La importancia de las técnicas de pintura
A principios del siglo XX, el uso de las técnicas de pintura fue muy criticado. Los pintores vanguardistas se fueron liberando de las técnicas, así como se deshacían de los rígidos lineamientos de la academia.
La realidad es que la academia europea del siglo XIX se había vuelto sumamente estrecha de miras. Debemos recordar que en este período las exigencias de un nuevo mercado burgués le habían impulsado a crear lineamientos específicos que pretendían ayudar a determinar qué arte era más valioso que otro en términos económicos. Sin embargo, lo único que puede decirse de estos primeros lineamientos es que eran ridículos y a la vez tan duros e incongruentes que impulsaron a muchos artistas a buscar nuevos caminos, nuevas formas de crear.
Como consecuencia esto trajo muchas nuevas manifestaciones artísticas. Además, trajo la pérdida y el rechazo de la herencia del pasado. Esta herencia es, precisamente, las técnicas de pintura y los procedimientos de los grandes maestros de la antigüedad. Estas, las técnicas de pintura que tardaron muchos siglos en desarrollarse y que fueron muchas veces tan transgresoras como en su momento lo serían las vanguardias.
El problema de la academia no era la técnica, sino la mentalidad cerrada que dirigía el uso de las mismas. Es decir, las técnicas de pintura en sí mismas no pueden limitarnos, puesto que no son más que herramientas. Aquí hablaremos un poco sobre la academia y respecto al valor que poseen las técnicas de pintura.
Shields, on the River Tyne. (1823). Joseph Mallord William Turner. Acuarela sobre papel. Tamaño 154 mm x 216 mm. National Gallery, London
La expresión y el lenguaje
Lo más significativo de la pintura y de todas las formas de arte es que detrás de ellas hay personas que piensan, sienten y que quieren servirse del arte para decir algo. La persona que pinta quiere manifestarse. Y hablar de su tiempo, de la sociedad, realizar críticas y expresar sus quejas. Busca expresar su vínculo con lo divino o exponer la miseria humana. Esto mismo ocurre cuando se escribe, cuando se toca música, se canta o se baila.
Hasta hace algunas pocas décadas no existían ni el derecho ni la obligación de que la gente fuera a la escuela. En México, no fue hasta 1952 que se volvió obligatorio asistir a la escuela, aprender a leer y a escribir. Por otro lado, otros países según su circunstancia social específica les permitió hacer este cambio décadas antes, o después. Algunas naciones se dieron cuenta desde principios de siglo que para las empresas era mejor que la gente supiera sumar, restar, multiplicar, escribir y leer. Sin embargo, el beneficio que conllevó el que la gente aprendiera a leer y escribir no sólo se limitó a facilitarle la labor a las empresas.
Al usar un lenguaje común, las personas adquieren la posibilidad de manifestarse y de acceder a lo que otros manifiestan por su cuenta. Si no se depende del lenguaje hablado y una vez que lo que es manifestado se vuelve palabra escrita, se agrega la posibilidad de viajar grandes distancias. Tanto geográficas, como temporales. Este lenguaje es el dado por las letras, aun cuando ya hay muchos lenguajes. Ejemplos de ello son, el lenguaje de símbolos o señas, el lenguaje corporal, el lenguaje de los animales, el lenguaje del instinto, entre otros.
Virgen y Niño con Canon van der Paele. (1434–1436). Jan Van Eyck. Temple y óleo sobre panel. Tamaño 122 cm x 157 cm. Museo Groeninge, Brujas, Bélgica
Muchos lenguajes
Hay quien hace de la expresión su razón de vida. Un buen ejemplo de ello somos nosotros los artistas. No solo plasmamos nuestras ideas, dialogamos con los demás e intentamos muchas veces que aquello que manifestamos no solo exprese algo nuestro. Sino que además pueda darle voz a otros, haciendo de vehículo a algo que ha sido llamado universal.
Entre los artistas hay quienes buscan, con esta finalidad, refinar su lenguaje. De manera que van encontrando en su proceso, formas de trabajo más precisas o abstractas. Logrando que su arte trascienda, no solo temporal y culturalmente, sino que también comunique cosas grandes o sutiles. Estas cosas son difíciles de transmitir literalmente. Por lo tanto suelen transmitirse entre lineas; allé es donde están las claves de lo que pretende transmitirse en el arte.
La última cena. (1495–1498). Leonardo da Vinci. Buon fresco terminado al seco. Tamaño: 4,6 m x 8,8 m. Santa Maria delle Grazie
El lenguaje de la pintura
La pintura es tan sólo un lenguaje entre tantos más. En ella se usan color, trazo, línea, forma, mancha y las características de los materiales en lugar de las palabras. Este es el lenguaje del artista que se identifica con las imágenes que pueden lograrse con la pintura. Hay quiénes consideran que lo que se quiere transmitir y expresar ya se encuentra dicho, en parte, dentro del propio material de la pintura.
Semejante tipo de creativos han existido por muchos siglos. De esta manera a lo largo de todos estos años, se ha acumulado una cantidad inmensa de información respecto a cómo han logrado manifestar sus ideas. Dejando como legado sus recursos, herramientas y descubrimientos. Dichos recursos son las técnicas de pintura y los procedimientos de la historia de la pintura.
Sandro Botticelli, Venus y Marte. (1485). Temple y óleo sobre tabla. Tamaño 69 cm × 173 cm. National Gallery, Londres, Reino Unido
La herencia técnica
Las técnicas de pintura deben su desarrollo a la búsqueda -e incluso la lucha- de algunos artistas del pasado por mejorar su obra, para lograr más y de mejor manera. No existiría el gran acervo de experimentos exitosos y fallidos si no fuera por el intento de algunos artistas por que sus obras atravesasen la línea del tiempo. Por la durabilidad de las técnicas de pintura, los medios que desarrollaron y el impacto de sus obras fuera tal que se grabara en las mentes de quienes las observaran.
Tras años de experimentación y desarrollo en su propio trabajo, algunos pintores se dieron cuenta de qué algunas de las técnicas de pintura de las que usaban eran más afortunadas que otras. Notaron cuáles duraban más tiempo, con cuáles se podía exaltar mejor la luz, con cuáles se podía exaltar mejor el color, cómo había que retratar las formas, exaltar las perspectivas, entre otras cosas.
Además, también notaron cuáles eran las combinaciones más afortunadas de materiales y heredaron las mismas a artistas posteriores. Sus medios, soportes y otros recursos técnicos, al ser comprendidos por los artistas crean un puente entre el espectador y el artista. De esta manera pueden plasmar sus ideas y emociones hasta los otros espectadores. Logrando que ellas impacten a todo aquel que las ve.
Autorretrato. (1658). Rembrandt. Óleo sobre lienzo. Tamaño 133.7 cm x 103.8 cm. Frick Collection
La adaptación de las técnicas de pintura
Durante la Edad Media, la iglesia controlaba las técnicas de pintura y determinaba cómo se debía pintar, incluso con qué medios y con cuáles no. A partir del Renacimiento temprano muchos artistas comenzaron a desarrollar técnicas para liberarse de esos lineamientos. Las técnicas resultantes fueron un esfuerzo conjunto de grandes artistas a lo largo de mucho tiempo.
Grandes artistas inventaron nuevas técnicas de pintura, las transformaron y las heredaron. Todo esto con la finalidad de mejorar su alfabeto: el lenguaje de la pintura. En aquella época, si bien había secretos de taller que no eran revelados, la rigidez técnica que alguna vez impusiera la iglesia no era la norma.
Es por ello que en el período comprendido desde el Renacimiento temprano, hasta el Barroco tardío, el desarrollo técnico logrado por mucho pintores implicó también el desarrollo de nuevas técnicas de pintura y no sólo el preservar y continuar la herencia legada por los artistas del pasado.
Grandes artistas de la talla de Rembrandt y Tiziano tomaron técnicas de pintura antiguas y las transformaron a su conveniencia. Así inspiraron y transmitieron a muchos otros información, que antes no habría sido posible transmitir. No sólo heredaron sus obras, sino también sus procesos. De manera que otros pudieran partir de sus métodos para crear los propios.
Autorretrato. (1500). Alberto Durero. Óleo sobre tabla. Tamaño 67 cm × 49 cm. Pinacoteca Antigua de Múnich.
El desarrollo de nuevas técnicas
Técnicas como aquellas desarrolladas por Rembrandt siguen maravillando a gran cantidad de pintores actuales. Sin embargo, solemos olvidar que lo que Rembrandt logró en su momento no fue el trabajo de un solo hombre. Ya que se trata del logro de muchos pintores, de varios siglos de información y del desarrollo técnico que el artista tuvo la posibilidad y deseo de retomar y mejorar.
Debido a las búsquedas por lo nuevo, en el siglo pasado muchos artistas de vanguardia asumieron las técnicas como imposiciones obsoletas. Así se satanizaron los sistemas antiguos de uso, en beneficio de encontrar un nuevo discurso en la plástica del momento. Es por ello que con el tiempo, se produjo una especie de nueva academia; una nueva forma de esclavitud en la que el artista debe obedecer un conjunto de reglas. Esto generó justo aquello de lo cual escapaban quienes en un principio abandonaron la técnica. La academia de las post vanguardias.
La ventaja del desarrollo de las técnicas fue que enfatizó el problema real. El enemigo nunca fueron las técnicas, sino la mentalidad rígida que tenían detrás. Las técnicas no tienen voluntad propia y no nos pueden obligar a trabajar de una forma u otra. Nadie puede hacerlo. Estas son herramientas que permiten cosas y que podemos transformar para adaptarlas a nuestras necesidades.
Es decir, en lugar de ser cadenas que nos atan al pasado, pueden ser alas para volar una vez son comprendidas. Es por ello que comprender las técnicas es lo que permite al pintor transformarlas y crear nuevas, encontrando aquellas óptimas para cada pintor.
Parsifal III. (1973). Anselm Kiefer. Óleo y sangre sobre papel sobre lienzo. Tamaño 3007 mm x 4345 mm. Tate.
El valor de las técnicas de pintura
Las técnicas de pintura antiguas siempre serán recetas que, bajo nuevos ojos y sentido de autodirección, mantendrán su carácter de técnicas de pintura personalizadas. No se tiene por qué pintar igual que aquellos del siglo XVI, XVII o XVIII, mas tampoco se tiene por qué rechazar hacerlo, si eso es lo que deseamos hacer.
Las recetas sólo son para usarse como vehículos y para construir sobre ellas formas nuevas de producir. Nos ayudan a llegar a la dirección que buscamos, haciendo que nuestra obra tenga una óptica específica. Son muchas que, combinadas con la libertad implícita en cada ser humano, se pueden utilizar tal como se quiera y para lograr lo que sea que se desee.
A aquellos que se atrevieron a investigar las técnicas de pintura y a transformarlas según sus necesidades, se les nota en sus obras. Es además interesante que ellos por lo general son los más grandes artistas de la historia. Aquellos que no sólo se quedaron con lo que les ofrecía y dictaba el presente, sino que tuvieron la capacidad de tomar del pasado y transformarlo en relación al futuro que tenían en sus mentes.
Uno. (1950). Jackson Pollock. Pintura al aceite. Tamaño: 2,7 m x 5,31 m. Museo de Arte Moderno de Nueva York
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