La pintura minimalista de Frank Stella

En el año 2015, el museo Whitney de arte estadounidense dedicó su primera gran retrospectiva a la pintura minimalista de Frank Stella, con la intención de engalanar su reciente apertura. En el mismo año, este artista fue considerado por muchos como uno de los artistas vivos mas influyentes e importantes del 2015.

Frank Stella (12 mayo 1936) es el pintor minimalista por excelencia; fue uno de los primeros pintores en enfatizar la pintura como objeto y no sólo como imagen. Su frase "lo que ves es lo que ves" se convirtió en el grito de batalla de la pintura minimalista y su famosa serie de cuadros negros, hechos con pintura de casa en gran formato, e inspirados en la arquitectura, le ganaron un lugar especial en la historia del arte del siglo XX.

Frank Stella, Club onyx steven steps (Club Onix siete pasos), 1967, litografía, 38.1 x 55.9 cm.

La ideología detrás de la pintura minimalista

Durante el siglo XX la pintura se volvió mucho más reflexiva, quizá como nunca antes en su historia. Durante el modernismo y épocas posteriores, el vínculo de la pintura con la filosofía y la teoría artística se estrechó profundamente. Los pintores se comenzaron a dedicar, ya no sólo a pensar sobre color, forma, trazo y técnica, sino también a reflexionar sobre las implicaciones que posee el acto mismo de pintar -como acción y como lenguaje- y sobre la pintura, no sólo como imagen, sino como objeto.

Uno de los más prominentes teóricos del arte del siglo XX, el estadounidense Clement Greenberg, fue de los que impulsó con más fuerza la transición hacia un arte más filosófico. Greenberg habló sobre este suceso como una necesidad intrínseca y esencial del pensamiento artístico moderno:

"La esencia del modernismo yace, como yo lo veo, en el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar dicha disciplina en sí misma - no para subvertirla, sino para establecerla con mayor firmeza en su área de competencia."

Ad Reinhardt, Abstract Painting no. 4 (Pintura abstracta no. 5), 1961.

También el pintor Ad Reinhard, uno de los que más se involucraron con esta corriente de pensamiento en la misma época, mencionó al respecto:

La temática más importante de los últimos cien años de arte moderno es la atención que el arte ha puesto sobre sí mismo, la preocupación del arte respecto a sus propios procesos y medios, su propia identidad y particularidades, su propio sentido y sus declaraciones, así como su creciente conciencia respecto a su propia evolución, historia y destino encaminado a la libertad. La atención que el arte ha dado a su propia dignidad, su propia esencia, sus propias razones, su propia moral y su propia conciencia.

Durante el modernismo, e incluso antes de éste -desde mediados y finales del siglo XIX-, distintos artistas comenzaron a cuestionarse con mayor detenimiento qué es el arte. Es por esta razón que se formularon, tanto de manera conceptual como formal, preguntas como: ¿Es una pintura, simplemente por ser una pintura, una obra de arte? ¿Qué hace de una pintura una obra de arte? ¿Dónde yace realmente la obra de arte? ¿Qué hace que una pintura sea una pintura? ¿Qué hace que una escultura sea una escultura? ¿Qué hace que un objeto artístico sea un objeto artístico?

Durante los primeros años de la segunda mitad del siglo XX, uno de los artistas que hicieron comentarios más atinados respecto a algunas de estas preguntas fue el pintor Frank Stella, particularmente a través de su serie de pinturas negras.

Frank Stella, Emperatriz de India, 1965, polvo metálico polimerizado en emulsión sobre lienzo, 198 x 569 cm.

La aproximación de Frank Stella a la pintura monderna

En sus pinturas negras, Frank Stella entabló un diálogo con la filosofía del crítico Clement Greenberg y los pintores expresionistas abstractos, enfatizando aspectos de esta misma ideología de una forma completamente distinta de aquellas que otros habían considerado previamente.

El crítico Clement Greenberg abogaba por una pintura libre de referencias externas, que no tuviera que actuar como vehículo de la literatura y subordinarse a ésta y sus narrativas, que fuera una pintura autónoma que, no sólo no necesitaba de representación, sino que nunca la había necesitado. Pero la autorreferencialidad implícita de esta postura no había sido explorada conceptualmente del todo en el expresionismo abstracto, hasta la llegada de Frank Stella.

Bien podríamos decir que, pese a que las obras de los expresionistas abstractos no se limitaron a la representación, el interés de muchos de aquellos pintores se situaba en la manifestación de la emoción humana. Aunque no la manifestaran a través de la representación y narrativa, sí lo hacían mediante el color, el trazo y la materialidad. En oposición a estos intentos y en su aspecto formal, las pinturas negras de Frank Stella hicieron que no necesitar referencias externas en la realización de una obra de arte tomara una aproximación conceptual completamente contraria a la visceralidad que los expresionistas abstractos habían enfatizado con el mismo fin.

Frank Stella, Zambezi, pigmento metálico polimerizado sobre lienzo, 1959.

Stella fue uno de los primeros pintores en replantear el dinamismo del expresionismo abstracto en composiciones angulares y planos de colores lisos. Una de las características de la pintura de Frank Stella es su amplio uso de patrones y simetría. Si bien los expresionistas abstractos utilizaban la línea, la forma y el trazo para transmitir emociones a partir del gesto, el uso de patrones dibujísticos en la pintura de Stella pareciera intentar borrar la mano del pintor y su psique de las telas. Ciñéndose exclusivamente a reproducir un patrón específico de forma idéntica sobre el lienzo, Stella acentuaba la objetualidad de los lienzos, emancipándolos de su instrumentalidad como simples vehículos de narrativas determinadas.

"Lo que ves es lo que ves", solía decir Frank Stella respecto a sus cuadros, y al relacionarnos con ellos como espectadores no nos estamos relacionando con el alma de un artista puesta sobre un lienzo, como podrían alegar algunos expresionistas abstractos. Nos relacionamos con un objeto, haciendo que la relación espectador-pintura tome un rumbo distinto al que las artes visuales habían sostenido durante muchos siglos con sus espectadores. Este cambio permitió que el arte comenzara a adentrarse en un terreno que había sido explorado más ampliamente por la arquitectura que por artistas.

Frank Stella, Nunca pasa nada, 1959,

Uno de los elementos más significativos de la pintura minimalista es el peso que pone sobre la relación entre el cuerpo del espectador y el objeto artístico, la cual se inspira en la relación cuerpo - objeto - espacio en la arquitectura. En este sentido, la forma de observar una pintura minimalista implica prestar atención a la sensación que produce la dimensión de la obra, en conjunto con todos sus otros elementos. Una pintura de 3 metros produce una sensación muy distinta que una de 10 metros o una de 20 cm, y eso sin tomar aún en cuenta su forma y composición u otros aspectos de la misma. Debido al énfasis que el minimalismo puso sobre el vínculo de la obra de arte con el cuerpo del espectador, no sólo se acentuó en este movimiento la materialidad de las obras, como ocurriera también en el expresionismo abstracto, sino también su objetualidad.

Frank Stella fue el primer artista en plantear exitosamente en su obra, tanto de manera formal como conceptual, la relación entre objeto y espectador que existe en toda obra de arte, y como tal es uno de las artistas más influyentes de la segundo mitad del siglo XX. Por medio de su serie de pinturas negras, fue Stella quien abrió la puerta a la exploración plástica - conceptual de muchos otros artistas, tanto minimalistas como posteriores, indispensable para que fuera posible el desarrollo que tuvo el arte desde entonces y hasta tiempos actuales.

Otros textos relacionados con pintura minimalista:

• La composición all over de la pintura abstracta y los estilos relacionados con ella
• La evolución de la pintura de Mark Rothko