentas, que Kandinsky no merece ser llamado, como suele serlo, el "fundador" de la pintura no figurativa; al menos no se le puede llamar el único fundador.
No obstante, cuando hablamos de este punto en la historia del arte, la obra de Wassily Kandinsky sigue siendo pionera de primera importancia.
En todo caso, la idea de que Kandinsky sea el fundador de la pintura no figurativa descansa en buena medida en un trabajo sin título que se decía pertenecía a 1910 y se le conoce comúnmente como “Primera acuarela abstracta”, aunque con base a una investigación hecha en los 1950s, este trabajo puede ser ubicado unos años después en la línea del tiempo y considerado un estudio para su Composición VII de 1913.
Dicho esto y volviendo a El jinete azul, aunque los objetivos y enfoques variaban de un artista a otro, en general el grupo creía en la promoción del arte moderno y la posibilidad de la experiencia espiritual a través de las asociaciones simbólicas de sonido y color, dos temas muy cercanos y queridos por Kandinsky (si te interesa el tema, te recomiendo también nuestra publicación “El arte visionario y algunos de sus grandes exponentes”).
Durante su breve periodo de actividad, el grupo publicó una antología (The Blue Rider Almanac o “El Almanaque del jinete azul”) y realizó tres exposiciones. Además, Kandinsky publicó el antes mencionado “En lo concerniente a lo espiritual en el arte”, en el que articulaba su teoría de que el artista era un ser espiritual que se comunicaba y se veía afectado por la línea, el color y la composición.
La obra de Wassily Kandinsky estaba compuesta por obras abstractas y figurativas hasta ese momento, pero expandió su interés por la pintura no objetiva. La famosa Composición VII (1913) fue un ejemplo temprano de su síntesis de forma espiritual, emocional y no referencial a través de patrones complejos y colores brillantes.
Lamentablemente, el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 llevó a la disolución de Der Blaue Reiter, pero a pesar de todo, el grupo inició e inspiró profundamente el estilo expresionista alemán altamente influyente.
Hay que mencionar que qunque en esta parte del periodo uno podía encontrar aún alusiones ocasionales a un paisaje (que puede ser identificado como “El periodo Munich”), los lienzos y acuarelas de la siguiente (en sus años en Moscú) se puede ya percibir la determinación en la obra de Wassily Kandinsky de volverse completamente abstracta.
El periodo Bauhaus
Este y el siguiente periodo también pueden ser considerados como el periodo tardío de la vida y obra de Wassily Kandinksy, que para este momento, ya era un pintor reconocido a nivel internacional.
En 1918 se había convertido en profesor de la Academia de Bellas Artes de Moscú y en un miembro de la sección de artes del Comisariado del Pueblo para la Instrucción Pública. Su “Retrospectiva” (Rückblicke) fue traducida al ruso y publicada por las autoridades municipales de Moscú.
No sería raro que habiendo sido primero maestro de leyes, luego maestro en la escuela que fundó en Munich con su grupo y después nuevamente en Moscú (docencia que dejó porque, en pocas palabras, para 1921 el gobierno de la Unión Soviética estaba inclinándose hacia el realismo social) Kandinsky aceptase el puesto de maestro en la famosa escuela Bauhaus de arquitectura y arte aplicado sin chistar.
Aunque en realidad, no fue hasta 1925, cuando la escuela se mudó de Weimar a Dessau, que tuvo la oportunidad de dar una clase sobre pintura “libre”, no aplicada. Pese a la naturaleza rutinaria de su trabajo, parece que encontraba la vida en la Bauhaus placentera y gratificante. El clima era uno de investigación y artesanía combinado con un cierto grado de puritanismo estético.
¿Cómo respondió la obra de Wassily Kandinsky ante esto? ¡Ah! Pues no paró la marcha y siguió evolucionando en su dirección general rumbo hacia la abstracción geométrica. Eso sí, con un adquirido dinamismo y un gusto por el espacio pictórico repleto de detalle que recuerda su técnica más temprana. También, durante 1926 publicó Punkt und Linie zu Fläche (“Punto y línea al plano”), expandiendo los alcances de su interés por la teoría.
Si “En lo concerniente a lo espiritual en el arte” hacía énfasis particular en la supuesta expresividad de los colores -comparando, por ejemplo, el amarillo con lo agresivo y alegadamente terrenal de una trompeta y el azul con lo presuntamente celestial de un órgano-, “Punto y linea al plano” aplicaba el mismo espíritu al analizar los supuestos efectos de los elementos abstractos del dibujo. Así, por ejemplo, interpretaba una línea horizontal como fría y una vertical como cálida.
Periodo parisino
Aunque era ciudadano alemán desde 1928, emigró a París cuando, en 1933, los nazis obligaron a cerrar la Bauhaus. El último y uno de los mejores de sus cuadros alemanes es el sobrio Development in Brown (“Desarrollo en marrón”); su título probablemente alude a los soldados de asalto nazis de camisa marrón, que consideraban su arte abstracto como "degenerado" (lo cual tampoco sorprende a nadie considerando lo limitado de su criterio).
Vivió los 11 años restantes de su vida en un apartamento en el suburbio parisino de Neuilly-sur-Seine, convirtiéndose en ciudadano francés naturalizado en 1939. Durante este período final de la vida y obra de Wassily Kandinsky, su pintura, que comenzó a preferir llamar "concreta" en lugar de "abstracta", se convirtió en cierta medida en una síntesis de la forma orgánica del período de Munich y la manera geométrica del período de la Bauhaus.
El lenguaje visual al que apuntaba desde al menos 1910 se transformó en un conjuntos de signos que parecen mensajes casi descifrables escritos en pictografías y jeroglíficos; muchos de los signos se asemejan a larvas acuáticas, y de vez en cuando hay una mano figurativa o un rostro humano lunar.
La obra de Wassily Kandinsky de este periodo encuentra sus exponentes más típicas en Violeta Dominante (“Violet Dominant”), Curva dominante (“Dominant Curve”), Quince (“Fifteen”), Moderación (“Moderation”) y Élan templado (“Tempered Élan”). La producción de tales obras estuvo acompañada de la redacción de ensayos en los que el artista destacó el susodicho fracaso del positivismo científico moderno y la necesidad de percibir lo que denominó “el carácter simbólico de las sustancias físicas”.
La inspiración que su obra imprimió en las artes pictóricas es claramente palpable en gran variedad de artistas del siglo XX y XXI. Algunos dirían que todos ellos hacen más digerible el estilo y la ideología de su precursor, pero nadie podría negar que la obra de Wassily Kandinsky siempre resulta interesante de observar.
Aunque este breve relato de su historia muestra solo una pequeña cantidad de dichos trabajos, espero que te haya sido de utilidad para conocer un poco mejor la vida y obra de Wassily Kandinsky y te anime a indagar más en su labor. Esto sólo es una pequeña muestra de sus trabajos así que te invito a visitar la página wassilykandinsky.net
