La composición all over de la pintura abstracta y los estilos relacionados con ella

Existen dos tipos de composición en el dibujo y la pintura. Una de ellas es conocida como composición relacional, que es la que más conocemos, y la otra es conocida como composición all over, que es menos conocida y es el tema principal de este texto.

Cuando componemos de forma relacional debemos determinar que elementos dentro de un plano tienen mayor importancia y cuales menos, o dicho de otra forma cuales ocupan un lugar privilegiado dentro de la imagen y cuales no. En esta forma de composición hay un personaje principal o área principal y personajes secundarios. Utilizamos la composición para determinar que puntos de nuestra imagen están en "foco" y cuales son los puntos de menor interés.

Cuando en la tradición clásica de la pintura europea se hablaba de composición se hacía referencia a la composición relacional. Solo que en aquella época no se llamaba de esa forma, se llamaba composición pictórica.

Esta herramienta que se valía del ajuste de las relaciones de los elementos artísticos respetando el borde del lienzo, fue ampliamente desarrollada desde la edad media y hasta los primeros movimientos modernos, como el cubismo y el arte abstracto.

Luego, a fines de la década de 1940, el expresionista abstracto Barnett Newman comenzó a hacer pinturas en las que grandes bloques de color corrían de arriba a abajo del lienzo (Campos de color). Este estilo fue radical en términos de composición debido a que los bloques de color simplemente salieron de los bordes superior e inferior del lienzo, que Newman dejó deliberadamente sin enmarcar.

Al mismo tiempo, el pintor expresionista abstracto estadounidense, Jackson Pollock, dió a conocer lo que llegó a llamarse composición all over, estilo compositivo en el que no había elementos principales ni secundarios. Examinaremos este estilo a continuación.

¿En qué consiste el estilo de composición All over?

All over (en inglés significa en todas partes), es una práctica surgida en la pintura alrededor de 1948, que consiste en distribuir más o menos uniformemente los elementos pictóricos en toda la superficie. La pintura inclusive parece extenderse más allá de los bordes.

Esta técnica fue inventada por Janet Sobel (1894-1968), una pintora estadounidense de origen ucraniano. Jackson Pollock vio su obra expuesta en 1944, en la galería Art of This Century, y se inspiró para crear su propia obra all over, en 1951. En su caso, utilizó palos y pintura industrial para extender la pintura por todas partes de manera uniforme con gestos amplios pero controlados. El resultado es una abstracción pura en el espacio pictórico.

Vía Láctea (1945). Janet Sobel. Esmalte sobre lienzo. 44 7/8 x 29 7/8 "(114 x 75.9 cm)

All over painting es una técnica en la que todo el lienzo o la superficie de la obra está cubierta de pintura de borde a borde y de esquina a esquina. En este tipo de pintura, cada porción de la obra de arte recibe la misma importancia y atención. Es diferente de las composiciones habituales que vemos. Es un estilo de pintura en el que no se considera la forma normal de tratar la composición. De esta manera, las obras quedaron liberadas de un centro de interés determinado, con múltiples puntos focales en el plano del cuadro y del dilema entre forma y fondo.

Imagen general

El término "imagen general" fue utilizado por primera vez por el crítico de arte Clement Greenberg en su ensayo de 1948 "La crisis de la imagen del caballete" para describir el surgimiento de composiciones "descentralizadas" como las enredadas capas de pintura goteada de Jackson Pollock. Los trabajos en esta categoría carecen de un punto focal dominante debido al tratamiento uniforme de toda la superficie.

Artistas contemporáneos como Mark Bradford y Dan Colen han modernizado esta técnica al cubrir cada centímetro de los medios de apoyo tradicionales con materiales poco ortodoxos, como los papeles desechables o el chicle mascado.

Ave del paraíso (2018). Mark Bradford.

Categorías relacionadas al estilo de composición all over painting

Expresionismo abstracto

En términos de movimientos, el expresionismo abstracto se asocia en particular a los pintores de la Escuela de Nueva York, como Willem De Kooning (1904-97), Jackson Pollock (1912-56), y Franz Kline (1910-1962). Otros pintores en el movimiento incluyeron a Robert Motherwell (1915-91) (famoso por su serie de Elegía a la República Española), y Mark Tobey (1890-1976) (estilo caligráfico).

El expresionismo abstracto es un un movimiento artístico de mediados del siglo XX que comprende diversos estilos y técnicas y que destaca especialmente la libertad de un artista para transmitir actitudes y emociones a través de medios no tradicionales y, por lo general, no representativos.

Sin titulo (1967). Mark Tobey. Técnica mixta sobre papel. 12.5 x 19 cm.

Pintura gestual

El término "pintura gestual", también conocido como "gestualismo", se utiliza para describir un método de pintura artística caracterizada por pinceladas enérgicas y expresivas que enfatizan deliberadamente el movimiento del brazo del pintor o el movimiento de la mano. En otras palabras, la pincelada en una pintura gestualista expresa las emociones y la personalidad del artista tal como los gestos de una persona reflejan sus sentimientos en la vida cotidiana.

El gestualismo también enfatiza el acto físico de pintar en sí mismo, llamando la atención sobre el "proceso de creación".

El término originalmente se usó para describir la pintura de los artistas expresionistas abstractos Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hofmann y otros (también conocidos como pintores de acción). La idea era que el artista actuara físicamente lo que buscaba transmitir, y que el espectador leyera algo de su emoción o estado de ánimo en las marcas de pintura resultantes. De Kooning escribió: "Yo pinto de esta manera porque puedo seguir poniendo más y más cosas en él (drama, enojo, dolor, amor)".

Una forma de vivir (2017). Willem de Kooning. Óleo sobre lienzo

Este enfoque de la pintura tiene sus orígenes en el expresionismo y el automatismo (especialmente la pintura de Joan Miró). En su Historia del Expresionismo abstracto, (1970) Irvine Sandler distinguió dos ramas del movimiento, “la pintura gestual” y la “pintura de campos de color”.

Orígenes e historia de la pintura gestual

Hasta mediados del siglo XIX, el mundo del arte estaba principalmente dominado por un estilo de pintura conocido como arte académico. Esta forma altamente pulida y estructurada de pintura al óleo fue promovida por las grandes Academias de Bellas Artes de Europa por su apariencia clásica y de gran frente, en la que no se veía ningún rastro del pincel del artista.

Desde aproximadamente 1850 en adelante, a medida que esta estética ultra-convencional comenzó a relajarse gradualmente, los pintores adquirieron mayor libertad para pintar como se sentían. Comenzaron a surgir nuevos temas (p. Ej., La vida cotidiana de la gente común, defendida por Barbizon y el realismo francés), así como nuevos estilos de pinceladas y texturas de impasto. Poco a poco, gracias a artistas como Turner y posteriormente los imprecionistas que la pintura fue volviendose menos preciosista y adquiriendo una fuerte carga "gestual".

Pintura de campo de color (c.1948-68)

El término "pintura de campo de color" se refiere a un estilo particular del expresionismo abstracto estadounidense, asociado con la Escuela de Nueva York de arte moderno. Iniciado por Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Mark Rothko (1903-70), este arte abstracto se caracterizó por grandes campos de color plano y sólido, que envolvían al espectador cuando se veía de cerca.

Evitó deliberadamente retratar formas destacándose contra un fondo. En su lugar, la forma, el fondo y el fondo son uno, y la imagen, vista como un campo, en lugar de una ventana, dibuja el ojo más allá de los bordes del lienzo. El estilo fue diseñado sobre todo para tener un impacto emocional en el espectador.

No. 61 (óxido y azul), (1953). Mark Rothko. 115 cm × 92 cm (45 pulgadas × 36 pulgadas). Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles

 “Action Painting” o pintura de acción

En su artículo innovador "The American Action Painters", publicado en diciembre de 1952, Harold Rosenberg (1906-78) definió un movimiento y un momento. Mientras exploraba las ideas más innovadoras de su mente, siguió adelante y acuñó el término "Pintura de acción" para describir un nuevo estilo de pintura floreciente durante esa época en Estados Unidos.

Él vio que esta obra no constituye una escuela, sino que representa el acto creativo en sí mismo como algo espontáneo, no premeditado, del artista. Simplemente para registrar el "gesto en el lienzo", escribió, "fue un gesto de liberación, desde el valor político, estético, moral". Para Rosenberg, los nuevos artistas utilizaron el lienzo como "un escenario en el que actuar" en lugar de un lugar para producir un objeto. "Lo que estaba en el lienzo", escribió, "no fue una imagen sino un evento".

Rosenberg también vio el acto de pintar como inseparable de la biografía del artista. Como tal, la pintura rompe los límites entre el arte y la vida, haciendo que todo, incluidos los eventos en la vida del artista, caigan en la obra. El artista no está interesado en el arte per se; de hecho, utiliza el acto de pintar para alejarse del arte.

Es a través de la psicología, "la psicología de la creación", no el material personal que leemos, que el arte vuelve a la pintura. En este tipo de drama, con el pintor como actor actuando en un "escenario de cuatro lados", el público está centrado en la acción: "creación, duración y dirección".

Jackson Pollock "Actionpainting"

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un movimiento que surge después del expresionismo abstracto, y que por extraño que parseca tiene un profundo vinculo con la composición all over.

Si bien el expresionismo abstracto, que dió origen All over composition, se trata de abstracción y el hiperrealismo tiene que ver con figuración, estos dos generos no son en todo opuestos como podría parecer.

De hecho la forma de componer del All over composition, se usa mucho en el hiperrealismo. Esto es porque en la pintura hiperrealista el nivel de detalle es tan alto en todos los elementos que componen el cuadro san actores principales, todo sobre el plano esta enfocado y todo aparece detallado.

El producto finalizado tanto del hiperrealismo como de la composición all over a menudo cuestiona nuestras percepciones de la realidad, explorando los límites de la visión humana.

Frank, 1969. Chuck Close. Acrílico sobre lienzo

Artistas que han desarrollado el estilo de composición all over painting

Jackson Pollock, John M. Miller, Alma Thomas, Park Seo-bo, John Seery, Gloria Petyarre, Richmond Burton, Taro Yamamoto, David Davidovich Burliuk, David Mackenzie

Jackson Pollock

Es una de las principales figuras del expresionismo abstracto, dirección que se creó en los años 40 y 50 del siglo XX en los Estados Unidos. El expresionismo abstracto emocional evolucionó como una oposición al expresionismo geométrico racional y frío, la conexión de la ausencia de objetivos, las marcas y las formas simples (abstraccionismo) con la emocionalidad y el subconsciente (expresionismo).

Jackson Pollock, como el maestro de su género, rompió por completo con la imagen tradicional del pintor y su obra. Pollock no utilizó las herramientas de pintura estándar: pinceles, espátulas, caballetes. Puso la lona en el suelo. Como dijo: "trabajar en el suelo es más cómodo. Me siento más cerca de la imagen, pertenezco a ella, porque puedo caminar alrededor de ella, trabajar con todos los lados de la imagen y estar literalmente en la imagen".

Autumn Rhythm (1950). Jackson Pollock. Esmalte sobre lienzo. 105 x 207 pulg. (266.7 x 525.8 cm)

Estilo y técnica

Pollock deriva su inspiración del arte y la mitología de la India. Estaba interesado en los símbolos de la vida, el sexo y la muerte, descritos por Freud y Jung. Típico de Pollock (así como de todos los demás representantes del expresionismo abstracto) fue la técnica de la caída libre, el goteo de pintura sobre un lienzo colocado horizontalmente o salpicaduras de pintura con un pincel.

Pollock también utilizó la técnica de la "pintura de acción". Se suponía que la pintura de gestos daba al pintor una completa libertad creativa, para permitir transferir la "naturaleza" latente oculta en el ser humano al lienzo. Pollock utiliza también pintura en latas. Hizo un agujero en el recipiente y vertió el contenido en el suelo. Luego difuminó la pintura con los dedos, palos, etc.

Pollock revolucionó no solo la técnica sino también la composición de la pintura. En sus pinturas no solo hay líneas rectas y rastros de geometría, sino que también falta el centro de gravedad (un punto focal de la composición). La pintura fluye libremente y salpica por todo el plano de la pintura, sin crear una división clara en el espacio.

Taro Yamamoto

Taro Yamamoto fue parte del movimiento expresionista abstracto en la ciudad de Nueva York durante los años cincuenta. Nació en Hollywood, California en 1919, pero fue enviado a Japón a la edad de ocho años para recibir una educación tradicional japonesa. Se graduó con una licenciatura en bellas artes en pintura japonesa de la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto, Kyoto, Japón.

Fue invitado a participar en la exposición "KamisakkaSekka: Dawn of Modern Japanese Design" en la Galería de Arte de NSW en 2012 y tuvo una exposición individual en Art Atrium en el mismo año. También fue nominado en el 5º Premio Gran Premio Kaii Higashiyama Nikkei en Pintura Japonesa y exhibido en el Museo Real de Ueno en Tokio. Taro Yamamoto recibió numerosos premios, entre ellos el Premio VOCA, el Premio de Arte Philip Morris y el 4º Premio de Arte Shell.

Taro Yamamoto (1919-1994). Untitled, 1964. Oil on canvas, 40 x 50 inches. Signed and dated lower right.

John M. Miller

A principios de la década de 1970, John M. Miller, un artista retirado, se redujo a su esencia, que, para él, tomó la forma de barras angulosas y de colores. Él ha estado pintando estas barras en tonos de blanco, negro, azul, púrpura, rojo, amarillo y verde en lienzos sin imprimación, durante más de 40 años.

Meticuloso y meditativo, sus composiciones han sido categorizadas diversamente como Op Art y Geometric Abstraction, y comparadas con las obras de Agnes Martin y Brice Marden. Los trabajos de Miller requieren y recompensan la atención lenta de los espectadores, que permite que el ojo perciba una sensación de movimiento rítmico en la interacción de las barras, y que la mente se abra a sus diversas asociaciones: tejer, coser o un jardín Zen de piedra recién rastrillado.

Sin título (95-1) [Azul / Naranja]. John M. Miller

Alma Woodsey Thomas

Alma Woodsey Thomas fue una pintora estadounidense conocida por sus composiciones coloridas y abstractas. Ha publicado referencias históricas históricas, fenómenos naturales y estética personal a través de composiciones simples de forma circular y lineal.

El legado de Thomas se define por la aclamación crítica y los logros, incluida una Exposición individual en el Whitney Museum of American Art. Su trabajo fue particularmente exhibido en la Casa Blanca durante el mandato de la administración Obama. "El arte creativo es para todos los tiempos y, por lo tanto, es independiente del tiempo", dijo una vez la artista:

"Es de todas las edades, de todas las tierras, y si con eso nos referimos al espíritu creativo en el que una imagen es común a todo el mundo, independientemente de la edad, raza y nacionalidad; la declaración puede quedar sin oposición.

White Daisies Rhapsody (1973). Alma Thomas. Acrílico sobre lienzo. Fuente: Smithsonian American Art Museum

David Mackenzie

David Mackenzie considera que su trabajo es parte de la tradición no objetiva de la pintura y toca las nociones de arquitectura deconstructiva, historia modernista, geometría y perspectiva. Sus superficies cuidadosamente consideradas y formuladas son parte de su proceso.

Su trabajo ha sido incluido en la Bienal de Whitney y se ha mostrado en Italia, Francia, Alemania y Rusia. Ha recibido subvenciones de la Fundación Pollack-Krasner y la Fundación Nacional para las Artes. Ha trabajado en la Colección Phillips, el Museo Metropolitano de Arte Americano, Arte en Embajadas, Departamento de Estado de los Estados Unidos, Museo de Arte de Oakland, Fundación René Di Rosa, entre otros.

Acrílico sobre lienzos de ingeniería. David Mackenzie. 24”x 32”

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