¿Qué es la Apropiación Artística?
¿Qué es la apropiación artística?
La premisa es que una obra recontextualiza todo aquello de lo que toma prestadas las imágenes, y esto hace que la creación sea fresca, lo cual es un aspecto fundamental a comprender en nuestra comprensión de la fotografía y la apropiación artística. En la mayoría de las circunstancias, el "objeto" original permanece disponible en su forma original.
Dicho de otra forma, la apropiación artística (al igual que el arte de objetos encontrados), se define como “la copia, el préstamo y la alteración intencionales de imágenes, objetos y conceptos anteriores como método estético”.
La apropiación artística o arte de apropiación también se ha caracterizado como “la incorporación de una entidad física o tal vez una obra de arte existente en una nueva obra de arte”. La apropiación en el arte destaca cuestiones de singularidad, legitimidad y propiedad, y es parte de la larga herencia modernista del arte que cuestiona la esencia o el significado del arte mismo.
Las implicaciones que esto tiene para la comunidad artística -y concretamente aquí, para artistas que se enfocan en el dibujo y la pintura- son importantes, así que creo que esta publicación te resultará muy informativa, sobre todo si te gusta trabajar con este tipo de elementos en tus obras.
Índice
La historia de la apropiación en el arte
Muchos pintores del siglo XIX hicieron alusiones a piezas o temas de artistas anteriores. Por ejemplo, Jean-Auguste Dominique Ingres produjo el retrato de Madame Moitessier en 1856. La postura inusual fue influenciada por la renombrada obra de arte romana antigua Herakles encontrando a su hijo Telephas (principios del siglo II a.e.c).
Como resultado, el creador estableció una conexión tanto para su tema como para la diosa olímpica. De manera similar, Vincent van Gogh puede identificarse por ejemplos de obras influenciadas por Delacroix, Jean Francois Millet o imágenes japonesas en su posesión personal.
Sin embargo, la apropiación artística como forma de arte puede remontarse clara y notablemente a los montajes y collages cubistas de Georges Braque y Pablo Picasso a partir de 1912, en los que se utilizaban cosas genuinas como el papel de periódico para simbolizarse.
Principios del siglo 20
Georges Braque y Pablo Picasso incorporaron artefactos de entornos no artísticos en sus obras en los primeros años del siglo XX. Picasso colocó una tira de hule sobre la pintura en 1912. Las siguientes piezas, como Guitarra, Periódico, Vaso y Botella (1913), en las que el artista utilizó recortes de periódicos para construir formas, son ejemplos de ensamblajes tempranos que se asociaron con materiales sintéticos. cubismo. Los dos pintores incluyeron elementos del "mundo real" en sus pinturas, lo que provocó un debate sobre el significado percibido y la expresión artística.
En 1915, Marcel Duchamp propuso la noción ready-made, en la que “los elementos funcionales creados comercialmente alcanzan la estatura del arte sólo a través de los procesos de elección y exhibición”.
De hecho, Duchamp probó esta idea por primera vez en 1913, cuando adjuntó un asiento con una rueda de bicicleta, y nuevamente en 1915, cuando compró una pala para nieve y la escribió “en previsión del brazo roto, Marcel Duchamp”. Bajo el alias de R. Mutt, Duchamp coordinó la entrada de un ready-made a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917. Se denominó Fuente y consistía en un urinario de porcelana colocado sobre una plataforma.
La pieza fue descartada por el comité de exhibición porque presentaba un claro desafío a las concepciones establecidas de arte elevado, autoría, singularidad e imitación. Sin embargo, otros críticos de arte tenían opiniones firmes en torno a la obra.
Ellos comentaron que “Poco importa si el Sr. Mutt construyó la fuente con sus propias manos o no. Él lo escogió. Tomó un elemento cotidiano de la vida, lo reorganizó para que su utilidad desapareciera bajo el nuevo nombre y punto de vista, luego inventó una nueva noción para esa pieza”.
El grupo dadaísta siguió experimentando apropiándose de materiales comunes y combinándolos en collage. Las piezas dadá exhibieron un absurdo deliberado y un desprecio por las normas establecidas del arte. Las piezas “merz” de Kurt Schwitters tienen una sensibilidad comparable. Partes de ellos se construyeron a partir de cosas encontradas y tomaron la forma de enormes estructuras conocidas como instalaciones.
Siguiendo el movimiento dadaísta, los surrealistas adoptaron el uso de "objetos encontrados", como Teléfono de langosta (1936) de Salvador Dalí. Cuando estos artefactos recuperados se unieron con otros objetos inusuales y aterradores, adquirieron un nuevo significado.
Apropiación artística en el Realismo y Pop Art
Robert Rauschenberg empleó lo que él llamó "combinaciones" en la década de 1950, fusionando materiales prefabricados como neumáticos o colchones con pintura, serigrafías, collages y fotografías. Asimismo, Jasper Johns, quien trabajó con Rauschenberg durante ese período, integró artefactos encontrados en su arte.
El movimiento artístico Fluxus también hizo uso de la apropiación artística, ya que sus miembros combinaron muchos campos artísticos como las artes visuales, la música y la escritura.
Llevaron a cabo reuniones de "acción" y crearon piezas escultóricas utilizando materiales poco ortodoxos durante las décadas de 1960 y 1970. Artistas como Andy Warhol y Claes Oldenburg copiaron motivos del diseño corporativo y la cultura pública, así como métodos de estos sectores, a principios de la década de 1960, con Warhol, por ejemplo, pintando botellas de Coca-Cola (puedes checar una de las obras que las incluye así como otras de sus obras en nuestra publicación “20 Obras famosas de Andy Warhol”).
Fueron apodados "artistas pop" porque consideraban que la cultura popular de masas era el principal idioma vernáculo compartido por todos, independientemente de la educación.
Estos creadores se sumergieron por completo en el detritus creado por esta cultura hecha en masa, abrazando el descarte y desprendiéndose de las huellas de la presencia de un artista. Roy Lichtenstein, uno de los pintores pop más conocidos, se hizo famoso por copiar imágenes de cómics en obras como Drowning Girl (1963) (también contamos con una publicación dedicada a la obra de este artista: “10 obras de Roy Lichtenstein y su vida”).
Cabe mencionar que estos artistas fueron así mismos retomados y reinterpretados por vía de la apropiación artística. Elaine Sturtevant recreó grandes obras maestras de sus compañeros. Entre los artistas que "copió" estaban Jasper Johns, Andy Warhol, Joseph Beuys, James Rosenquist, Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein y otros. Si bien no reprodujo principalmente el arte pop, fue una parte clave de su profesión.
El Neo-pop y la “Generación de las Imágenes”
En la década de 1980, artistas estadounidenses como Sherrie Levine y Jeff Koons continuaron con la tendencia. Levine a menudo reprodujo como su propio trabajo otras obras de arte, incluidas pinturas de Claude Monet y Kazimir Malevich. Al hacerlo, pretendía crear una nueva situación y, por lo tanto, un nuevo significado o conjunto de significados para una imagen familiar.
Mientras que en épocas anteriores, la apropiación en el arte estaba representada por el 'lenguaje', el arte de apropiación de hoy ha sido simbolizado a través de la fotografía como un método de 'formas semióticas de representación'. carácter artificial de las imágenes, y se inspiraron en el arte pop.
La década de 1990
Los artistas continuaron haciendo arte de apropiación a lo largo de la década de 1990, utilizándolo como un vehículo para confrontar preocupaciones teóricas y sociales en lugar de centrarse en las piezas en sí. Damian Loeb usó el cine y la cinematografía para hablar sobre temas de realismo y simulacro.
Sherrie Levine tomó prestada la idea de la Fuente de Duchamp (1917) cuando creó urinarios de bronce fundido pulido. Se ven como un “homenaje al conocido ready-made de Marcel Duchamp. Contribuyendo a la audacia de Duchamp, Levine eleva el materialismo y el pulido de su gesto, transformándolo nuevamente en un "objeto de arte". Como diseñadora feminista, Levine reinventa las obras de pintores masculinos que tomaron el control patriarcal en la historia del arte”.
Apropiación artística en el Siglo 21
La apropiación artística es ampliamente empleada por artistas actuales que recrean regularmente obras de arte anteriores, como el artista francés Zevs, que reelaboró logotipos de empresas como Google o las obras de David Hockney. Muchos pintores callejeros y del metro, como Banksy o Shepard Fairey, emplean imágenes de las culturas dominantes, como la Chica del tímpano perforado de Banksy (una parodia a La joven de la perla), que sacan de obras de arte de Vermeer o Claude Monet por ejemplo.
Implicaciones legales y éticas de la apropiación artística
La apropiación artística puede ser confusa, porque la línea entre pedir prestado, apropiar y copiar suele ser bastante borrosa.
Algunos artistas como AK Dolven y Storm Thorgerson están claramente inspirados en artistas e imágenes particulares, ya sea recreando las pinturas de Edvard Munch en contextos modernos o tomando mucho del estilo surrealista de René Magritte, pero, ¿qué haces con un artista como Glenn Brown, que toma prestadas imágenes familiares de la historia del arte y transforma sus colores y texturas en algo extraño, pero sin perder el parecido con el original? ¿Son estas obras de inspiración o es Brown solo un copista colorido?
Académicos y jueces han comentado extensamente sobre la tensión obvia entre la ley de derechos de autor y la apropiación artística, donde “desde la perspectiva de la ley de derechos de autor, el mismo término ‘Arte de apropiación’ es una provocación; 'apropiación' de la obra protegida tiene la connotación de robo”.
Algunos artistas célebres que forman parte del movimiento artístico de apropiación y que felizmente adoptaron el título de "provocadores" incluyen a Richard Prince, Jeff Koons y Andy Warhol. Las obras de estos artistas han estado en el centro de casos judiciales que han tratado de trazar la línea entre la apropiación artística permitida y la copia ilegal.
Debido a la naturaleza intensiva en hechos de esta investigación y la naturaleza territorial de la ley de derechos de autor (la cual varía de país a país y a veces incluso de región a región dentro de un mismo país), las decisiones judiciales sobre este tema podrían haber arrojado resultados inconsistentes, dejando a las partes interesadas confundidas y frustradas. La jurisprudencia contradictoria corre el riesgo de congelar la expresión artística, especialmente de aquellos que no pueden permitirse batallas judiciales prolongadas y costosas.
En Estados Unidos, la apropiación artística de una obra con derecho de autor es un tipo de plagio. Cada vez que creas una obra de arte (escritura, música, codificación informática u otro resultado creativo), inmediatamente posees los derechos de autor de esa obra.
No es necesario que presentes una solicitud de derechos de autor ante la Oficina de derechos de autor de los Estados Unidos para establecer la propiedad (existe automáticamente). Sin embargo, la solicitud de derechos de autor le otorga el derecho de hacer cumplir los derechos de autor en los tribunales.
Los derechos de autor son válidos de por vida más 70 años (se aplican otras reglas a obras de arte y obras más antiguas creadas en otros países).
El asunto es más complicado en el marco de los derechos de autor en Europa, donde no existe una doctrina fluida o dinámica de “uso justo”. Más bien existe una lista de catálogo cerrado de excepciones legales a la infracción de derechos de autor.
¿Y en México? Quizás no parezca que sea un tema importante, pero los artistas y sus creaciones también están protegidos por las leyes en términos de derechos de autor y se parece un poco a lo que sucede en Estados Unidos. Te agradará saber que el autor de cualquier obra artística queda dotado (por el sólo hecho de crearla) de dos tipos de legalidad, que son moral y patrimonial.
Esto tiene implicaciones muy interesantes para los artistas mexicanos, principalmente en el plano moral, pues citando la información compartida en el Blog de la Red de Universidades Anáhuac:
Los derechos morales hacen referencia a términos de paternidad, integridad y divulgación; esto significa que a través de los derechos morales, además de que el autor queda legalmente reconocido, también tiene el derecho de decidir de qué manera se divulga su obra y de prohibir que sea deformada.
Esto significa, a grandes rasgos y al margen del tema, que tu puedes decidir si tu obra puede ser sujeto de apropiación artística, en general y/o en situaciones concretas. Lo cierto es que, como en cualquier otro país, iniciar un proceso legal en contra de cualquier infracción a derechos de autor puede requerir tiempo y recursos a tener en consideración.
El valor de la apropiación artística
La apropiación artística tiene una finalidad significativa como práctica del arte. Aún así, es esencial recordar que es una práctica complicada dentro de una historia moral compleja.
La apropiación artística es una práctica matizada y ha sido un método para que diversos artistas de diversos orígenes critiquen y contemplen las condiciones de la sociedad, la historia del arte y la cultura. En el arte, la apropiación se utiliza para contemplar la historia, reformular ideas, generar conversaciones y producir nuevas formas de pensar, explorar e informar.
Cada artista sabe lo que está haciendo, y no se puede huir de sí misma o de sí mismo cuando se trata de algo tan personal como la creación artística y la motivación que nos lleva hacia esta. Hay todo tipo de artistas utilizando la apropiación artística genuinamente (el juego de palabras va por cuenta de la casa) y hay quienes sólo incurren en el plagiarismo para un beneficio personal de un tipo más bien ilícito.
Incluso hay quienes se han vuelto a sí mismos una reflexión del arte y su interacción con la sociedad, como en el caso de Mr. Brainwash, que lo hizo de manera casi accidental y por lo cual acabó convertido en artista y fenómeno mediático —con un buen empujón del esquivo artista callejero Banksy, por cierto. La historia completa la grabaron en video, y la puedes encontrar bajo el nombre “Exit through the giftshop”, disponible en diferentes plataformas como Google Play y Youtube.
Si la apropiación artística es parte de tu proceso creativo, creo que más allá de los juicios legales, las críticas de terceros o de las etiquetas de precio, el valor verdadero de la obra resultante sólo lo conoces tú. Por lo demás, espero que esta información te ayude a profundizar más en tu entendimiento del arte… ¡Y también a evitar algunas demandas en el proceso!.
