Cursos de Invierno 2015

Fueron profundos observadores del comportamiento e interacción entre la luz, las densidades de los materiales y sus texturas, haciendo énfasis en la penetración de luz en los objetos. La forma en que los grandes maestros trabajaron el dibujo se basó en el estudio de objetos y elementos estáticos sobre los cuales inciden diferentes grados de intensidad lumínica.Utilizaron recursos de perspectiva para obtener distintos planos de color y claroscuro. En cuanto al uso de materiales, acentuaron la perspectiva y tridimensión adicionando diferentes cargas (saturaciones matéricas). Esto les permitió representar elementos y efectos, que con el uso exclusivo del contorno hubiesen sido imposibles de plasmar.

Para sus propósitos dibujisticos utilizaron principalmente superficies como pergamino, vitela, tablas y tafelets, pues el papel no era un recurso fácil de obtener en Europa. Esto los obligó a innovar en el uso de materiales, abriendo la puerta a la invención de múltiples técnicas, como tintas, bistres, tinta de carbón, tizas, gouache, acuarela, pasteles, caseínas, jabón de cera, distintos tipos de carboncillos y técnicas mixtas. etc.

A partir de las técnicas inventadas por los artistas y su experimentación, surgió el entendimiento de la perspectiva mediante saturaciones matéricas, y la sensación de presencia, volumen, cercanía y distancia que producen los distintos medios por sus diferencias corpóreas. Estas características pueden ser aprovechadas por el artista para acentuar la espacialidad y el volumen utilizando medios delgados, intermedios y gruesos para resaltar de forma dramática la tridimensionalidad.

Objetivos generales del curso:

• Analizaremos cómo construir los diferentes planos utilizando el claroscuro.
• Analizaremos cómo valorar las diferentes texturas, los objetos y elementos compositivos en dibujo.
• Analizaremos la perspectiva por planos de color y claroscuros.
• Analizaremos la perspectiva por cargas y saturaciones matéricas.
• Demostraremos los procedimientos técnicos usados por los grandes maestros y su aplicación mediante distintos materiales, tales como tintas, bistres, tizas, caseína, entre otros.
• Se realizará una obra utilizando los procedimientos analizados en el curso.

Los pliegues del rostro nos hablan del pasado de una persona, de las emociones que habita. Son el mapa de lo que ha transitado en su vida. Este es uno de los aspectos importantes a considerar a la hora de hacer un retrato. Asimismo, el artista tiene la capacidad de producir alteraciones en los rasgos, por distintas razones que no siempre tienen que ver siquiera con las características propias del modelo representado. Un ejemplo de esto son los retratos de los reyes italianos del s. XV, quienes fueron idealizados por sus retratistas de tal manera que sus rostros se acercaran a los cánones de belleza de la Grecia antigua.

Podemos encontrar otro claro ejemplo en la obra de Picasso, quien hizo algunos de los rostros de sus modelos a semejanza de máscaras africanas. Modigliani también figura como ejemplo, ya que alargó los cuellos y rostro de sus retratados a la manera de las pinturas del Fayum y les quitó el brillo de los ojos, insinuando con sutileza lo que pensaba del hombre moderno: que estaba muerto por dentro.

La distorsión de los rasgos puede ser utilizada para idealizar de forma estética un rostro, para enfatizar algunas de las características del retratado y develar su alma, o para transmitir nuevas ideas, formas de ver y pensar, como lo hicieron Picasso, Modigliani y muchos otros.

Para esto hay que estudiar rasgos como los de los ojos, que nos permiten acentuar emociones de enojo, tristeza, duda, entre otras muchas de orden más sutil. El rictus de la boca, las tonalidades de la piel, sus pliegues, arrugas, ojeras y marcas de edad o de la carencia de las mismas indicando juventud, la representación de dientes, pelo y ojos de forma viva, los tonos de los labios, aspectos del cuerpo e incluso joyería y prendas. Aprovechando los distintos rasgos para captar el parecido, reforzarlo, ignorarlo, simplificar, transformar y distorsionar. Todo según las necesidades propias del artista.

Objetivos del curso:

• Analizaremos diferentes estilos de composición para la representación de un retrato a la manera de varios artistas.
• Analizaremos la representación a capas de la piel y los efectos que producen distintos tipos de iluminación sobre la piel.
• Estudiaremos cómo pintar dientes, pelo, ojos y tatuajes.
• Cada participante elaborará un cuadro donde se ponga en práctica lo visto durante el curso usando técnica mixta de óleo.

En los cuadros de Velázquez encontramos diversos planos pictóricos así como discursivos. En algunas de sus pinturas —como Las Meninas o Las Hilanderas— hay varias escenas ocurriendo al mismo tiempo dentro de un mismo lienzo. Estas escenas fueron resueltas con pinceladas atrevidas de distintas densidades con las que consiguió exaltar la corporeidad de cada uno de los elementos y planos del cuadro. Su particular manera de pintar le permitía hacer una magistral representación del espacio, y es de este elemento del que se valió para producir sus más grandes obras.

Uno de los factores que permitieron a Velázquez lograr sus grandes cuadros fue su vasto conocimiento y dominio del material. Su técnica está resuelta en óleo secante (aceite negro) como vehículo de los colores, impastos (pútrido) para modelar las formas y figuras, y veladuras para ajustar los colores (valoración tonal). Después de entender la materia y la espacialidad, Velázquez se interesó por pintar imágenes en las que se pudieran utilizar estos conocimientos. Hizo composiciones dobles, introdujo “cuadros dentro del cuadro” y adecuó su técnica y estilo para explotar este recurso. Para enfatizar colocó espejos en sus composiciones, habitaciones dobles, puertas abiertas y otros elementos. Con ello creo narrativas pictóricas que prevalecen hasta el día de hoy como precedentes históricos, transformando la forma de pintar para la posteridad.  

Contrastando el uso de las capas de pintura con áreas de luz diurna y oscuridad, Velázquez acentuó aún más las escenas y los personajes de sus cuadros, y pese al énfasis hecho mediante el color en sus personajes, mantuvo siempre trazos espontáneos y rostros desdibujados, mismos que inspirarían algunos siglos después las libres pinceladas de los impresionistas.

Objetivos generales del curso:

• Realizar un cuadro por alumno con los procedimientos técnicos del maestro Diego de Velázquez.

Asociando:

• Los materiales.
• Las capas de pintura.
• Los procesos de aplicación y su composición con los distintos planos de profundidad

Algunos textos sugieren que Vermeer utilizó la cámara obscura para hacer valoraciones en sus cuadros, lo cual le hubiese permitido enfocar y reproducir las vistas del exterior para analizarlas y recrear sus formas con precisión. Unido esto a su uso del diseño y empleo de la geometría como elemento compositivo fundamental, pudo acentuar la sensación de espacialidad generada en sus cuadros, con planos de colores graduados en distintas tonalidades y agrisamientos, que por último, enfatizaba con brochazos de distintas densidades.

Otro elementos clave de la pintura de Vermeer es que no reproduce la luz tal cual es en sus cuadros, sino que valiéndose de lo que percibía a través de la cámara obscura, la idealizaba, transformándola mediante la exaltación. La luz es el elemento central de sus cuadros. Los principios de composición que utilizó evitaban los elementos superficiales, dando poca atención a lo anecdótico y narrativo para así destacar la luz, el color y la atmósfera. Vermeer fue el primer pintor que redujo la importancia a las historias retratadas, para centrar la atención en el aspecto visual.

En su búsqueda de exaltar la luz, dio preferencia a las disposiciones equilibradas dentro de la superficie pictórica y redujo estructuras complejas a pocos elementos. Utilizó contrastes fuertes entre espacios de alta luz y sombra, producidos con capas superpuestas de colores simultáneos y complementarios que generan grises ópticos. Aplicó la pintura pastosamente a manera de manchones y puntos, capturando con ello gran parte del espectro del color en cada uno de sus cuadros, produciendo una sinfonía cromática.

Objetivos del curso:

• Estudiaremos los efectos de la cámara obscura sobre la visión.
• Analizaremos la perspectiva lineal y la perspectiva por color utilizada por Vermeer.
• Analizaremos sus medios y saturaciones del color.
• Analizaremos la sobreposición de capas a la manera de Vermeer.
• Se elaborará un cuadro por asistente poniendo en práctica los procedimientos técnicos de Vermeer vistos durante el curso.

Las escenas nocturnas de la obra de Goya muestran poca o casi nula iluminación, generando sensaciones de enigma, espacios irreales logrados por medio de gamas de color con contrastes controlados que producen diversos tipos de interpretaciones: fieles, aproximadas y dudosas, detonando misterio, ilusión, magia, sueño y desmaterialización. Estas escenas fueron algunas de los principales precursores de la abstracción y en particular del expresionismo abstracto.

El uso de paletas controladas de colores aseguran un manejo asertivo de las atmósferas de oscuridad y penumbra. Las densidades y los medios son a su vez las herramientas para que el artista consiga detonar más emociones en su obra y vaya más allá de la representación bidimensional y narrativa de los elementos y cuerpos, enriqueciendo las posibilidades de interpretación.

Objetivos generales:

• Analizaremos la teoría del color para dominar las escalas cromáticas que mejor representan los horarios nocturnos.
• Analizaremos densidades de medios para producir diversos efectos visuales.
• Analizaremos densidades y saturación de colores para lograr efectos difusos, semidifusos, transparentes, translúcidos y precisos en atmósferas nocturnas.
• Estudiaremos las penumbras exteriores e interiores.
• Analizaremos el comportamiento de brillos y reflejos de baja intensidad.
• Cada asistente elaborará un cuadro durante el taller para poner en práctica los conocimientos vistos durante el curso.