Alegoría de la caverna, de Michiel Coxcie, siglo XVI.Pintura alegórica para las Tradiciones Mitológicas
La mitología clásica parece ser un buen lugar para comenzar, ya que los comienzos de la pintura alegoríca se remontan a las grandes mentes de la antigua Grecia y Roma, como el uso de personificaciones de Homero en la Ilíada y la famosa Alegoría de la caverna de Platón.
La historia de Aquiles es una de las leyendas más famosas de la mitología. Fue llevado al monte Pelión cuando era niño para ser acogido por Quirón el centauro. La comprensión de Quirón sobre la ley natural, la medicina, la música y la caza fue buscada por todas las figuras más heroicas de la mitología, incluidos Perseo, Hércules y, por supuesto, Aquiles.
En la representación de esta historia de August-Clément Chrétien, Quirón representa el concepto de Maestro en "La educación de Aquiles" como una figura fuerte pero cariñosa que corrige el agarre de su arco y flecha por parte de su joven alumno.
Con frecuencia hay más en la historia de lo que parece en la mitología. Hay mucho engaño y ocultación. El arte alegórico puede ampliar esto para crear una metáfora más larga que proporcione al espectador más por descubrir. Zeus, rey de los dioses, se transforma en cisne para cautivar a la bella mortal Leda en la historia de Leda y el cisne.
En la pintura de esta fábula de Jean-Léon Gérôme de 1896, Leda, dulce y receptiva, representa la sensualidad misma. Gérôme, un maestro del retrato de la figura femenina desnuda, se sirve de esta historia y sus aspectos, representando tanto a Leda como al cisne como personificaciones de la belleza y el deseo.
Pintura alegórica y las Parábolas Bíblicas
La Biblia ha sido una fuente de inspiración para los artistas durante siglos, y muchas de sus historias se han convertido en temas populares en el arte. Pieter Lisaert, un viejo maestro flamenco, creó una pintura alegórica titulada La parábola de las virgenes imprudentes y las vírgenes sabias (The Foolish Virgins and The Wise Virgins en inglés) , que representa una de las parábolas más conocidas de Jesús.
La pintura está basada en Mateo 25:1-13, que narra la historia de diez doncellas invitadas a una boda por el novio. La pintura de Lisaert muestra a las diez doncellas con lámparas, y las cinco vírgenes sabias en primer plano tienen aceite extra, que usan para mantener sus lámparas encendidas.
En contraste, las cinco vírgenes insensatas en el fondo no tienen provisiones adicionales y se las ve retozando, ignorando las consecuencias de no estar preparadas. Cuando el novio regresa, las vírgenes insensatas lo extrañan y no son conducidas de regreso a las festividades.
La pintura es una representación simbólica de la promesa de Dios de la segunda venida de Cristo y sirve como una instrucción para que el espectador permanezca vigilante, piadoso y siempre preparado ya que no se puede predecir el día y la hora del regreso de Cristo. La cuidadosa composición de Lisaert enfatiza aún más esta lección.
Las vírgenes sabias se colocan en el primer plano de la escena, reunidas en la base de un gran árbol, simbolizando su naturaleza sólida y constante, que se hace eco de las raíces del árbol. En contraste, las vírgenes insensatas se ven tambaleándose en el borde de una ladera de mármol en el fondo, que está fuera de alcance, entregando un poderoso mensaje oculto que es a la vez ingenioso e imaginativo.
Pieter Brueghel el Joven, El Alquimista, c. 1600Pintura alegórica y las escenas de género
Muchos de los mejores ejemplos de metáforas prolongadas empaquetadas en la pintura alegórica son de Pieter Brueghel el Joven. En su obra, el pintor, como en nuestro ejemplo anterior, quiere informar al observador. Brughel, por otro lado, nos advierte no solo de las trampas de la estupidez, sino también de la avaricia en su obra maestra, El alquimista.
En esta pintura, podemos observar a un alquimista trabajando fervientemente para crear oro, con su esposa, una erudita y un tonto ayudándolo en esta búsqueda poco práctica y arrogante. La práctica de la alquimia, cuyo objetivo era transformar un metal en otro, ya había sido completamente desacreditada cuando se creó esta escena de género en el siglo XVII.
Esta obra de arte habría funcionado como una clara advertencia a las audiencias contemporáneas para que tuvieran cuidado con la tentación de la riqueza no ganada. Brueghel transmite hábilmente las consecuencias de sucumbir a esta tentación a través de detalles intrincados, como el enfoque único del alquimista en la falsedad que tiene ante él, la búsqueda desesperada de su esposa de más monedas en su bolso y el frenético avivamiento de la llama por parte del tonto.
Además, Brueghel revela el resultado final de esta absurda empresa en la esquina superior derecha del panel. En el desastroso resultado del trabajo del alquimista, su familia se ve reducida a mendigar en el asilo. Como ocurre con toda pintura alegórica con un significado oculto, Brueghel imparte un mensaje claro al espectador para reflexionar: la imprudencia conduce a la ruina.
