La estética en el arte
Para hablar sobre estética en el arte tenemos que comenzar necesariamente por definir al estudio filosófico de la belleza y el gusto como “estética”. Es un término estrechamente relacionado con la filosofía del arte, que se ocupa de la esencia del arte y los conceptos utilizados para comprender y evaluar las obras de arte individuales.
Es bastante difícil proporcionar más que una definición amplia del tema de la estética — y se pone aún más interesante, porque de hecho, se puede decir que el objetivo principal de la estética moderna ha sido la autodefinición. Se que parece complicado, pero déjame ir desenredando el tema…
Básicamente, estamos familiarizados con una esfera de experiencia intrigante y desconcertante: la tierra de lo bello, lo feo, lo sublime y lo elegante; del gusto, la crítica y las bellas artes; y de contemplación, placer sensual y encanto.
En todos estos fenómenos creemos que operan principios similares y que están comprometidos intereses similares. Sin embargo, si nos equivocamos en esta impresión, tendremos que descartar ideas como la belleza y el gusto por tener sólo un interés filosófico periférico. Alternativamente, si nuestra impresión es correcta y la filosofía la corrobora, habremos descubierto la base de una estética filosófica.
Entonces… ¿Qué es la estética en el arte? Justamente para esta charla es que creamos nuestra publicación.
Estética en el arte: ¿Más que belleza?
Como ya decíamos, a grandes rasgos el término "estética" se refiere a los principios que rigen la naturaleza y la apreciación de la belleza, particularmente en las artes visuales. Deriva de la palabra griega para percepción (aisthesis), y fue utilizado por primera vez en el siglo XVIII por el filósofo alemán Alexander Baumgarten. La estética se refiere a la rama de la filosofía que se ocupa de las preocupaciones de la belleza y el gusto artístico.
Pero la estética también abarca un ámbito mayor que la filosofía del arte, que es una de sus disciplinas. Se preocupa no solo de la naturaleza y el valor de las artes, sino también y de manera más general, de las reacciones a los objetos naturales que se expresan en el lenguaje de lo bello y lo feo. Sin embargo, existe un problema estético desde el principio, ya que adjetivos como hermoso y feo son demasiado imprecisos en su aplicación y demasiado subjetivos en su significado para dividir adecuadamente el universo en aquellas cosas que los ejemplifican y aquellas que no.
Casi cualquier cosa puede ser considerada hermosa por alguien o desde alguna perspectiva, y varias personas aplican el término a objetos bastante diferentes por razones que frecuentemente parecen tener poco o nada en común. Es posible que haya un solo concepto subyacente que impulse todas sus decisiones. También es posible que el término encantador no tenga otro significado que el de la declaración de una actitud, que luego es asociada por diferentes personas a condiciones de eventos muy diferentes.
De ahí que las teorías del arte no son desarrolladas únicamente por filósofos. Sociólogos, musicólogos, críticos de arte y teóricos de la literatura han hecho afirmaciones similares. Sin embargo, lo que la filosofía tiene que decir sobre estos temas es especialmente pertinente para cualquier consideración seria sobre el valor y la importancia del arte. Al mismo tiempo, si se aleja demasiado de las artes mismas, se vuelve algo demasiado abstracto y sin vida.
Concibiendo la belleza
La belleza, junto con el arte y el gusto, es uno de los temas principales de la estética. Muchas de sus definiciones incorporan la noción de que un objeto es bello si se percibe con placer estético. Los paisajes, las puestas de sol, los seres humanos y las obras de arte son ejemplos de objetos hermosos. La belleza es un valor estético positivo, mientras que la fealdad es su oponente negativo.
Distintas intuiciones típicamente vinculadas con la belleza y su naturaleza se oponen entre sí, lo que dificulta su comprensión. Por un lado, se dota a las cosas de la belleza como un rasgo objetivo, público. Por otro lado, parece depender de la respuesta emocional subjetiva del observador; como se dice, “La belleza yace en el ojo del observador”.
Puede conciliar ambas percepciones afirmando que depende tanto de las características objetivas de la cosa bella como de la respuesta subjetiva del observador. Un enfoque es creer que un objeto es hermoso si tiene la capacidad de provocar sensaciones estéticas particulares en el sujeto que lo percibe. Esto se relaciona con frecuencia con la creencia de que el sujeto debe ser capaz de detectar y evaluar con precisión la belleza, lo que a veces se denomina "sentido del gusto".
Se han desarrollado varias ideas para definir y comprender la belleza. Las visiones clásicas de la belleza resaltan el aspecto orientado a un objetivo al definirlo en términos de la relación entre el objeto de la belleza como un todo y sus componentes: las piezas deben estar en la proporción adecuada entre sí para formar un todo armonioso.
Los puntos de vista hedonistas, por otro lado, enfatizan el aspecto subjetivo al establecer un vínculo necesario entre el placer y la belleza, como que para que un objeto sea bello, debe causar placer desinteresado. Otras ideas incluyen identificar objetos atractivos en términos de su valor monetario, una actitud amorosa hacia ellos o su propósito.
Como puedes ver, la experiencia de la belleza está profundamente ligado a la percepción de la estética en el arte y por eso hay veces en que belleza y estética parecen sinónimos, pero no es así en realidad. La pintura artística lo explora desde muchos diferentes flancos; un romántico (checa, por ejemplo, nuestra publicación sobre “El movimiento del Romanticismo en la pintura”) lo definiría de una manera muy diferente a como lo haría alguien que pinta arte abstracto no figurativo, quien podría no buscar crear algo bello pero sí estético.
La experiencia estética a primera vista
Ahora bien ¿Cómo sucede la interacción entre el observador y la estética en el arte?
De acuerdo con ciertos estudios, se ha demostrado que la experiencia estética con el arte visual ocurre en dos etapas. Cuando se expone por primera vez a una pintura, un espectador genera una impresión general, o esencia, de la pieza. La primera impresión de una pintura implica un sentido de su contenido gráfico, organización estructural general y estilo, significado y respuesta afectiva.
El segundo nivel de procesamiento estético ocurre cuando se considera que la información esencial de una imagen es de suficiente interés para un observador. Esto comprende una investigación focal dirigida de la imagen para aumentar la información sobre las características compositivas y la organización del trabajo para satisfacer la curiosidad cognitiva y desarrollar la apreciación estética de una composición.
Un visitante casual de una galería o museo a menudo echa un vistazo a una pintura y, basándose en una primera impresión, o esencia, pasa a otra obra casi de inmediato o se detiene para pasar algún tiempo con ella. La esencia de una pintura percibida a través de los ojos de individuos sin gran sofisticación relacionada con la creación artística es, por ende el resultado de la interacción del material pictórico de una obra con el entorno personal del espectador, que representa sus procesos cognitivos.
Pero esto no quiere decir que las personas que se consideran artistas estén hechas de algún “material especial” en este sentido. De hecho, las pinturas provocan reacciones comparables en los profesionales del arte al principio (Si buscas una lectura complementaria en inglés, esta información esta basada en la investigación de Paul J. Locher, “The Aesthetic Experience with Visual Art “At First Glance”) si bien la percepción cambia con el tiempo.
La gente involucrada con el proceso creativo del dibujo y la pintura empieza a refinar su forma de percibir la estética en arte, lo cual podemos ver claramente reflejado en su uso y concepción del balance o equilibrio pictórico.
Estética en el arte y balance pictórico
La idea de que el equilibrio es un principio de diseño primario para unificar los elementos estructurales de una pintura cohesiva es, de hecho, una creencia muy extendida entre artistas y teóricos del arte y está ampliamente relacionada con la percepción de la estética en el arte.
El balance pictórico se refiere a la distribución del peso visual, los elementos o las fuerzas compositivas dentro de una obra de arte. Implica lograr una sensación de equilibrio o estabilidad a través de la disposición de elementos como el color, la forma, la línea y la textura.
El equilibrio o balance es algo que se puede manejar de varias maneras, incluyendo el equilibrio simétrico (donde los elementos se reflejan a ambos lados de un eje central), el equilibrio asimétrico (donde los elementos de diferente tamaño o peso se organizan para crear equilibrio) o el equilibrio radial (donde los elementos irradian hacia afuera). desde un punto central). También, el enfoque específico del equilibrio puede variar según la intención, el estilo y el contexto cultural del artista.
Después de todo, recordemos que, al pintar o dibujar, lo importante es que la disposición de los elementos en una composición equilibrada está pensada para guiar el ojo del espectador, lo que permite una experiencia visual fluida y coherente.
Sin embargo, con la creencia de que el balance pictórico —y de paso, la estética en el arte— es propio de todos los humanos, y con los resultados de algunos estudios en mano (se probó que, con una sola mirada de 100 ms a cada uno, tanto los principiantes del arte como las personas sofisticadas distinguieron las versiones menos equilibradas de las más equilibradas de pinturas creadas en blanco y negro) ha habido quienes afirman que la percepción del equilibrio y la interpretación resultante de la declaración narrativa de una composición son universales y trascienden los antecedentes individuales en las artes visuales.
Dicho de otra forma, sería como afirmar que la percepción de lo estético o las ideas asociadas a la estética en el arte estuvieran presentes de manera implícita en todos los humanos de la misma forma. El malentendido aquí implicaría que todos tienen la misma idea de lo que es la estética en el arte independientemente de todo, lo cual simplemente no ocurre así por toda una serie de factores.
Es importante tener en cuenta que las teorías y creencias artísticas pueden variar según los diferentes períodos históricos, culturas y artistas individuales. Si bien el equilibrio es un principio comúnmente reconocido, existen otros principios de diseño y consideraciones estéticas que los artistas pueden priorizar, como el ritmo, la proporción, el énfasis o el contraste.
Además, el arte contemporáneo a menudo desafía o subvierte las nociones tradicionales de equilibrio, explorando nuevas formas de expresión e involucrando a los espectadores de formas no convencionales. El arte es un campo dinámico y diverso, y las interpretaciones de sus principios pueden variar.
Definiendo una “buena pintura”
Este es otro desafío estético crítico que los curadores y los comités de selección de exposiciones de todo el mundo se ven obligados a enfrentar continuamente. ¿Cuánto del mérito artístico de una pintura, por ejemplo, se deriva de su efecto visual y cuánto de su contenido intelectual? ¿Son las pinturas realistas o naturalistas superiores a las pinturas abstractas? ¡No es sorprendente que haya numerosas respuestas a estas preguntas!
Popular vs Bellas Artes
Casi todos los años, surge una importante tendencia o estilo de moda que deja una marca estética en el arte. Muchos consumidores la siguen, pero eventualmente la abandonan cuando la próxima gran tendencia la reemplaza. ¿Sigue el arte los pasos de la industria de la moda?
Tomemos, por ejemplo, la industria de los museos de arte. ¿Deberían los curadores elegir pinturas, esculturas, instalaciones y otras obras de arte contemporáneas por su alta calidad o para atraer visitantes al museo al preparar una exposición?
¿Debería el comité del Premio Turner (efectivamente, llamado así por el famoso pintor J.M.W. Turner; para más acerca de el te recomiendo nuestra excelente publicación "La teoria del color de J.M.W. Turner") preseleccionar a los artistas en función del talento artístico o de su capacidad para llamar la atención sobre la competencia y su exhibición?
Estos cuestionamientos sacan a la luz un tema importante. Debido a que los museos se perciben como lugares muy aburridos, incluir una obra de arte impactante o extremadamente controvertida en una exhibición puede ayudar a atraer audiencias. Del mismo modo, el Premio Turner necesita publicidad para existir y prosperar.
En ambas circunstancias, los organizadores pueden responder seleccionando obras de arte que crean que entretendrán al público, incluso si sus estándares artísticos son inferiores a los de otras obras. Aunque ofrece ventajas obvias a corto plazo, ¿tiene sentido esta estrategia a largo plazo?
¿Qué sucede, por ejemplo, cuando los estudiantes de arte se dan cuenta de que para tener éxito en el mundo del arte, en lugar de desarrollar un conjunto de habilidades creativas especializadas, deben concebir alguna idea excéntrica y controvertida que llame la atención? Respuesta: buscan una idea pegadiza y así se convierten en animadores.
¿Podría perder valor la estética en el arte ante la búsqueda del éxito monetario?, ¿Sería malo pintar sólo por vender o ajustarse a una tendencia por dinero?, ¿Qué piensas tú?
Categorización: contenido y el estilo
Hay cualidades estructurales y de contenido de las pinturas que contribuyen a una experiencia estética que distingue una obra de arte de las presentaciones visuales cotidianas en el mayor nivel de organización compositiva.
El contenido compositivo (o el tema) y el estilo artístico son dos de esas cualidades relacionadas con el arte de una pintura y con la estética en el arte. Dichas cualidades influyen en la interpretación, el juicio estético y las emociones del observador. En cuanto a la sustancia, las diferentes escuelas de arte eligen diferentes motivos, como los que se encuentran en paisajes, naturalezas muertas y retratos.
Además del tema afectivamente neutral, algunas obras de arte exhiben temas positivos o negativos destinados a provocar emociones positivas o negativas. Las evaluaciones de los espectadores sobre la comprensibilidad y singularidad de los contenidos de una pintura a lo largo del continuo realismo-abstracción también contribuyen a su interés en ella.
En 1983, los investigadores Bachmann y VIpper realizaron un experimento para comparar la dinámica del reconocimiento de pinturas de varias escuelas de arte conocidas en las primeras fases de procesamiento.
En el experimento, estudiantes universitarios sin formación artística formal calificaron diapositivas de pinturas de seis escuelas de arte diferentes en seis escalas diferenciales semánticas: simple-complejo, involucrado-indiferente, regular-caótico, pasivo-activo, vigoroso-impotente y preciso-vago.
Se utilizaron cuatro períodos de exposición distintos: 1, 20, 100 y 500 ms.
Los investigadores interpretaron sus hallazgos como una demostración de una reducción gradual en la incertidumbre visual a lo largo del tiempo con respecto a la información pictórica disponible en la esencia de la pintura, y que tales resultados muestran que las personas pueden detectar las propiedades de contenido y estilo de una pintura en función de la información contenida en la esencia.
¿Qué más podemos concluir de esto? Que los espectadores pueden reconocer la estética en el arte de diferentes formas de acuerdo con ciertas referencias, y todos tenemos nuestras referencias, por lo que no es lo mismo exponer ante universitarios y personas interesadas que ante gente que no le da mayor importancia.
Ese, sin embargo, podría ser tú publico, así que en última instancia, la forma en la que te valgas de la estética en el arte puede atraer ciertas miradas o seguir ciertas tendencias elegidas conscientemente y/o sobre la marcha.
