El dibujo con modelo artístico es un referente temprano y constante en la carrera de prácticamente todo artista gráfico, especialmente aquellos enfocados en la pintura y el dibujo.
Simplemente no hay mejor manera de empezar a adentrarse en las profundidades de la anatomía humana y de la figuración en general, ya que en su cotidianidad, el cuerpo humano es una compleja bio-máquina que puede ser utilizado para transmitir todo tipo de mensajes (como estados anímicos y el movimiento o la suspensión de este entre otros) a través de una gran variedad de técnicas y elementos compositivos propios de la representación artística.
Otra de las maravillas de esta práctica es que, a través del dibujo con modelo artístico, uno puede pulirse en la concepción detallada, empezando desde dibujos gestuales, sueltos y desenfadados, que le serán de gran utilidad al representar la forma humana de manera más vívida en sus obras.
Pero el dibujo con modelo no siempre es fácil y, a veces, por las circunstancias en las que se desarrolla, la gente puede simplemente preferir quedarse con todo tipo dudas para no parecer demasiado inexpertos, pues aunque no se necesita ser un profesional para practicar el dibujo con modelo artístico, la percepción general es que se trata de una actividad muy de artistas, más que de aspirantes a artistas.
Por esta razón, la presente guía pretende ser un “todo lo que siempre quisiste saber sobre el dibujo con modelo artístico pero nunca te atreviste a preguntar”, que resulte de utilidad para conocer mejor esta grandiosa práctica y llevarla a cabo más a gusto.
Antecedentes del dibujo con modelo artístico
Desde la prehistoria, la figura humana ha sido objeto de dibujos. Gran cantidad de culturas y civilizaciones antiguas permanecen como testigos atemporales de esto en sus obras.
La observación y la representación siguieron evolucionando, con lo cual el nivel de detalle siguió aumentando, con lo cual hoy podemos observar que, si bien las prácticas de estudio de los artistas de la antigüedad son en gran parte desconocidas, la sofisticación anatómica de sus obras sugiere que con frecuencia dibujaron y modelaron a partir de modelos desnudos.
Plinio contó una anécdota en la que Zeuxis examinaba desnudas a las jóvenes de la ciudad de Agrigento antes de seleccionar cinco, cuyos rasgos combinaría para pintar una imagen ideal. Dando un salto al periodo gótico tardío, podemos encontrar en los escritos de Cennino Cennini implicaciones del uso de modelos desnudos en su taller, y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que el dibujo con modelo artístico era una práctica común en el siglo XIII.
La Wikipedia también nos contribuye al tema diciéndonos que a finales del siglo XVIII, los estudiantes del estudio de Jacques-Louis David seguían un riguroso programa de instrucción, ya que el dominio del dibujo se consideraba un requisito previo para la pintura.
Dibujo de Jacques-Louis David, Crito, tiza negra y blanca sobre papel, ca. 1786–87.Durante unas seis horas cada día, los estudiantes dibujaban a partir de un modelo que permanecía en la misma pose durante una semana —lo cual, por cierto, sería impensable hoy en día sin periodos de descanso y mayor consideración para la labor de las y los modelos—. Con respecto a esto, S.Wallen nos dice en su publicación The Invention of the Model: Artists and Models in Paris:
"Los dibujos del siglo XVIII, como el atribuido a Jacques-Louis David, solían ejecutarse en papel teñido con tiza roja o negra con brillos en blanco y un fondo oscurecido. Las poses de los modelos solían ser activas: las figuras de pie parecían a punto de moverse e incluso las figuras sentadas gesticulaban dramáticamente.
La observación cercana del cuerpo del modelo era secundaria a la interpretación de su gesto, y muchos dibujos, de acuerdo con la teoría académica, parecen presentar una figura representativa en lugar de un cuerpo o rostro específico. En comparación,losdibujos que las academias produjeron en el siglo XIX […] eran típicamente ejecutados con tiza negra o carboncillo sobre papel blanco y son meticulosas representaciones de las particularidades e idiosincrasias del cuerpo del modelo vivo.”
En nuestros tiempos,la mayoría de los programas de bellas artes e ilustración incluyen instrucción en el dibujo con modelo artístico. En Italia, las academias de bellas artes tienen una Scuola libera del nudo ("Escuela libre de desnudos") que forma parte del programa de grado pero también está abierta a estudiantes externos.
(Imagen: Studio Phoenix)¿La mecánica? En un salón de clases típico de estudio de dibujo de figuras, los estudiantes se sientan en un semicírculo o en un círculo completo alrededor de un modelo. Debido a que no hay dos estudiantes que tengan la misma perspectiva, su dibujo reflejará la ubicación única del artista en relación con el modelo. El modelo se coloca con frecuencia en un soporte para ayudar a los estudiantes a encontrar una vista sin obstrucciones. Se pueden usar muebles y/o accesorios dependiendo del tipo de pose.
