Reglas del arte: 8 Errores que no debes cometer (para vivir de tu obra)

Parece que cuando se trata de arte moderno, no hay pautas particulares. Un artista tiene la libertad de hacer lo que quiera en el estudio, sin embargo, cuando los artistas se aventuran en el mundo del arte para construir una carrera, pueden encontrar algunos obstáculos. Si bien el arte puede no tener reglas, vivir del arte implica entender ciertas reglas del mercado, digamos.

La verdad es que una obra de arte sólo se tomará en serio cuando se cumplan ciertas expectativas. Este artículo discutirá algunas de estas reglas y estándares, que no siempre son tan fáciles de averiguar. A menudo, estos parecieran "información privilegiada" proveniente de aquellos dentro del ámbito, pese a que hay muchos libros al respecto. Es una paradoja, ya que muchos artistas no saben lo que necesitan saber para tener éxito. 

En esta publicación podrás encontrar algunos reglas del arte no establecidas: ocho errores comunes que cometen los artistas y cómo corregirlos. Hablaremos sobre los pasos prácticos a seguir, qué evitar y maneras recomendables de hacer las cosas.

Reglas del arte, por artistas para artistas

¿Alguna vez te has preguntado por qué algunos artistas son más exitosos que otros? En efecto, el appeal universal es un factor determinante, pero el mundo del arte también incluye un universo ampliado que cuenta con sus propias reglas y que marcan una intersección entre la técnica y la relación del artista con su entorno. Esto resulta elemental si uno lo piensa un poco, pero con frecuencia suele ser tomado en serio hasta que se han terminado los estudios (no siempre) y cuando ya se busca un lugar en las galerías, exposiciones regionales y ante los ojos del mundo.

Algunos podrían pensar que esta ruta nos puede llevar por el camino hacia una charla en la que lo importante sea sólo vender obra, pero el tema va mucho más allá de este simple hecho. Básicamente, si quieres que tu trabajo sea tomado en serio hay que conocer ciertas reglas del arte que no están únicamente asociadas a la percepción estética, sino a tu forma de trabajar en sí y como es percibida en el ambiente artístico en general.

Esta serie de "reglas del arte" no establecidas las presentamos aquí a manera de un listado de ocho errores que artistas de todo tipo —tanto profesionales como inexpertos— suelen cometer.

1. Sin reconocibilidad: sin lenguaje visual ni técnica característicos

El primer error crítico que cometen muchos artistas puede parecer obvio, pero es mucho más difícil de resolver o arreglar de lo que piensas. El mundo del arte es muy competitivo. Hoy en día hay más artistas que nunca.

El arte es un producto que dura cientos de años, y hoy en día hay más cuadros que paredes. Tenemos más artistas en el mundo que galerías de arte que los representan. Por eso es necesario destacar y una forma de hacerlo es con un lenguaje visual reconocible. Si lo piensas bien, muchos artistas exitosos son reconocibles al instante cuando ves su trabajo. No necesitamos ver su firma o tarjetas de identificación en la pared para saber que es de ellos.

Cuando vemos una pintura de Jenny Saville, inmediatamente reconocemos sus figuras voluptuosas, su tez sonrosada y su pincelada magistral. Si vemos una araña de acero gigante, sabemos sin dudarlo que es una de las esculturas icónicas de Maman de Louise Bourgeois. Cuando vemos puntos o calabazas en una escultura, pintura, moda o instalación, sabemos de inmediato que estamos ante el arte de Yayoi Kusama.

Lo que los hace destacar es que encuentran y persiguen intrínsecamente sus propias particularidades, estilos, medios, sujetos y temas. Sigue algo que es sólo tuyo, haz las cosas de manera diferente y haz lo básico. Como resultado, obtienes composiciones reconocibles.

Al hacer esto, te destacarás y ganarás reconocimiento a medida que avanza tu carrera. En la experiencia de la CAI Gallery (la galería del proyecto Contemporary Art Issue) como galería de arte contemporáneo y plataforma de investigación del arte contemporáneo, este es el primer y más importante aspecto que buscan galerías y coleccionistas desde una perspectiva visual. Por lo tanto, no podemos subestimar la importancia de una técnica y un lenguaje visual únicos si queremos jugar las cartas ganadoras en la partida de las reglas del arte.

2. Inconsistencia: cambiar radicalmente tu estilo y visión

Desde la perspectiva de la promoción artística, nada puede dañar más tu carrera que cambiar completamente todo en tu (creciente) carrera. A saber, las galerías y los coleccionistas buscan artistas consistentes. La continuidad del trabajo es fundamental para que la obra sea reconocida rápidamente por otros (que es el punto anterior). Tal vez esta afirmación te parezca un poco contrastante, sin embargo, no es que estas reglas del arte no oficiales descarten la reinvención sin más. Déjame explicarte.

Si una galería está explorando la posibilidad de trabajar contigo o un coleccionista ha comprado recientemente una de tus obras de arte es porque creen en ti como artista y ven un gran potencial en tu carrera y el valor de tu trabajo.

Si tu trabajo cambia demasiado, se lo verá como impredecible y, por lo tanto, poco confiable para la cooperación a largo plazo o la inversión a largo plazo. Como resultado, los coleccionistas y galeristas evitarán invertir en ti como artista y, en cambio, buscarán artistas más establecidos.

Sí, ayuda si creces como artista en tu carrera y en tu técnica, pero el desarrollo debe estar guiado por una cierta línea y, sobre todo, por una visión. Está bien comenzar a practicar diferentes técnicas o medios, o cambiar el lenguaje visual general, siempre que se ajuste a tu visión y a tu “manifiesto”. Lo más importante es que la historia que cuentes sea consistente.

Una buena forma de darle la vuelta a este punto es tener diversas series de obra. Ulgunos de tus temas y series de obra pueden tener ciclos de producción más largos o más cortos que otros. Digamos que puedes abordar algunos temas, estilos o medios por diversas razones, algunas piezas se vuelven tu trademark y otras son más bien experimentales. De esa forma das consistencia a tu obra, sin que se vuelva monótono tu trabajo.

Para terminar, en la CAI gallery recomiendan encarecidamente que todos los artistas escriban una declaración/manifiesto de artista, que la utilicen como brújula y reevalúen al menos una vez al año. Esto puede parecer una formalidad o incluso una tarea sin sentido, pero en realidad es un ejercicio gratificante para conectar su práctica con su visión y explicar por qué su trabajo es importante hoy. Tu filosofía te permite crear esta continuidad en tu trabajo. Te hace pensar en tu trabajo, que es algo muy saludable para cualquier artista.

No utilices este manifiesto artístico como algo para publicar en tu sitio web o enviar a coleccionistas y galeristas, utilízalo como una herramienta personal para guiarte a lo largo de tu carrera. Cuando te preguntan sobre tu trabajo en una conversación interesante en el acto, ya conoces las palabras y cuentas tu historia de forma coherente durante la conversación.

3. Sin marco de referencia: Conoce la historia del arte y el mundo del arte actual

Sin un marco de referencia artístico saludable es imposible escribir una declaración de artista adecuada o tener una base sólida para crear un cuerpo de trabajo convincente. Por lo tanto, es muy importante comprender primero la historia del arte y el mundo del arte contemporáneo.

Como artista que busca una carrera en el mundo del arte, ten por seguro que tu conocimiento de la historia del arte (incluida la reciente) y pensamiento crítico serán puestos a prueba por galerías, críticos, coleccionistas e instituciones. Por tanto, sería ingenuo pensar que es posible ser artista sin estar inmerso en el arte (a menos, claro, que busques algo casi aislado de tan personal). Como mencionamos, el mundo del arte es muy competitivo, con muchos artistas compitiendo por las mismas galerías y coleccionistas.

Por lo tanto, los requisitos para volverse artistas de éxito son variados e incluso elevados. En el arte, mientras dejas tu huella en el lienzo, participas en un diálogo histórico de miles de años de arte y de artistas.

Por esto mismo, las reglas del arte nos dicen que es necesario educarse. De manera autodidacta, con un título/licenciatura en arte, actualizarse leyendo revistas de arte contemporáneo, suscribirse a plataformas de arte, seguir canales destacados de redes sociales, visitar exposiciones y museos de renombre, importantes eventos de arte como bienales así como experimentar el mundo del arte por cuenta propia —mantente al día con las noticias. Sólo entonces descubrirás las sutilezas del arte y el funcionamiento del mundo del arte.

4. Precios inconsistentes e indiscretos: sigue el estándar del mercado

Un error común que puede impedir que crezcas profesionalmente como artista es fijar mal el precio de tu trabajo. Las reglas del arte en cuanto a este punto nos dicen que una gran idea errónea sobre el arte contemporáneo es que puedes cobrar lo que quieras por una obra de arte. Sin embargo, como en cualquier industria, los artistas tienen un estándar de mercado diferente en función de sus CV y ​​ofertas y necesidades.

Sólo el precio correcto puede conducir a buenas ventas. Tu arte y tu carrera como artista han de crecer y fortalecerse si construyes un sólido historial de ventas.

Para que tengas una idea, el artículo del proyecto CAI (que es la fuente principal de esta publicación y que aquí hemos adaptado) al respecto de ese tema dice que si eres una artista principiante —lo que aquí significa que no has tenido ninguna muestra en galerías de arte comerciales reales— sin miras a ganar un premio de arte prestigioso y tu obra no se mostrará en ningúna colección pública ni institucional todavía, su precio estará entre 200 y 2000 euros. El valor de tus piezas está determinado principalmente por sus cualidades decorativas.

Cuando te conviertes en un artista emergente —lo que significa que eres un artista que aún se encuentra en las primeras etapas de su carrera, que exhibe en algunas galerías de arte comerciales por invitación, pero que aún no deja una huella en el mundo del arte al ser coleccionado por instituciones o aparecer en exposiciones institucionales— tus obras deben tener un precio entre €1.000 y $10.000. Aquí ya vas más allá de las cualidades decorativas de tu obra y has logrado un valor artístico e histórico. Tu arte se vuelve un objeto de colección y de inversión, elevando el precio de tus piezas.

Como artista en la mitad de su carrera, cuando comienzas a obtener el reconocimiento adecuado del mundo del arte ea manera de exhibiciones institucionales y siendo coleccionado por destacados coleccionistas públicos y privados, tu trabajo costará entre $ 10,000 y $ 50,000 euros. Cuando eres un artista muy conocido, a veces ganas más de $ 50,000 y hasta alrededor de $ 500,000.

Reglas del arte al poner precios

Concretamente y sintetizando, cuando se trata de precios de pintura, existe una fórmula simple para determinar el precio correcto para tus obras. Observarás que estos precios corresponden al rango de precios mencionado anteriormente dependiendo de la etapa de la carrera del artista en turno.

El precio de venta de la pintura se calcula cuando el número índice del artista se multiplica por la suma de las dimensiones de la pintura (alto más ancho) o sea:

(Alto + Ancho) x Índice = Precio de la pintura.

Nuevamente, el número de índice del artista está determinado por la validación que obtuvo del mundo del arte. Tu índice como artista principiante debe estar entre 5 y 10. Como resultado, una pintura de 100 por 80 centímetros costaría entre $900 y $1.800.

5. Concursos y galerías de arte: enfócate en colaboraciones mutuamente beneficiosas

Como aspirante a artista que está dispuesto a hacer casi cualquier cosa para impulsar su carrera, es posible que te sienta tentado a trabajar con galerías de arte llamadas vanity art galleries (en español “galerías de arte de vanidad”) . Estas galerías cobrarán a los artistas una tarifa por exhibir en su galería y prometen promocionar su trabajo y tratar de venderlo a sus clientes. Sin embargo, la verdad es que su cliente no es el coleccionista de arte, sino tú como artista.

Miles de artistas (tal vez más), se abren paso en el mundo del arte y sueñan con exponer en galerías de arte, y las vanidosas galerías de arte aquí mencionadas lo ven como una lucrativa oportunidad de negocio para sacar dinero de los bolsillos de artistas sin experiencia. No son verdaderas galerías de arte porque no tienen programas curados de galería. No muestran a los artistas en función de la calidad de su arte, sino del tamaño de sus billeteras y de si están dispuestos a pagar para exhibir. 

Por lo tanto, como parte de estas reglas del arte te recomendamos que evites trabajar con estas pseudo galerías. Si un día recibes una invitación para trabajar con una galería de arte, pero cobran por participar en la exposición, piénsalo dos veces y contempla concienzudamente las halagadoras invitaciones, porque puede ser una estratagema para atraerte a su negocio.

En lugar de eso, concéntrate en encontrar colaboraciones mutuamente beneficiosas. Así, una galería de arte comercial es la galería más adecuada para los artistas a pesar de las connotaciones negativas del término "galería de arte comercial". La diferencia es que las galerías de arte comerciales ganan dinero vendiendo tu trabajo (en vez de venderte un espacio), al ser así, tendrán un fuerte incentivo para vender tu trabajo, y en este sentido lo que es bueno para ellos es bueno para ti.

6. Sitios web oficiales no-profesionales: la estructura imprescindible para los sitios web de artistas

De entre lo que entendemos como reglas del arte no-oficiales más importantes hoy en día, existen aquellas específicas para crear un sitio web para artistas.

Digamos que no sigues estas reglas y la estructura arquetípica de un sitio oficial de artista. En este caso, se te considerará un artista aficionado y muchas galerías y coleccionistas perderán interés en tu perfil en línea y tu presentación de artista.

Cuando se trata de sitios web de artistas, menos es más. Opta por una apariencia general mínima con un fondo blanco y una fuente elegante en negro o gris como Helvetica o Roboto.

Sólo hay tres páginas obligatorias en una página oficial para artistas. Una página con las mejores obras y metadatos (título, año, soporte, superficie y tamaño), una página con la biografía del artista (año de nacimiento, lugar de nacimiento, ubicación actual, historial de exposiciones, colecciones, premios, publicaciones y lugar de residencia si corresponde), y una página con una dirección de correo electrónico o formulario de contacto para contactarte.

Algunos artistas podrían agregar una sección con artículos de críticos de arte, una página de noticias para comunicar sobre exposiciones y tal vez una página que describa sus diferentes trabajos. Si visita los sitios web de varios artistas exitosos, de mitad de carrera y avanzados, notarás que todos usan esta estructura (para conocer sobre algunos de ellos puedes checar publicaciones como “Pintura, arte abstracto y cuerpo humano: la deconstrucción del cuerpo en la obra de más de 6 artistas” y “El dibujo en el arte contemporáneo”). Además, descubrirá los diseños más comunes y cómo mostrar obras seleccionadas y biografías de artistas.

Asegúrate de evitar nombres de dominio no profesionales en tu sitio, como www.pinturasasombrosasenventa.com y las páginas de alojamiento web gratuito que muestran sus anuncios en tu sitio. Otra de las reglas del arte más comunes en este sentido es que está prohibido hacer una oferta en el sitio. Utiliza únicamente los textos de los críticos de arte; no empieces a bloguear en tu sitio de artista porque puedes parecer poco profesional, demasiado ansiosa o ansioso por hablar de tí mismo y/o por venderte al mundo.

7. Galerías de arte por correo/llamadas en frío: el automarketing 'agresivo' no funciona

Lo último en el punto anterior nos lleva a otra de las reglas del arte que debes tener en cuenta al momento de darte a conocer, pues si bien muchas personas creen que ser un artista exitoso en estos días se trata de venderse a sí mismo, venderse y promocionarse agresivamente como artista genera una reacción violenta y puede ser contraproducente.

Uno de los errores más comunes que cometen miles de artistas (y por los cuales existen estas reglas del arte como resultado) es llamar o enviar correos electrónicos a docenas de galerías de arte. Se ha demostrado que esta es una de las estrategias de automercadeo más ineficaces.

Son más los artistas que buscan representación en una galería que las galerías de arte que buscan nuevos artistas. Como resultado, las galerías reciben un flujo casi diario de correos electrónicos y visitas a las galerías de parte de artistas que se presentan. Puede ser muy molesto para las galerías ser bombardeadas con estos correos electrónicos, ya que se ha vuelto imposible navegar a través de todos estos envíos de spam.

Puede sonar duro, pero en realidad es una respuesta bastante lógica. Las galerías decepcionan a los artistas todos los días. Si lo piensas, de repente pedirle a una galería que te represente, lo que significa que tendrán que invertir mucho dinero y tiempo en ti, no es realmente algo honorable que esperar. No te deben nada, eligieron no conocerte; el artista decidió que debían revisar y considerar su trabajo.

Las tácticas de automarketing excesivas no funcionan en el mundo del arte. Por lo tanto, tener la oportunidad de trabajar con una galería requiere una estrategia más sutil e incluso más educada. El principal objetivo o justificación de una posible colaboración con una galería es que el director de la galería vea tu trabajo. Si envías tu portafolio por correo o lo dejas en el mostrador de una galería, te garantizo que no verán tu trabajo, ciertamente no en el contexto adecuado.

En cambio, es útil si maximizas la posibilidad de que tu trabajo sea visto por una galería por casualidad: piensa en las redes sociales (checa nuestra publicación “Cómo fotografiar tus obras”), otras exhibiciones, espectáculos de graduación o exhibiciones al final de las competencias de arte. Entonces, si les gusta lo que ven, se pondrán en contacto contigo. Y si son ellos los que te contactan, estás en una mejor posición para negociar o discutir la posibilidad de una exhibición.

8. Perseguir fines lucrativos: pensar en el largo plazo

Concluimos este listado de reglas del arte aprendidas a pulso y conocidas a voces con este consejo sobre tus objetivos como artista.

Básicamente, si tu objetivo es vivir de tu arte, la mejor manera de hacerlo es construir una carrera estable como artista, que es lo único que agregará valor a tu trabajo. Sin embargo, se necesita tiempo y paciencia, pero es la única forma de tener una carrera rentable en el mundo del arte.

Nuestra experiencia en el mundo del arte muestra que las personas que persiguen objetivos artísticos pueden tener carreras exitosas y gratificantes, tanto como artistas como con galerías. Por otro lado, aquellos que se enfocan en ganar dinero a corto plazo, persiguiendo las ganancias por encima de la calidad artística, están condenados al fracaso debido a las reglas del arte que antes mencionamos. Tenlo muy presente, persevera y con seguridad verás buenos resultados en el futuro.