Cursos intensivos de pintura, invierno 2017

En manos de Caravaggio, quien es considerado el iniciador y máximo exponente del Tenebrismo, el gran realismo y la alta figuración conseguida por los pintores renacentistas, así como el uso del claroscuro, se convirtió en una herramienta mordaz y subversiva que sigue influyendo a artistas de la actualidad. El Tenebrismo no sólo se valía de aspectos simbólicos y hermenéuticos para transmitir mensajes; también se valía de la iluminación y la atmósfera para acentuar sus discursos de manera significativamente más teatral.

El uso del claroscuro, que es la característica más importante de este estilo, comenzó a acentuarse durante el Renacimiento. Sin embargo, la corriente tenebrista empleó varios recursos estéticos que lo separaron de la pintura renacentista, siendo el uso de la luz uno de los más significativos. En la pintura tenebrista se hace uso de un recurso conocido como spotlight para iluminar las escenas. La particularidad de esta luz, y su diferencia con la luz renacentista, es que es una luz principal focalizada, única y no generalizada. Ya sea la iluminación conocida como Luz de vela o aquella que entra de una ventana o tragaluz, ambas luces tienen la cualidad de acentuar el dramatismo de las imágenes.

Los pintores tenebristas, y aquellos influenciados por el Tenebrismo, así como se dieron cuenta de que podían usar el alto contraste y los materiales de pintura para exagerar el dramatismo lumínico, notaron también que el color podía ser útil para facilitar esta tarea. Los pintores venecianos del alto Renacimiento desarrollaron en su momento una técnica de óleo y temple para exaltar con intensidad los colores de sus obras mediante el uso de veladuras. Esta técnica también sería empleada por Caravaggio y posteriormente por aquellos influenciados por él, no para acentuar el colorido, sino para exaltar el dramatismo lumínico de sus pinturas. Obras como las de Rembrandt habrían sido imposibles de no haber sido por el interés por la luz que introdujo el Tenebrismo en la pintura, lo que explica la relevancia de este movimiento en la historia de la pintura y, a su vez, nos deja ver un poco de lo que puede dar la comprensión de esta forma de pintar a nuestra propia obra pictórica.

Objetivos generales del curso:

• Analizar los materiales del tenebrismo, la técnica de temple y óleo.
• Analizar los contrastes lumínicos y la composición por color a la manera del tenebrismo.
• Analizar cómo representar aspectos difusos o precisos en pintura a la manera del tenebrismo.
• Comprender la manera de escoger una paleta de contrastes exaltados, tímidos o moderados.
• Ejecución de un cuadro por alumno durante el curso.

Considerar los elementos del lenguaje teatral ha producido muchos cuadros impresionantes a través de la historia del arte. Sin embargo, el dominio de los elementos teatrales en la pintura no es simple. De hecho, contar con estos recursos requirió varios siglos de desarrollo pictórico, sobre todo porque implica la comprensión profunda del espacio virtual en la pintura y de la incidencia de la luz sobre el mismo. La teatralidad en la pintura trata más sobre la atmósfera, sus elementos y sobre la interacción de éstos con los personajes, que sobre la fiel representación de los personajes por sí solos.

Caravaggio puede considerarse el primer pintor que fue profundamente consciente de estas nuevas posibilidades de la pintura, empleándolas para transmitir sus ideas particulares. Gracias a los procesos y sistemas de representación figurativa que fueron desarrollados por varios siglos de pintores previos a él, Caravaggio hizo uso de distintas luces dirigidas para acentuar o disminuir el dramatismo de sus obras y para marcar sus protagonistas o personajes secundarios, tal como se haría en un escenario teatral. Su pensamiento y sus sistemas pictóricos teatrales escénicos indujeron a muchos artistas barrocos posteriores a él a hacer uso de ellos y a desarrollarlos aún más. Entre estos artistas encontramos a los tenebristas, aquellos conocidos como “la tradición de la vela”, distintos pintores holandeses y, particularmente, los grandes pintores Diego Velázquez, Rubens y Rembrandt, e incluso artistas posteriores como Edgar Degas y Toulouse Lautrec.

La teatralidad en la pintura permite exaltar al personaje o a los personajes principales por medio de la luz y el color, sin tener que depender en exceso de la composición geométrica. A esto se le llama composición por color y es el recurso primordial de la teatralidad en la pintura. La iluminación nos permite componer, pero también enfatizar el carácter de las escenas. Esto, por un lado, se consigue a partir de las atmósfera generada al modular la iluminación; por otra parte, se obtiene al poder determinar y dirigir de forma específica las fuentes luminosas y, con ello, controlar la lectura de la obra.

En suma, pensar el lenguaje pictórico cual si fuera una puesta en escena, permite a los artistas generar varios ajustes que consiguen a su vez distintos resultados que pueden ser controlados. Puede aplicarse en obras, tanto figurativas, como semi-abstractas y abstractas. Basándose en el dominio de la composición por color -tema que será el eje central del curso- la teatralidad y todas sus posibilidades se convierten en una herramienta efectiva para el artista.

Objetivos generales del curso:

• Analizar distintos materiales ideales y su uso particular para acentuar elementos teatrales en la pintura.
• Estudiar los contrastes lumínicos y la composición por color en relación a la teatralidad pictórica.
• Analizar diversas maneras de exaltar o disimular elementos, usando recursos teatrales.
• Comprender la manera de escoger paletas para producir diversos tipos de contrastes y atmósferas.
• Ejecución de un cuadro por alumno durante el curso.

La técnica veneciana surgió durante el Renacimiento en el puerto de Venecia. Gracias al boom comercial y económico del lugar durante la época, muchos artistas tuvieron la oportunidad de experimentar con materiales y medios que de otra forma no habrían estado a su alcance. Por si fuera poco, también la mentalidad renacentista influyó de forma importante sobre la pintura veneciana. Esto provocó que tanto pensadores como artistas se liberaran del yugo de la iglesia e indagaran por sí mismos en el supuesto orden de las cosas. En la pintura esta mentalidad se ve reflejada, no sólo en los temas de las obras y en la forma de abordar las imágenes, sino también en las técnicas que fueron desarrolladas.

La apariencia de la técnica veneciana es de presencia lustrosa. Su componente principal es el aceite de linaza. En unión con albayalde -blanco de plomo- se obtiene un aceite espeso de color obscuro que puede ser utilizado con temple al inicio para construir las obras en capas de pintura sucesivas, que se sobreponen y combinan con impasto y colores. Con esto se genera una sensación tridimensional inigualable, gracias a la facultad refractante de la luz que se logra por los impastos de plomo y las resinas.

Esta técnica de pintura surgió a partir del enriquecimiento técnico de la pintura desde la Edad Media y hasta el alto Renacimiento. Mas al sumarse el conocimiento de varios siglos por los artistas de los países bajos y otras regiones de Europa, alcanzaría su máximo esplendor y conquistaría, no sólo Venecia, sino toda Europa. El propósito de este curso es ahondar en los procedimientos técnicos para el uso de esta técnica. Así, buscamos otorgarle a los participantes la posibilidad de sacar beneficio de la misma para aplicar esta impactante técnica de arte en el presente siglo.

Objetivos generales del curso:

• Estudiar materiales y soportes de la técnica veneciana.
• Aprender el impasto a la manera de la técnica veneciana (pútrido).
• Introducir las barnicetas.
• Analizar el método de pintura de magro a graso.
• Realización de un cuadro en técnica veneciana por cada participante en el curso.

Lo importante a considerar al utilizar encausto es que, para el realismo, el medio debe permitir la precisión. Para lograrlo, el pintor debe hacer que el encausto tenga las características específicas que le permitan tener este comportamiento. Que el artista conozca el material y tenga la capacidad de controlarlo es lo que determinará si logrará o no aprovechar las magníficas cualidades de esta técnica poder enriquecer su obra.

El encausto es una pintura imperecedera, de presencia laqueada, que no se altera y que permite abundantes juegos plásticos. Es altamente flexible en cuanto a la aplicación de materiales en diferentes grosores, desde los ínfimamente delgados hasta los muy gruesos. Es un material que, por sus características, queda completamente anclado a la imprimatura desde las primeras manos, volviéndose con el tiempo una unidad con ella. Es capaz de generar textura y se le puede incrustar oro y otros elementos, utilizarlo con sílice y vidriar su superficie provocando una apariencia refractante. Puede ser trabajado en caliente o en frío y producir, desde la figuración más precisa, hasta la abstracción más espontánea.

Para utilizar exitosamente esta técnica es indispensable conocer cómo preparar soportes especiales, controlar la transparencia del material, utilizar cargas y saber qué función tienen las resinas. Todo esto se enseñará en este curso.

Objetivos generales del curso:

• Analizaremos los procedimientos antiguos utilizados por artistas del período del Fayum.
• Utilizaremos materiales disponibles en nuestra época, adaptando dichos procedimientos antiguos a la época actual.
• Imprimaturas, soportes, elaboración de medios encáusticos, pegado de hoja de oro y otros.
• Cargas y manejo del color para el control de la paleta en técnica de encausto.
• Elaboración de un cuadro figurativo en técnica de encausto por alumno.

La técnica de temple de agua es una técnica en la que sólo se usa la grasa del huevo (la yema) como aglutinante. Cuando lo que se ha pintado con este material seca por completo, después de alrededor de 4 meses, se vuelve una película insoluble al agua que la vuelve resistente al ambiente y al paso del tiempo. La técnica de temple de agua en sí misma es perfecta; lo ideal cuando se decide utilizarla es trabajarla como técnica dentro de un mismo lienzo. Una de las características más apreciadas del temple de agua es que se seca muy rápido. Esta particularidad permite ir poniendo capas sucesivas con velocidad y lograr un buen ritmo de trabajo. Dicha cualidad ha sido ampliamente valorada por distintos pintores a través del tiempo. Esta misma admiración ha hecho que se desarrollen varias formas particulares de trabajar este material, exclusivos para esta técnica.

Actualmente, la técnica de temple de agua ha sido revalorada en el mercado mundial, alcanzando precios que superan los de muchas otras técnicas como son el óleo y el acrílico. Esto, en gran medida, se debe a su impactante presencia y duración, y quizá también a la búsqueda de opciones diferentes a aquellas que han saturado el mercado por décadas. Y qué mejor opción que el temple de agua, técnica que ha cautivado a artistas y amantes del arte por siglos, de manera consecutiva.

Objetivos generales del curso:

• Procedimientos de elaboración de imprimaturas de creta.
• Distintos acabados de las imprimaturas de creta, entre éstos el acabado de piano.
• El uso del temple de agua de magro a graso, en capas sucesivas.
• Selección de paletas cromáticas, considerando las características del temple de agua y aplicando la teoría del color en el tema a trabajar.
• Elaboración de un cuadro figurativo por alumno en esta virtuosa técnica.

Además de gran artista, Durero también fue un teórico de arte que escribió varios libros, que nos muestran con profundidad el espíritu detrás del arte de su época y muchas de las razones por las que este artista abordó de cierta forma su trabajo artístico. Durero, al igual que otros renacentistas, acercó su quehacer -el dibujo, la pintura y el grabado- a la ciencia. Lo hizo con sus técnicas, pero también en cuanto a la función de su obrar en sí. Igual que en el caso de Leonardo da Vinci, el trabajo de Durero no sólo fue el de un pintor, sino el de un intelectual que investigaba el mundo mediante su oficio.

Durante el Renacimiento resurgió con fuerza el interés por la civilización clásica, revalorizando y difundiendo el arte y la filosofía de Grecia por todo Europa. El resultado fue que muchos de los grandes científicos y artistas renacentistas, inspirados en los antiguos, rompieron con la ideología escolástica. Así como a partir del siglo IV a.C. hubieron varios pensadores griegos que comenzaron a revelarse contra su propia institución religiosa, en nombre de un pensamiento especulativo que se basaba especialmente en los conceptos de “naturaleza” y de “causa”, el Renacimiento retomó esta ideología atenta a la observación, trasladando este espíritu a todas las áreas del conocimiento. De esto surgió un arte renacentista que cuestionaba y que se consideraba a sí mismo científico.

El arte de Durero, profundamente renacentista, estaba interesado en la investigación y el análisis del mundo. Desarrolló sistemas para reproducir fielmente la perspectiva de los espacios y buscó formas de representar asertivamente los objetos y modelos, valiéndose de la matemática y la geometría. Durero, como artista, fue en un principio influenciado por el contacto con los procedimientos y técnicas de la ilustración germana, para ser profundamente marcado posteriormente por lo aprendido sobre pintura en sus viajes a Italia. De esta mezcla surgió un estilo de altísima precisión figurativa que Durero empleó con una ideología completamente renacentista.

En su búsqueda por hacer aún más preciso lo que representaba, Alberto Durero hizo por sí mismo estudios e investigaciones que iban más allá de lo que había aprendido de otros. La intención de este curso es analizar las técnicas y procedimientos de este artista: su aplicación, sus usos específicos y el cómo sacarles provecho en el arte del siglo XXI.

Objetivos generales del curso:

• Análisis geométrico y volumétrico.
• Altura visual y perspectivas.
• Medios fluidos y medios densos.
• Achurado y ritmos.
• El dibujo y la tridimensión.
• Elaboración de prácticas dibujísticas y pictóricas con los procedimientos técnicos de Alberto Durero.