Cómo fotografiar tus obras

Aprender a fotografiar tus obras de arte es mucho más importante de lo que parece. La fotografía tiene un sin fin de aplicaciones y ya sea que lo hagas por diversión y así poder compartir tus obras con muchas otras personas, para entrar a algún concurso, o bien, para armar un portafolios con la intención de mostrarlo a las galerías o a futuros clientes (ambas cosas van perfectamente mano en mano de todas maneras), lo mejor es tener fotos de buena calidad que mostrar.

El decir “fotos de buena calidad” no sólo implica que se vean bien en general o que sean de gran resolución. Hay un cierto número de detalles que debemos tener a consideración para tomar fotos en las que se vean respetados los colores que tanto nos esforzamos en plasmar a la hora de pintar o dibujar y que han de reflejar el verdadero carácter de nuestra obra.

En esta publicación aprenderás a fotografiar tus obras para que transporten ese significado original y que luzcan verdaderamente geniales a la hora de mostrarlas a todos aquellos que, por cualquier motivo, no puedan verla en persona.

Cómo fotografiar tus obras

Creo que la mayoría de nosotros concordamos con el staff de Agora Gallery: Si nuestras obras son de gran calidad, las fotografías de estas también deben serlo.

Ya sea que nos estemos preparando para entrar a un concurso, crear un portafolio para impresionar a directores de galerías, agentes y comerciantes o para reunir imágenes que queramos utilizar en publicitar nuestros trabajos, es necesario saber cómo tomar fotos grandiosas de las obras que creamos.

Por supuesto, en este caso no nos referimos a las fotos que podemos tomar para crear una obra de arte, lo cual es un tema muy distinto que se trata más bien de la interacción entre fotografía y pintura/dibujo (para esos fines, contamos con publicaciones como "La crisis existencial de la pintura ante el nacimiento de la fotografía (primera parte)" y "La pintura hiperrealista y su alianza con la fotografía"), sino a las fotos que tomamos de un trabajo terminado.

Hay cosas que definitivamente debes evitar cuando pretendemos fotografiar tus obras, por que como decía al inicio, si la foto es muy pequeña o si está fuera de foco, si tiene problemas con el color, con las luces o con las sombras, entonces estaremos tomando una parte de está fuera de la escena y no estaremos haciendo una verdadera representación de nuestro trabajo.

Al caer en esto no importa si la obra original es muy buena, porque en la foto podría aparecer pobremente construida y con los colores malinterpretados, casi como una copia hecha por alguien más (alguien no muy bueno en esto de las artes gráficas, encima de todo), así que siempre recuerda que estas fotos probablemente sean la primera muestra de tu trabajo que muchas personas verán y, si no son buenas, puede que sea la última.

Se que no suena como un tema que se pueda tomar muy a la ligera y, de hecho, el proceso de tomar fotos muy buenas puede ser algo demandante, pero creo que definitivamente como artista puedes disfrutarlo también, ya que no por nada la fotografía llegó a las artes gráficas para quedarse.

Dado que en nuestros días hay suficientes herramientas para que logremos fotos de nuestras obras con gran calidad, veamos que necesitamos para hacerlo, desde cámaras y reflectores, hasta hacer ediciones no invasivas con software especializado para mejorar aún más la calidad.

Estos consejos vienen de diversas fuentes, algunas de las cuales verás a lo largo de la publicación, aunque es el artículo (en inglés) de la fotógrafa Janet Dwyer de Expert Photography el que nos nutre de mayor detalle en esta ocasión.

Las mejores cámaras para fotografíar tus obras

Algunas galerías y museos pueden utilizar técnicas de digitalización de alta calidad utilizando cámaras de formato medio. Aunque la mayoría de las personas no necesitará este equipo.

Una cámara digital de un solo lente (DSLR camera, en inglés), o una cámara de un solo lente es la mejor elección para fotografiar impresiones. De hecho, se dice que su nombre es prácticamente sinónimo de “cámara profesional”. Las hay de alta gama y de baja. No tienen error de desfase y se le pueden colocar diferentes lentes.

Las cámaras compactas con controles manuales también son útiles. (ejemplos: Canon Powershot G5 X, LUMIX DMC-LX5 de Panasonic, Fujifilm X100F)

Si no tienes ninguna de estas o te es imposible conseguirla, un teléfono móvil de última generación puede hacer el trabajo si no se necesitan archivos de gran tamaño o imágenes con gran detalle. En este caso, una aplicación que te permita hacer ajustes manuales ayudaría a obtener los mejores resultados.

Lo que vas a necesitar “sí o sí” para fotografiar tus obras -sin importar qué cámara vayas a utilizar- es un trípode / tripié. No importa que tan bueno sea tu pulso, esto es esencial para una foto bien enfocada y casi una garantía de una buena foto al presionar el obturador mientras todo lo demás esté bien gestionado.

Si tu obra de arte está inclinada, asegúrate de inclinar el trípode de modo que la lente de la cámara quede paralela a la cara de la obra de arte. Si no tienes acceso a un trípode, puedes apoyar la cámara sobre una superficie plana para mantenerla recta y quieta (hack: una cámara/teléfono fijada a una tabla que incluso permite inclinación).

Ajustes de la cámara

Los ajustes son algo crucial para lograr la mejor calidad a la hora de fotografiar tus obras, así que aquí van algunos ajustes que necesitas cambiar antes de presionar el obturador.

Usa una ISO baja para minimizar el ruido en  la imagen. La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Para una imagen con el aspecto más limpio, apaga el ajuste automático de la ISO y después elige la más baja, que por lo general es 100. (Para más información acerca del tema, puedes visitar el Blog del fotógrafo)

Un ajuste mayor, como de 1600 resulta excelente para tomas con luz tenue, pero dara resultados con ruido, granulados. Eso no es lo que quieres al reproducir obras de arte. Especialmente porque estás buscando exactitud en el color y nitidez.

Cambia a Apertura Estrecha para obtener resultados nítidos. Sabemos que si se utiliza una apertura amplia como f/1.2 o f/1.4 se crea una profundidad de campo reducida. Quizás no es algo demasiado problemático a la hora de fotografiar tus obras ya que el lienzo es plano, sin embargo, aún sería lo más ideal elegir una apertura estrecha (o narrow aperture en inglés) como f/11 o f/16. De esta manera, puedes asegurarte de que incluso los detalles más pequeños se mantengan nítidos.

Utiliza el balance de blancos y la gestión del color para una representación precisa. La mayoría de las cámaras digitales tienen un control de balance de blancos (WB) en el cuerpo de la cámara o dentro de su menú. El usuario puede seleccionar configuraciones de nublado a soleado y de flash a tungsteno. Incluso tienen la opción de elegir automático o personalizado para que coincida con la iluminación de la escena.

Hay muchas variables que pueden afectar el balance del color prácticamente en cada paso del proceso, así que utilizar un balance de blancos personalizado al fotografiar tus obras es un primer paso fácil para manejar gestionar el color de tu imagen.

Utiliza un Checador de Color (lo encuentras como Colorchecker en internet) para un mejor resultado, aquí te dejo una explicación más detallado de como se usa por si lo adquieres y también, es recomendable que calibres el monitor del equipo con el que vas a manipular las imágenes para tener bien ajustados su calidad de color, contraste y brillantez. Lo puedes hacer de manera gratuita en este sitio.

Iluminación para fotografia de obras artísticas

La iluminación natural es mejor: una habitación con ventanas grandes o un lugar al aire libre en un día ligeramente nublado funcionará bien. Si no puede encontrar un espacio con suficiente luz natural, lo mejor es utilizar dos lámparas artificiales de la misma intensidad. 

la composición de iluminación estándar para fotografiar arte plano utiliza dos luces idénticas. Puede colocarlos a 45 ° a cada lado frente a la pintura (apuntando hacia esta, como en la primera imagen de la publicación). Estas dos luces deben coincidir en potencia o salida y estar a la misma distancia del centro de la obra de arte.

Este método de iluminación proporciona un lavado uniforme de luz sin sombras. Una luz anula las sombras proyectadas por la otra luz.

Una composición como esta requiere un espacio bastante grande para alejar las luces de la obra de arte. Si están demasiado cerca, es posible que veas reflejos en los bordes de tus pinturas. Intenta alejar las luces para reducir el deslumbramiento o utilice una lente de mayor distancia focal (80 - 100 mm). Esto aleja la cámara del sujeto y ayuda a eliminar el deslumbramiento.

Puedes hacer rebotar las luces en las paredes laterales neutrales o en piezas grandes de un material como hule espuma blanco. También puedes difundirlos a través de algún material blanco para una apariencia más suave y reducir el deslumbramiento al fotografiar tus obras.

¿Qué pasa si tu obra de arte está detrás de un vidrio? Puede eliminar los reflejos utilizando hule espuma negro delante de la lente de la cámara.

El hule espuma en ambos casos no tiene porque ser demasiado grueso, para fines prácticos, el foami colocado en paneles podría funcionar igual de bien, pero debes ser muy cuidadoso: es muy fácil dejar marcas oscuras en el foami blanco y dejar marcas blancas en el de color negro (por ejemplo, si algo puntiagudo le da un rosón, dejará una marca blanca difícil de quitar).

Aunque un par de rayones quizás no hagan demasiado diferencia en el blanco, si está sucio no reflejará la luz igual de efectivamente. Por otro lado, en el negro no quieres ni una sola marca, porque como verás en la siguiente imagen, queda exactamente frente al vidrio y podría resultar reflejada. Una tela no texturizada y con suficiente grosor también podría hacer el trabajo o también, papel sobre panel.

Sobre las fuentes de luz

Evita mezclar tus fuentes de luz. Si la sesión de fotografía es en interiores, bloquea las ventanas. Si estás utilizando la luz natural, apaga las luces que pueda haber en la habitación. En ese caso sólo necesitarás reflejar la luz con el hule espuma blanco.

Dicho esto, utilizar luz artificial para fotografiar tus obras te dará resultados consistentes. También hace más fácil ajustar el balance de blancos después. La luz natural cambia continuamente en calidad, brillantez y temperatura del color, aunque si bien esto es cierto, también lo es que muchos artistas obtienen grandes resultados fotografiando sus trabajos utilizando luz natural.

Es un método que funciona mejor en interiores al situarse en una habitación brillante con ventanas y paredes de color neutral. Aparte de eso, debes tener suficiente espacio para colocar el trípode considerablemente alejado de la obra a fotografiar.

Prepara la escena antes de la sesión

Lo primero que debes hacer al fotografiar tus obras es colgar tu trabajo en una pared de color neutro. El blanco, el gris o el negro suelen funcionar y por ende son las elecciones más comúnes. Por otro lado, disparar en una habitación con paredes de colores brillantes puede desbalancear el equilibrio de color de la foto.

Colocar la obra en una orientación vertical hace que sea más fácil tener una iluminación equilibrada uniformemente en toda la obra, especialmente si tu fuente principal de luz proviene de un lado.

Luego puedes rotar la foto en posproducción para lograr la orientación correcta.

Si la obra tiene un alambre de encuadre, cuélgalo a una altura cómoda y verifique que esté plano contra la pared. Si es necesario, use espaciadores hechos de cartón o núcleo de espuma detrás de cada esquina. De esa manera, la obra de arte cuelga paralela a la pared.

Usa un nivelador para verificar que tu obra esté vertical. Luego, coloca tu cámara para que la altura de la lente coincida con el centro de la obra de arte. Consigue una cinta métrica para mantener todo en orden, trata de no hacerlo “a ojo”.

Vuelva a comprobar el nivel en la pantalla de la cámara para ver si también está paralelo a la pared de disparo. Cuando tanto la parte trasera de la cámara como la obra de arte están paralelas entre sí, la perspectiva debe ser casi correcta. La distorsión también será mínima.

Acércate lo más posible, dejando solo una pequeña cantidad de espacio alrededor de los bordes de tu obra de arte. Esto lo puedes recortar más tarde.

Considera la dirección y la calidad de la luz

¿Está utilizando la luz de la ventana como fuente principal para fotografiar tus obras? Entonces coloca una gran pieza blanca de hule espuma en el lado opuesto de la ventana al lado de la pintura. Al hacerlo, se rebota parte de la luz de la ventana para equilibrar el lado más oscuro del trabajo.

Puedes controlar la textura variando la distancia de la pieza / panel blanco al trabajo.

Utiliza una tarjeta gris para capturar colores con precisión

Incluir una tarjeta blanca o gris en una de tus fotos le brinda un punto de referencia conocido. La utilidad es que puedes usar esto en tu editor de imágenes para limpiar cualquier tinte de color presente.

Si usas un "cuentagotas" para leer varios tonos en tu editor de fotos, los colores neutros tendrán lecturas numéricas RGB iguales. Por ejemplo, el blanco puro es 255 255 255; gris medio neutro es aproximadamente 120120120, mientras que un gris muy oscuro puede leer 50 50 50.

El punto es que están cerca del mismo valor, lo que indica que no hay tinte de color presente. En teoría, cuando los colores neutros son neutros, otros tonos también serán más precisos.

Verifica el enfoque y dispara detalles precisos

Amplía la foto al 100% en tu cámara o pantalla de computadora y comprueba el enfoque en el centro y en las cuatro esquinas. Debes verificar que el encuadre sea lo más cuadrado posible (valga la redundancia). Puedes utilizar la herramienta de recorte o perspectiva para realizar pequeños ajustes y encuadrar.

Al fotografiar tus obras, considera acercarte para obtener una toma detallada en lugar de recortar o ampliar la imagen general. Si lo haces de esta manera, obtendrás mayor nitidez y serán más notorios los detalles finos de tu trabajo. Esto también suele ser un requisito para participar en exposiciones o concursos de galerías.

Lo recomendable es guardarla en el formato RAW, que permite guardar toda la información en la mayor calidad posible. ¡Y listo! es suficiente para que puedas fotografiar tus obras de arte con resultados de calidad y satisfactoriamente. Otra recomendación es que tomes muchas fotos, incluso si ya has tomado una que cree que te gustaría utilizar. Es mejor tener más opciones al pasar las imágenes a tu computadora.

Considerando lo que has visto aquí, y siguiendo también los consejos de algunos fotógrafos, puedes no limitarte a tomar fotografías desde un punto de vista o ángulo.

Si lo que pretendes es, por ejemplo, poner tu obra a la venta, y se trata de un lienzo original, toma una fotografía lateral para indicar la profundidad. Si está enmarcada, puedes hacer una toma donde el marco sea visible. En este caso, un primer plano de la firma de la obra de arte siempre es una buena idea, así como el número de edición si se trata de una edición limitada.

¿Y los toques finales?

Realiza los ajustes necesarios en la computadora, pero sin abusar. Una vez que haya transferido las imágenes, chécalas y decide cuáles resultan más útiles para la finalidad en particular que les tienes planeada. Puedes utilizar algunas herramientas básicas de edición de fotografías para recortar sus imágenes y eliminar el espacio de fondo no deseado. La imagen principal de tus obras de arte debe ser solo del lienzo de la obra de arte, de la pintura o dibujo como tal sin nada alrededor.

A la hora de hacer ajustes necesarios basados en la tarjeta gris o el colorchecker, herramientas como los “Niveles” de Photoshop pueden resultar muy útiles. Incluso el ajuste de contraste puede llegar a ser útil, pero intenta no editar demasiado. Lo que quieres, a final de cuentas, es que los colores luzcan en la foto como lucen en la pintura original. Esta es la forma más adecuada para fotografiar tus obras y compartirlas con el mundo.