20 Mujeres pintoras del siglo XX

Esta compilación de 20 mujeres pintoras del siglo XX es algo que quería compartir desde hace algún tiempo. Parecen bastantes nombres, pero tengo el agrado de decir que no son todos los que hay por conocer (ni de lejos), pues la presencia de las mujeres detrás del caballete ha sido una constante a lo largo de la historia (como prueba, queda nuestra publicación hermana “Pintoras del Renacimiento y del Barroco”) y no siempre fue mal recibida, al menos no dentro del seno de la pintura artística.

Ciertamente, en tiempos antiguos hubo la pésima costumbre de no darle mucho crédito al trabajo artístico de las mujeres en general, pero eso fue mutando inevitablemente junto con la misma labor pictórica, que afortunadamente no se vió privada del talento y el mensaje de estas 20 mujeres pintoras del siglo XX.

Mujeres pintoras del siglo XX

No bromeaba al decir hace unas líneas que hay muchas más mujeres pintoras del siglo XX de las que la gente suele imaginar. De hecho, ya hay sitios en la red que se han dado a la tarea tanto de sacarlas del anonimato como de rescatar su obra del olvido, aparte de ser una plataforma para las pintoras y artistas del siglo XXI, como la página AWARE: Archives of Women Artists, Research and Exhibitions (“Archivos de Mujeres Artistas, Investigación y Exhibiciones”) o el NMWA (National Museum of Women in the Arts).

Cabe mencionar que, así como con sus colegas varones, muchas de ellas siguieron diferentes corrientes y vanguardias, las expandieron o hasta las rompieron para llevar más lejos los límites de la creación artística gráfica hasta el punto en el que sus obras realmente llegaran a reflejar su ser y su sentir. Sus trasfondos y alcances, como verás a continuación, son muchos, por eso te invito a indagar más en cada una de ellas ya que por la cantidad, nos vemos limitados de espacio para hacerle completo honor a su habilidad.

De todas maneras, ante el escepticismo sólo hace falta ver sus obras para darse cuenta de que, así como los peces viven en el agua y pueden percibir su entorno como solo ellos podrían hacerlo, la pintura artística se hizo para que gente como ellas hablase a través de las técnicas y los materiales sobre el mundo y lo que este contiene, tanto en lo externo y material como en lo interno y metafísico.

Como en otros listados que tenemos (por ejemplo, el de nuestra publicación "10 Dibujantes hiperrealistas que debes conocer"), esto no se trata de un ranking, porque todas las mujeres pintoras del siglo XX aquí presentes lograron la maestría necesaria para ser consideradas grandes pintoras por merito propio, por lo que el orden en el que aparecen es meramente alfabético.

Agnes Martin

Nuestra primera artista en esta lista de mujeres pintoras del siglo XX nació en una granja en la zona rural de Saskatchewan, Canadá, Agnes Martin emigró a los Estados Unidos en 1932 con la esperanza de convertirse en maestra.

Después de obtener una licenciatura en educación artística, se mudó a las llanuras desérticas de Taos, Nuevo México, donde realizó pinturas abstractas con formas orgánicas, que atrajeron la atención de la reconocida galerista neoyorquina Betty Parsons, quien convenció a la artista para que se uniera a su lista y mudarse a Nueva York en 1957.

Una de las primeras pinturas de Martin en Nueva York, combina la abstracción geométrica de su trabajo anterior en Taos con la nueva inspiración del paisaje del puerto, evidente en su elección de paleta azul grisácea.

En el transcurso de la siguiente década, Martin desarrolló su formato característico: lienzos pintados de seis por seis pies, cubiertos de borde a borde con cuadrículas meticulosamente dibujadas a lápiz y terminados con una fina capa de yeso. Aunque a menudo se presentó con otros abstraccionistas de Nueva York, la búsqueda enfocada de Martin trazó un nuevo terreno que se encontraba fuera del amplio vocabulario gestual del expresionismo abstracto y las repeticiones sistemáticas del minimalismo.

Alice Neel

Alice Neel fue una de las grandes mujeres pintoras del siglo XX nacidas en Estados Unidos, aparte, se le considera una pionera entre las mujeres artistas. Pintora de personas, paisajes y bodegones, su página dice que Neel nunca estuvo de moda ni estuvo al paso de los movimientos de vanguardia. Se le consideraba artista, humanista e individualista.

Simpatizante de los expresionistas de Europa y Escandinavia y de las artes más oscuras de la pintura española, el estilo y el enfoque de Alice Neel eran claramente suyos.

Neel nació cerca de Filadelfia en 1900 y se formó en la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia. Se convirtió en una pintora con una fuerte conciencia social y creencias de izquierda igualmente fuertes. Sus retratos de la década de 1930, tiempo durante el cual vivió en Greenwich Village, Nueva York, abarcaron a escritores, artistas y sindicalistas de izquierda.

En 1938 se mudó a Spanish Harlem para alejarse de la atmósfera enrarecida de una colonia de arte, y en la década de 1960 se mudó al Upper West Side e hizo un esfuerzo decidido por reintegrarse al mundo del arte. En la década de 1970, a medida que aumentaba su fama, nunca perdió el contacto con lo que más le importaba: la gente de Nueva York que se cruzaba con su vida, ya fueran figuras del mundo del arte, vecinos o extraños.

Neel nunca estuvo restringida por las convenciones, rompió barreras a lo largo de su vida, celebrando la libertad de las mujeres para expresar su independencia y enorgullecerse de sus cuerpos.

Dorothea Tanning

Hija de padres suecos emigrados, la artista y escritora Dorothea Tanning nació el 25 de agosto de 1910 en los Estados Unidos en la ciudad de Galesburg, Illinois.

Aunque estuvo apunto de no ser pintora por un fuerte amor a los libros y las letras, Dorothea Tanning asistió a la Academia de Bellas Artes de Chicago y, como admiradora de la obra de Beardsley, se mudó en 1938 a Nueva York, donde frecuentó los círculos surrealistas y conoció a Max Ernst, con quien se casó en 1946. Socializó con el grupo Surrealists in Exile. que gravitó en torno a André Breton y Marcel Duchamp y fue expuesta por los galeristas Julien Levy (1944, 1948) y Alexandre Iolas (1953).

También se presentó en la exhibición de Peggy Guggenheim de 1943 Exhibición de 31 mujeres, y junto con obras de Gottlieb, Rothko y Baziotes en eventos como Arte abstracto y surrealista en América, que realizó una gira en 1944, un año antes de su exposición individual en el Crosby. Galería en Washington.

Las alucinaciones visuales de esta grande entre las mujeres pintoras del siglo XX se basaban en fantasías sexuales, ansiedades y miedos arraigados en la infancia y la adolescencia.

Françoise Gilot

En 1990 el Chevalier de la Legion d'Honneur, el más alto honor del gobierno francés, por su trabajo como pintora, escritora y feminista.

Nacida en 1921 en Neuilly-sur-Seine, Françoise Gilot, a los 5 años declaró que se convertiría en pintora. Su madre la instruyó con acuarela y tinta china. Los estudios formales comenzaron en 1934 y, a pesar de las objeciones de su padre, quien imaginó una carrera en derecho o ciencia; persiguió su interés por el arte. Su primera exposición se llevó a cabo durante la ocupación nazi de París. Lamentablemente, sus primeros dibujos y acuarelas se perdieron en un bombardeo alemán.

En 1943, Gilot conoció a Pablo Picasso, 40 años mayor que ella, en un restaurante de Left Bank y comenzaron una relación de una década. Se unió a su círculo de artistas e intelectuales legendarios, incluidos Braque, Miro, Gertrude Stein y Simone de Beauvoir. En 1946 conoció a Henri Matisse y se hizo amiga y admiradora. Él dijo: "Cada vez que Francoise dibuja un pájaro, no importa cuán alejado de la realidad pueda estar, vuela".

La carrera de esta gran representante de las mujeres pintoras del siglo XX despegó a fines de la década de 1950 cuando se separó de la influencia de Picasso para desarrollar un estilo más personal. Se dice que esta fase de su trabajo creó un puente entre la Escuela de París de las décadas de 1940 y 1950 y la escena artística estadounidense contemporánea.

Frida Kahlo

Difícilmente se puede saber sobre las artes en México sin pensar inmediatamente en esta  integrante de nuestra lista de mujeres pintoras del siglo XX. Es un referente prácticamente obligado y aunque pareciera que a veces su obra divide a seguidores y detractores, sin medias tintas, lo cierto es que Frida Kahlo pintaba a todo mundo en ella. Aquí te comparto parte de la biografía que se puede encontrar en el sitio del Museo Frida Kahlo (La versión completa la puedes descargar dando click sobre el botón “2 Biografias de Frida Kahlo”)

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació el 6 de julio de 1907 en la Ciudad de México, en la casa que fuera propiedad de sus padres desde 1904, y que hoy se conoce como la Casa Azul. Hija de Wilhelm (Guillermo) Kahlo, de ascendencia alemana, y de la mexicana Matilde Calderón, Frida fue la tercera de cuatro hijas de este matrimonio.

A pesar de la poliomielitis que sufrió a los 6 años y que llevó a que tuviera una pierna más corta que la otra, fue una estudiante inquieta y tenaz, y aunque tuvo ese fatídico accidente a los 18 donde sufrió lesiones en varios de sus huesos y la espina dorsal, esto la llevó a pintar y en ese inter al ya famoso muralista Diego Rivera, con quien se casaría en 1929..

Las infidelidades de Diego desataron crisis emocionales en la artista. Frida se divorció del muralista en 1939 para contraer nupcias nuevamente con él, un año después.

A pesar de su mala salud y de haber sido operada en múltiples ocasiones, Frida fue una artista con una intensa actividad. Hay quienes dicen que más allá del dolor, fueron el amor y la devoción hacia este lo que trascendió en sus universos pictóricos. 

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte, ya que ella no pintaba sueños, sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato - El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre.

Aunque gozó del reconocimiento de destacados pintores e intelectuales de su época como Picasso, Kandinski, André Breton, Marcel Duchamp, Tina Modotti y Concha Michel, su obra alcanzó verdadera fama internacional después de su muerte, especialmente a principios de 1990 por coleccionistas famosas como la cantante Madonna.

Georgia O’keeffe

Cuando se graduó de la escuela secundaria en 1905, Georgia O'Keeffe había decidido abrirse camino como artista. Estudió en el Instituto de Arte de Chicago y en la Art Students League de Nueva York, donde aprendió las técnicas de la pintura tradicional. La dirección de su práctica artística cambió drásticamente cuatro años más tarde cuando estudió las ideas revolucionarias de Arthur Wesley Dow.

Dow ofreció a O'Keeffe una alternativa a las formas establecidas de pensar sobre el arte. Experimentó con la abstracción durante dos años mientras enseñaba arte en el oeste de Texas. A través de una serie de dibujos abstractos al carboncillo, desarrolló un lenguaje personal para expresar mejor sus sentimientos e ideas.

O'Keeffe envió por correo algunos de estos dibujos altamente abstractos a un amigo en la ciudad de Nueva York. Su amiga se los mostró a Alfred Stieglitz, el comerciante de arte y fotógrafo de renombre, quien eventualmente se convertiría en el esposo de O'Keeffe. Se convirtió en el primero en exhibir su trabajo, en 1916.

Su biografía y pinturas puede ser vista en un montón de fuentes, pues no por nada es una de las mujeres pintoras del siglo XX más famosas, así que me parece más necesario hablar de un malentendido sobre sus obras florales que provino de una percepción muy personal de su marido, quien por aquel entonces encontraba fascinantes los postulados freudianos acerca de la psique humana, moviendo las obras de Georgia por el mundo del arte mientras las interpretaba con dichas bases.

Georgia afirmó simple y llanamente que lo que ella pintaba eran flores, sin importar que otros encontraran referencias hacia la genitalia femenina en su obra.

Izq: Calle de Nueva York con luna, 1925. // Der: Abstraction White Rose, 1927, de Georgia O'Keeffe.

Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler, una importante artista del movimiento expresionista abstracto, marcó la transición a la técnica de pintura Color Field. Hija del juez de la Corte Suprema del Estado Alfred Frankenthaler y Martha Lowenstein, se graduó de la Escuela Dalton en 1945 y estudió en Bennington College en Vermont.

Inspirándose en un principio en el cubismo, su obra se orientó más tarde hacia el paisaje, reflejando la influencia de la pintura europea. En 1950 conoció y se convirtió en pareja del crítico Clement Greenberg, y se hizo amiga de los artistas David Smith, Lee Krasner, Jackson Pollock, Willem y Elaine de Kooning, Franz Kline, Adolph Gottlieb y Barnett Newman.

En 1961, participó en la exposición American Abstract Expressionists and Imagists en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Con Montañas y mar (1952), la artista desarrolló la técnica del “color manchado”, en la que la pintura se utiliza como tinte para impregnar directamente el lienzo. Esta técnica, de la que se originó la pintura Color Field, influiría en pintores como Morris Louis, Kenneth Noland y Jules Olitski.

Jacqueline Lamba

Huérfana a una edad temprana, Jacqueline Lamba comenzó su vida como artista independiente después de haber estudiado artes decorativas y bellas artes.

Fue decoradora en los grandes almacenes Trois-Quartiers y luego se convirtió en bailarina en el Coliséum de Pigalle. Publicó fotografías, pintó acuarelas y creó objetos surrealistas. En 1934 se casó con André Breton, con quien tuvo una hija, y participó en exposiciones en París, Londres y Nueva York. En 1938, durante un viaje a México, conoció a otra de nuestras mujeres pintoras del siglo XX: Frida Kahlo, e inició una larga amistad con la artista.

Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, se refugió con Dora Maar y Picasso, luego en la casa de Marie Cuttoli. En 1941, ella y Breton se fueron a los Estados Unidos. Al poco tiempo se separó de él "para pintar", y para compartir parte de su vida con David Hare, pintor y escultor con quien luego tuvo un hijo.

Lee Krasner

Este artículo de la revista Vanity Fair por parte de Ianko Lopéz resultó muy agradable de leer, y comienza con lo siguiente:

“Es legendaria la tacañería con la que el pintor alemán Hans Hofmann (1880-1966), uno de los profesores de arte más influyentes del siglo XX, administraba las alabanzas entre sus alumnos. Pero un día se plantó ante la obra de una de ellas, de nombre Lee Krasner, y con su impenetrable acento germánico pronunció las siguientes palabras: “Esto es tan bueno que nunca dirías que lo hizo una mujer”.

De Lee Krasner (Nueva York, 1908-1984) se esperaba que aceptase aquello como un halago: eran otros tiempos. Y no sería el primer caramelo envenenado que le ofrecieron, ni por supuesto el último. De hecho, el más conocido de todos es otro que la reconoce como “esa pintora que estaba casada con Jackson Pollock. O incluso “la viuda del expresionismo abstracto”.

Pero en este corto reporte sobre su trabajo, no vamos a hablar de eso, sino de lo que ella logró y que la llevó a ser una de las grandes mujeres pintoras del siglo XX.

En su bio del MoMA dice que Lee Krasner era una fuerza de la naturaleza, siempre impulsando la abstracción. Su trabajo de más de 50 años sugiere una reinvención perpetua e inquieta, que abarca retratos, dibujos cubistas, collage, ensamblaje y pintura abstracta a gran escala. Pionera del expresionismo abstracto, también fue una de las principales defensoras del legado de Jackson Pollock. Como escribió una vez la historiadora del arte Helen Harrison, ahora directora de Pollock-Krasner House en Springs, Nueva York, Krasner "exprimió el jugo de sus imágenes.

Leonor Fini

Leonor Fini no podía faltar en esta lista de pintoras mujeres del siglo XX. Era una artista prácticamente autodidacta, aprendiendo anatomía directamente del estudio de cadáveres en la morgue local y absorbiendo la composición y la técnica de los Viejos Maestros a través de libros y visitas a museos.

Su personalidad vivaz y su atuendo extravagante la convirtieron instantáneamente en el centro de atención del mundo del arte parisino y pronto desarrolló una estrecha relación con los principales escritores y pintores surrealistas, incluidos Paul Eluard, Salvador Dalí (Si quieres saber más sobre él, te recomiendo nuestra publicación “El método paranoico crítico de Dalí”), Man Ray y Max Ernst, quien se convirtió en su amante durante un tiempo. El único surrealista al que no podía soportar por su misoginia era André Breton.

Un tema predominante del arte de Fini es la compleja relación entre los sexos, principalmente la interacción entre la hembra dominante y el macho andrógino pasivo. En muchas de sus obras más poderosas, la mujer adopta la forma de una esfinge, a menudo con el rostro del artista. Fini también fue un consumado retratista. Leonor Fini, talentosa, glamorosa y controvertida, fue un tema frecuente de poemas y fotografías de muchos miembros de su círculo.

Leonora Carrington

De la página del Museo Leonora Carrington: Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917 – Ciudad de México, 2011) fue una de las artistas más prominentes del movimiento surrealista. Produjo pintura, escultura, grabado, textil, joyería; y escribió dramaturgia, novela, y cuento. Se relacionó con los artistas surrealistas más destacados de su época, entre ellos Max Ernst, Remedios Varo, André Breton y Luis Buñuel.

​Carrington produjo obras que mezclan la autobiografía y la ficción, lo cotidiano y lo mágico. Sus obras están pobladas por seres fantásticos, a menudo animales intermediarios que nos refieren a la mitología celta, el hermetismo, la cábala y la literatura fantástica.

Nacida en 1917 en Lancashire, Inglaterra, Carrington creció rodeada de mitos celtas. Se los contaban su madre Maureen Moorhead, su abuela y su nana, todas ellas irlandesas y proclives a la fabulación. Entre otras cosas, le hablaban de las antiguas razas míticas de Irlanda, con quienes los Moorhead decían haber convivido en los campos y caminos.

Su padre, Harold Wilde Carrington, era en cambio un exitoso hombre de negocios, quien se oponía férreamente a la fantasía y a los intereses artísticos de su hija. Lo que él esperaba era que, tras debutar con un baile en el lujoso hotel Ritz de Londres, y ser presentada en la corte Real de Jorge V, Leonora encontraría un esposo y un futuro cómodo entre las altas clases sociales.

No sería así. Como su padre, Leonora poseía un carácter inquebrantable. Por eso se convirtió en una de las grandes mujeres pintoras del siglo XX

Margaret Keane

Nacida en 1927 en Nashville, Tennessee, a Margaret Keane siempre le ha gustado pintar y dibujar desde temprana edad. Primero hizo famosas sus pinturas en North Beach de San Francisco en la década de 1950.

El trabajo de Margaret obtuvo pocos elogios de los críticos de arte, pero fue amado y admirado por el mundo. Andy Warhol dijo: “¡Creo que lo que ha hecho Keane es fantástico! Si fuera malo, no le gustaría a mucha gente" (que por cierto, te invito a conocer más de la obra de este otro grande del arte en nuestra publicación “20 Obras famosas de Andy Warhol”). Margaret se convirtió en una de las artistas vivas más exitosas desde principios de los 60 hasta la actualidad.

El arte de Margaret ganó un gran favor y comenzó un movimiento de ojos grandes a principios de los años 60, que influyó en una gran cantidad de artistas de ojos grandes como Lee, Gig, Maio, Ozz Franca, Igor Pantuhoff y Eve.

Uno de los artistas favoritos de Margaret es Amedeo Modigliani, y su arte ha tenido una gran influencia en la forma en que pinta a las mujeres desde alrededor de 1959. A lo largo de los años, Margaret también ha sido influenciada por Van Gogh, Henri Rousseau, Leonardo da Vinci, Gustav Klimt, Edgar Degas, Picasso, Sandro Botticelli y Paul Gauguin.

Maruja Mallo

Izq.: Maruja Mallo // Der.: El Mago / Pim Pam Pum, 1926.

Maruja Mallo nació en Viveiro (Lugo) en 1902. Su verdadero nombre era Ana María Gómez González. En 1922 se traslada a Madrid con su familia. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde conoció a Salvador Dalí, quien la introdujo en el mundo del Surrealismo y la Generación del 27. Ilustró poemas de Rafael Alberti, como "La pájara pinta".

En 1927 conoció a Ortega y Gasset, y trabajó como ilustradora para la "Revista de Occidente". Su primera exposición individual tuvo lugar en los pasillos de dicha publicación, y resultó ser todo un éxito. En la década de 1930 viajó a París, donde conoció a André Breton, entre otros, y su obra se sumergió en el surrealismo.

Izq.: Antro de Fósiles, 1930, óleo sobre lienzo. // Der.: Naturaleza Viva, 1942.

De regreso a España trabajó como maestra. Cuando estalló la Guerra Civil española, se exilió en Argentina. En 1939 pinta su obra más importante: "El canto de la espiga". Regresó a España en la década de 1960. Murió en Madrid en 1995. (fuente: Spain Is Culture)

Natalia Goncharova

Natalia Sergeevna Goncharova nació el 21 de junio de 1881 de Sergei Nikolaevich Goncharov y Ekaterina Ilinichna Belyaeva en la ciudad de Negaevo en Rusia. En 1901 se unió a la Facultad de Escultura de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde conoció a Mikhail Fedorovich Larionov, quien se convirtió en su compañero de vida.

Con Larionov, Goncharova desarrolló una nueva forma de pintura abstracta llamada rayonismo, una forma temprana de arte abstracto caracterizada por formas lineales que interactúan derivadas de rayos de luz en 1913. Su manifiesto se llamó "Rayonistas y Futuristas: un Manifiesto" (Luchisty i budushchniki Manifest).

Goncharova destacó por su liderazgo dentro de la vanguardia rusa anterior a la Revolución soviética y por su intensa colaboración en la puesta en escena de los ballets de su compatriota Serguéi Diághilev.

Paula Rego

En la impresionante obra de Paula Rego se exponen plenamente las contradicciones de la humanidad; fantasía y realidad, fuerza y ​​represión, y lo personal y lo político se retuercen juntos en un diálogo circular. Ella representa la figura humana predominantemente de la vida y, por lo tanto, permite que sus modelos "lo inunden con su personalidad".

A menudo, grupos de figuras interactúan dentro de las imágenes de Rego, generalmente hechas en colores pastel en lugar de pintura, a medida que se desarrolla misteriosamente una historia con múltiples hilos. Los espectadores no saben realmente lo que está sucediendo, la acción puede ser desconcertante, pero siempre existe la sensación de que, por inquietante, compleja y típicamente cargada de sexualidad, nos guste o no, todos reconocemos las emociones en juego.

Al igual que otros retratistas de The London Group, y también de Alice Neel, Rego extrae la psicología individual y la disecciona. Sin embargo, su inclusión de accesorios y animales hace que su trabajo sea más surrealista, y su amor por las telas y la ropa, así como por ciertas poses, se remontan al clasicismo de los Viejos Maestros. (fuente: The Art Story)

Remedios Varo

Durante su infancia en España, Remedios Varo se vio influida por su padre ingeniero, que le enseñó a dibujar, y por su estricta educación católica, contra la que se rebeló. Después de graduarse de la escuela de arte, se dedicó al surrealismo y al cambio político.

Se mudó a París en 1937 y luego descubrió que no podía regresar a España después de la Guerra Civil Española. Varo se asoció y exhibió con los surrealistas, explorando la magia, la alquimia y la psicología analítica.

Izq.: Remedios Varo // Der.: Armonía (Autorretrato sugerente), 1956.

En México, Varo siguió siendo amiga de otros refugiados de su círculo surrealista europeo, incluida la artista Leonora Carrington, quien se convirtió en su amiga y colaboradora más cercana. A fines de la década de 1940, mientras se ganaba la vida con la ilustración comercial, Varo comenzó a desarrollar su estilo personal maduro. Durante las décadas siguientes, dedicó más tiempo y energía a su arte y profundizó en las fuentes fantásticas que capturaron su imaginación. (fuente: NMWA)

Rosario Cabrera

De la pagina del INBA: Paisajista, retratista y también docente, Rosario Cabrera (5 de junio, 1901) fue una artista conocedora de la proporción y de la anatomía, habilidad que plasmó en sus esculturas y en sus obras de gran volumen, además es considerada no solo una de estas exitosas mujeres pintoras del siglo XX, sino la primera pintora mexicana del siglo XX como tal.

Rosario Cabrera, quien tuvo como maestros a Saturnino Herrán, Leandro Izaguirre, Germán Gedovius, y en escultura a Arnulfo Domínguez Bello, desde muy joven mostró su talento para reproducir figuras humanas, animales y paisajes, pues heredó la vocación por el arte debido a que su padre fue decorador de oficio, aficionado a la pintura, la talla en madera, la guitarra y el canto flamenco.

Considerada por artistas e investigadores como una apasionada de la enseñanza, al concluir su trabajo en las Escuelas al Aire Libre continuó como maestra de pintura y dibujo de educación primaria, ello permitió que en varias ocasiones obtuviera importantes reconocimientos por la participación de sus alumnos en las exposiciones del Museo del Palacio de Bellas Artes.

Arriba, izq.: Rosario Cabrera // Der.: Casa Roja, c. 1926. Óleo sobre lienzo; Abajo, izq.: Casa de los Reyes, Coyoacán, 1928. Óleo sobre lienzo // Casita, 1945. Grabado, madera de hilo.

Tamara de Lempicka

La pintora de origen polaco Tamara de Lempicka (apodada “La diva del Art Decó”) es la siguiente en nuestro listado de mujeres pintoras del siglo XX. Nacida de padre judío ruso y madre polaca, Tamara de Lempicka pasó su infancia en San Petersburgo, Varsovia y Lausana.

Tras los horrores de la guerra, en París frecuenta los talleres de Maurice Denis y André Lhote. Entró en su propio estilo alrededor de 1925, cuando, animada por el conde Emanuele di Castelbarco, un galerista milanés, pintó 28 cuadros nuevos en seis meses, incluidos treinta que se exhibieron en la galería Bottega di Poesia de Milán.

Izq.: Composition abstraite aux rectangles blancs, c. 1955. // Der.: Bailarina rusa, 1925.

Rápidamente convirtiéndose en una de las retratistas más solicitadas, completó una serie de retratos de la alta burguesía y la aristocracia italiana y francesa, como los del marqués de Afflito (1925) o la Duquesa de Hall (1925). Aparte de las figuras importantes de la alta sociedad que quería conquistar pintando, era la modernidad misma la que brillaba como tema de su obra.

El encuadre increíblemente cercano y el aspecto teatral de algunos de los sujetos de sus pinturas parecen provenir de las películas mudas de principios del siglo XX.

Valentine Hugo

Pintora y artista visual de origen francés.

De la página AWARE: Valentine Gross creció en una familia ilustrada y de mente abierta con un pintor profesional por padre. Después de obtener un certificado para enseñar dibujo, fue admitida en la École des beaux-arts de París en 1907 y pasó un tiempo en el taller de Jacques Fernand Humbert. Su primera participación en el Salon des artistes français tuvo lugar en 1909. Su pasión por la música y la danza la llevaron a completar varios estudios de bailarina y exhibió sus bocetos al pastel y pinturas de cera sobre madera en el Théâtre des Champs-Élysées en 1913.

Para las ilustraciones de moda que publicó en La Gazette du bon ton de Lucien Vogel, prefirió las técnicas de grabado en madera. En 1916, esta integrante de nuestras mujeres pintoras del siglo XX expuso algunos manuscritos iluminados en la galería Barbazanges de París. También diseñó vestuario para Jacques Copeau y el taller Théâtre du Vieux-Colombier en 1917. En 1919 se casó con Jean Hugo, tataranieto de Victor Hugo (sí, el mismo que alguna vez le dió a su prometida un murciélago vivo en un sobre).

A partir de entonces alternó la creación de disfraces y “máscaras-títeres” para los bailes de disfraces de Noailles y Beaumont y el diseño de vestuario y decorados con su marido para obras de teatro (Romeo y Julieta, 1924).

Yayoi Kusama

La vida de Yayoi Kusama es un testimonio conmovedor del poder curativo del arte, así como un estudio sobre la resiliencia humana. Acosada por una enfermedad mental cuando era niña y abusada a fondo por una madre insensible, la joven artista perseveró usando sus alucinaciones y obsesiones personales como alimento para una prolífica producción artística en varias disciplinas.

Esto se volvió un compromiso de por vida con la creatividad a toda costa a pesar del nacimiento de la artista en una cultura japonesa tradicional que borra a la mujer y la mayoría de edad de su carrera en la escena artística de Nueva York dominada por hombres. Hoy, Kusama reina como una de las artistas femeninas contemporáneas más singulares y famosas, operando desde su hogar autoimpuesto en un hospital psiquiátrico.

Cuando Kusama comenzó a ver alucinaciones cuando era niña, su forma de lidiar con los extraños fenómenos fue pintar lo que veía. Ella dice que el arte se convirtió en su forma de expresar su enfermedad mental, como se ve más notablemente en sus pinturas Infinity Net basadas en patrones repetitivos y sus instalaciones en las que crea ambientes elaborados llenos de lunares o pequeños puntos de luz.

Su familiaridad con la lucha por su vida y su compasión por otras personas involucradas en causas contra la injusticia llevaron a Kusama a asociarse brevemente con muchos movimientos subculturales de su tiempo, como la cultura hippie de la década de 1960 y el movimiento feminista. (fuente: The Art Story).

Su documental del 2018, Kusama: Infinito (Kusama: Infinity) se encuentra disponible en diferentes plataformas digitales, como Amazon Prime Video y Youtube.

Como verás, muchas de estas mujeres pintoras del siglo XX llegaron al XXI con el empuje de años de maestría en las artes pictóricas, y aunque quizás no se conozca tanto de ellas como es necesario, invitamos a toda la gente que nos lee a sumergirse en sus profundos mundos artísticos, explorarlos e indagar sobre estos, ya sea que se esté estudiando para llegar a ser como ellas y otros grandes artistas, o que se sienta una gran admiración por las artes gráficas.

Acá va una última recomendación si quieres un museo más en México dedicado a las pintoras para inspirarte: el MUMA (Museo de Mujeres),