Pigmentos y Materias Primas para Pintores y Restauradores.

Fotos: Cursos de Invierno 2014

junio 11, 2015

Cursos de Verano 2015

junio 11, 2015

Curso "El color y la atmosfera"

Curso Fecha Horario Precio
1 Los Secretos Técnicos de los Impresionistas Lunes 13 al Jueves 16 de Julio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Para los artistas del periodo impresionista, los elementos dominantes de una composición debían ser reforzados por el encuentro de la forma y la luz.Con sobreposición de capas de distintas densidades, acompasadas de un ritmo y trazo expresivo durante la ejecución, buscaban la retención de la sensación que el paisaje y la luz de un horario específico del día les producía, e intentaban pintarlo antes de que la atmósfera cambiara.

Los impresionistas intentaban hacer algo similar a lo que hoy en día logran las fotografías instantáneas, pero utilizando pintura, la cual en contraste, les permitía no sólo representar aquello que observaban sino también el estado emocional que en ellos generaba.

Los impresionistas se salieron del taller para pintar directamente en el campo y dado que lo que les interesaba captar no era la forma precisa del paisaje sino la unión de éste con la atmósfera y la luz, sus pinceladas fueron libres, imprecisas y texturadas a diferencia de las de la pintura académica de la época.

Los impresionistas trabajaron en técnica al óleo y usaron métodos para acelerar el secado de las capas fluidas de pintura y con ello ganar velocidad en su proceso de trabajo. Utilizaron distintos carbonatos para generar impastos secantes y refractantes. Fue mediante estos impastos secos como lograron brochazos toscos, de apariencia espontánea, a la manera de artistas que admiraban, como Goya y Diego de Velázquez.

Utilizaron la yuxtaposición como método de trabajo, técnica que implica la superposición de capas de pintura de densidades distintas y controladas desde la paleta, que producen resultados óptimos.

Emularon mediante movimientos del pincel la agitación de las hojas y la geometría propia de los elementos que representaban, huyendo de la mímesis estrictamente figurativa, produciendo una síntesis inspirada en el arte oriental usando la línea como elemento para sugerir la geometría y la forma sin representar los objetos en su totalidad.

Objetivos:

  • Analizaremos la teoría del color con relación a la luz a la manera de los impresionistas.
  • Profundizaremos sobre los materiales utilizados por los impresionistas: barnicetas, cargas, distintas densidades de oleos, entre otros.
  • Haremos especial énfasis en cómo modular el calibre (o grosor) de los impastos.
  • Prestaremos atención en cómo representar objetos mediante trazos sintéticos, haciendo énfasis sólo en los elementos esenciales de la forma con métodos de divisionismo.
  • Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de los impresionistas donde aplicará lo visto en el curso.
2 La Técnica Pictórica de Vincent Van Gogh Lunes 13 al Jueves 16 de Julio de 2015 De 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
La ambición expresiva de Vincent Van Gogh era tan poderosa que los métodos de pintura de su tiempo no la podían contener, de forma que los modifico y adapto a su voluntad.El arte de Van Gogh a diferencia del de los demás post-impresionistas, cuestionó radicalmente la cultura de la que surgió y trascendió el tradicional sistema de valores morales y estéticos.

Van Gogh buscaba en “el corazón de la gente” sus motivos, al igual que su ídolo Jean Francois Millet en quien inspiró no solo su temática, sino su forma de usar el color y exaltar las fuerzas de la naturaleza, en particular la luz. Con él compartió varias temáticas, entre ellas, la de personas dentro de atmósferas místicas, glorificando y elevando desde la imagen más humilde hasta la magnificencia que sólo la luz y el cielo poseen, enfatizando lo trascendente de la vida en lo más modesto del mundo.

El objetivo de la obra de Van Gogh no fue el virtuosismo, sino la comunicación de la emoción subjetiva. Aun así fue un gran técnico, a diferencia de lo que se piensa habitualmente cuando se dice que sólo usaba la pintura “directa del tubo”.

“Sondeemos los misterios de la técnica tan profundamente” —escribió Van Gogh a Van Rappard— “que la gente se agolpe alrededor de los cuadros y jure por los cielos que no tenemos técnica alguna.”

Van Gogh utilizó su línea como un elemento para producir volumen, movimiento, dirección y profundidad, fundiéndola de esta forma con su uso del color y el material. Adelgazó las capas profundas de sus cuadros agrisándolas. Usó veladuras, produjo saturaciones, brochazos espesos e impastos que acompasaba con ritmos y juegos dibujísticos para emular las formas de la naturaleza y producir sensaciones de elementos diversos.

Estudió el color a partir de fijarse en la exaltación luminosa y llegó a comprenderlo de forma precisa, lo cual le permitió llevarlo más allá de sus posibilidades naturales, utilizando altos contrastes cromáticos, además del contraste por claroscuro.

La pintura y técnica de Van Gogh fueron el punto de partida de la nueva pintura europea: “Cuando ya nadie sabía cómo continuar” —dijo Pablo Picasso— “él encontró un amplio camino para el futuro. Éste futuro es la actualidad”.

Objetivos:

  • Partiendo de la teoría del color analizaremos la interacción de los colores para        producir paletas con contrastes exaltados a la manera de Van Gogh.
  • Estudiaremos el uso de distintas densidades de óleo en la obra de Van Gogh.
  • Analizaremos la interacción de la luz y refracción del cielo sobre los objetos y elementos en la tierra.
  • Descifraremos los ritmos y patrones de movimiento de las pinceladas características de Van Gogh.
  • Estudiaremos la técnica de dibujo de alto contraste de Van Gogh.
  • Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de Vincent Van Gogh donde aplicará lo visto en el curso
3 Las Técnicas de los Pintores Fauvistas Viernes 17 y Sábado 18 de Julio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Fauve significa primitivo u hombre salvaje. Los pintores Fauvistas fueron nombrados así por su uso de colores ”no domesticados”, puros y brillantes.El impresionismo abrió la puerta a la exaltación del color y la forma, Van Gogh llevo ambos elementos más allá de los límites de lo natural, creando una nueva realidad en sus cuadros. Fueron los impresionistas y particularmente Van Gogh la influencia principal de los Fauvistas; retomaron sus manchas, trazos, pinceladas imprecisas y efectos de luz, pero llevaron el uso del color exaltado mucho más allá que sus antecesores.

Los Fauvistas sentían que ya no se podía representar la luz ni la luminosidad de la naturaleza a través del naturalismo, ni mediante las formas del impresionismo. Creían que éstos no podían representar el sentir del hombre moderno, la vida después de la revolución industrial y sobre todo después la primera guerra mundial. Su arte tenía que ver más con expresar el sentir humano que con representar fielmente a la naturaleza. Sin embargo, aunque su interés era alejarse de la mímesis figurativa, estudiaron (al igual que los impresionistas) fielmente la naturaleza: “hay que establecer una correspondencia con la luz del sol por medio de una orquestación rica y policroma, a través de traducciones apasionadas que siempre deben comenzar con la experiencia de la naturaleza, y cuyos resultados y teorías surgen de una búsqueda entusiasta”. Así describía Othon Friesz, uno de los máximos exponentes de la pintura Fauvista, la esencia de esta corriente artística.

Los pintores Fauvistas utilizaron sensaciones de color puro sobre el lienzo a manera de impasto, produjeron intensos efectos lumínicos por medio de veladuras sobre cargas y saturaciones que hicieran ver a los pigmentos mucho más brillantes. Escogieron su paleta de colores basados en su estudio de la luz, la cual comprendieron y abstrajeron para crear pinturas capaces de expresar su sentir, valiéndose de su confianza en lo elemental; la radical simplificación del espectro cromático y la forma.

Usaron las leyes del color para hacer algo que la naturaleza misma no es capaz de lograr, analizándola para separarse de ella y así expresar y ahondar en el sentido del alma humana.

Objetivos:

  • Partiendo de la teoría del color analizaremos cómo interactúan los colores, para así elegir paletas exaltadas y conseguir estridencia cromática a la manera de los Fauvistas.
  • Analizaremos diferentes procedimientos técnicos como medios, soportes y colores que benefician este procedimiento plastico.
  • Estudiaremos procesos para exaltar el color, de artistas como Kees van Dongen y Henri Matisse, entre otros.
  • Cada alumno ejecutará un trabajo con los procesos técnicos de los Fauvistas donde aplicará lo visto en el curso.
4 El Color y la Piel, de Rembrandt a Lucian Freud Lunes 20 al Jueves 23 de Julio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
La piel humana, para ser representada con presencia y calidad figurativa depende de un procedimiento que utiliza capas sucesivas de distintos grosores de pintura, estas capas que simulan la sensación de piel en conjunto con la atmósfera provocan y sugieren situaciones psicológicas determinadas, que exhortan al diálogo entre la obra y el espectador. Este juego técnico permite al pintor comunicar con claridad su visión.La piel humana siempre nos conmueve porque proviene de otra persona. Una piel viva habla sola, aunque sólo podamos ver un dedo. Y si distinguimos un brazo, una mano, u otra parte del cuerpo se disparan nuestras emociones. La piel nos transmite sentimientos, sensaciones y a partir de ella podemos inferir diversas características de las personas, ya que somos capaces de distinguir en ella una amplia cantidad de peculiaridades visuales.

Existen pieles jóvenes, envejecidas, de distintas razas, texturas y colores que para ser pintadas requieren diferentes tonalidades. Sin embargo, todas las pieles humanas se componen por las mismas capas de tejido, que al ser representadas en pintura con diferentes grados de transparencia, nos ofrecen una extraordinaria calidad visual.

Representar la piel humana depende del análisis por separado de las capas que la componen, y la comprensión de éstas es lo que hace a un retrato o desnudo parecer de piel viva, y no asemejarse solamente a un muñeco pintado o una fotografía.

Grandes pintores de distintas épocas han logrado representar la piel en su estado vivo, entre ellos destacamos para este curso a Rembrandt y Lucian Freud. Es gracias al estudio de las obras de los grandes pintores, su color, sus materiales y la forma en que los aplicaron, que podemos hoy en día hacer uso de sus conocimientos para enriquecer nuestra técnica y pintar la piel de forma tal que genere la ilusión de estar viva y ser tridimensional.

Objetivos:

  • Analizaremos las capas sucesivas de pintura, así como sus distintas veladuras, impastos, cargas y transparencias para representar la piel humana. Utilizaremos secretos técnicos de los grandes maestros que nos permitirán plasmar la piel con seguridad y precisión.
  • Entenderemos cómo representar a capas la piel humana controlando los grosores de pintura sucesivos.
  • Las primeras capas, llamadas mano prima (magras).
  • Las capas gruesas, al grosso modo (grasas).
  • Veladuras entre capas, de fina transparencia con las que se obtienen grises ópticos, con el que se consolidan las sensaciones de tridimensionalidad.
  • Analizaremos individualmente cómo representar figurativamente el cabello, vello, dientes, ojos y otros detalles.
  • Reflejos, brillos y acentos de luz.
  • Los barnices finales y sus funciones protectoras.
  • Pondremos en práctica la metodología mediante la elaboración de un cuadro.
5 El Retrato en Técnica al Encausto Lunes 20 al Jueves 23 de Julio de 2015 De 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Algunas de las primeras pinturas de retratos figurativos datan hacia principios de la era Cristiana, hace más de 2000 años, en Egipto y Grecia. Estas pinturas, llamados “Retratos del Fayum”, han fascinado a grandes artistas como Da Vinci y el Greco, entre otros, por su impresionante presencia.Los retratos del Fayum fueron pintados con encausto de forma completamente figurativa, lo cual es desconcertante debido a que la pintura figurativa Europea tardó aproximadamente 400 años tras la edad media en retomarse. No obstante, los artistas del Fayum ya pintaban de forma figurativa 1500 años antes, lo cual nos hace preguntarnos cuántos siglos de tradición pictórica les antecedían para poder pintar con tal destreza.

Otra de las grandes incógnitas de su forma de pintar es la técnica que utilizaron, el encausto, la cual estuvo perdida durante varios siglos. Muchos pintores, entre ellos Leonardo da Vinci, intentaron retomarla sin éxito. Fue hasta principios del siglo XX que Diego Rivera la redescubrió y reinstauró.

El encausto es una pintura translúcida de hermosa apariencia que puede ser controlada con precisión. Es una técnica que tiene una apariencia impresionante, y como nos muestran los artistas del Fayum, especialmente magnífica para el retrato. Por si fuera poco, puede durar miles de años, dado que por sus componentes, con el paso del tiempo se vuelve tan sólida como la piedra.

Para utilizar exitosamente esta técnica es indispensable conocer cómo preparar soportes especiales, controlar la transparencia del material, utilizar cargas, y saber qué función tienen las resinas.

El encausto es una pintura imperecedera, de presencia laqueada que no se altera y que permite abundantes juegos plásticos. Es altamente flexible en cuanto a aplicación de materiales en diferentes grosores, desde los ínfimamente delgados hasta los muy gruesos. Es un material que por sus características, queda completamente anclado a la imprimatura desde las primeras manos, volviéndose con el tiempo una unidad con ella. Es capaz de generar textura y se le puede incrustar oro, y otros elementos, utilizarle con sílice y vidriar su superficie provocando una apariencia refractante. Puede ser trabajado en caliente o en frío y producir desde la figuración más precisa hasta la abstracción más espontánea.

Objetivos:

  • Analizaremos los materiales, imprimaturas y medios en sus distintas durezas.
  • Estudiaremos cómo aplicar las capas de pintura en técnicas de encausto para lograr óptima pintura de retrato.
  • Estudiaremos cómo producir representaciones precisa en encausto, sin que éstas sufran modificaciones con el calor.
  • Analizaremos el uso de metales en polvo, laminados de oro y otros metales, sus métodos de aplicación y su comportamiento e interacción con otros materiales.
  • Estudiaremos el uso del vidriado en el encausto.
  • Cada alumno ejecutará una obra con los procesos técnicos de la pintura de retrato en técnica de encausto donde aplicará lo visto en el curso.
6 Las Técnicas Diversas en la Pintura Abstracta Viernes 24 y Sábado 25 de Julio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
La pintura abstracta se ha vuelto una de las formas de expresión creativa más comunes.Su naturaleza permite narrativas y formas de libre interpretación, facilitando su afinidad con observadores de distintas culturas, edades y formas de pensamiento.Nacida oficialmente en 1910 y vigente hasta nuestros días, la pintura abstracta posee una enorme gama de recursos expresivos. Los seres humanos imaginamos desde lo que reconocemos y damos formas a partir de las semejanzas. Utilizando nuestras experiencias como punto de partida, generamos nuevos mundos tan distantes o cercanos al nuestro como nos plazca. Éste es el origen de la abstracción pictórica.

La pintura abstracta parte de nuestro sentir y percibir, de adentrarnos en lo profundo de nuestro ser y nuestro entorno.

Es mediante el color, aceites, barnicetas, barnices, acrílicos, cargas y otros materiales, que el pintor es capaz de expresar y plasmar su subjetividad abstracta. Si bien la pintura abstracta se separa del mundo en sus formas, los elementos a través de los cuales existe funcionan con reglas técnicas, y es el conocimiento de las cualidades de los materiales lo que le da a los artistas la capacidad de expresar sin límites su visión.

La luz tiene la capacidad de atravesar las capas de pintura y es éste el factor que permite al artista generar sensaciones e ilusiones que pueden ser percibidas por el ojo humano. Los diversos manejos técnicos producen efectos distintos en la retina, detonando de esta manera, lecturas y asociaciones diversas en cada observador.

En este curso estudiaremos cómo controlar dichos efectos en la retina a través del uso del material. Utilizaremos diferentes medios, saturaciones, impastos, evanescencias, transparencias, veladuras opacas, translucidas, delgadas, gruesas, diferentes moliendas de pigmentos, cargas, texturas, colores, trazos y efectos que produzcan distintas evocaciones, para así conseguir una aproximación precisa a los intereses de cada pintor, ofreciéndole opciones virtualmente inagotables.

Objetivos:

  • Analizaremos variaciones en técnicas de dibujo, tinta, acuarela, gouache, temple, óleo, técnicas mixtas, a la cera, encáustica y acrílico.
  • Los efectos, manchas y contrastes visuales que producen medios de densidades distintas, y sus posibilidades de expresión abstracta.
  • Analizaremos las diferencias y usos de capas transparentes, semi-transparentes, opacas y cubrientes y sus posibilidades en yuxtaposición.
  • Estudiaremos la interacción de colores con efectos lumínicos, de contraste sutil, medio y alto.
  • Pondremos en práctica lo visto en el curso elaborando varios cuadros de formatos pequeños, experimentando con las posibilidades de diversas técnicas.
7 La Pintura Hiperrealista Lunes 27 al Jueves 30 de Julio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
El hiperrealismo consiste en representar elementos con extrema precisión figurativa, de tal forma que parezcan reales. Las pinturas hiperrealistas a primera vista parecen fotografías, sin embargo, lograr este tipo de resultados va más allá de meramente copiar una fotografía.El hiperrealismo como movimiento artístico nació durante los años 60, justo después del gran boom del expresionismo abstracto. El arte minimalista y el pop fueron algunas de sus influencias y detonadores.

El mayor problema técnico que presentó el pintor hiperrealista fue respecto a cómo representar convincentemente los diferentes materiales de la naturaleza. ¿Cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo? ¿Cómo plasmar el color exacto y representar de la textura de los objetos? y ¿Cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?

Para responder estas y otras preguntas, revisaremos en este curso la teoría del color en relación al hiperrealismo y analizaremos cómo representar materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, texturados, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos y cómo es que éstos se manifiestan ante la luz, y por lo tanto como representarlos de forma asertiva.

Objetivos:

Usaremos la técnica al óleo, la cual ha sido una de las más utilizadas para éste tipo de pintura debido a sus cualidades. Analizaremos variaciones técnicas y métodos para trabajarla de forma óptima y obtener resultados satisfactorios.

Analizaremos la teoría del color para controlar congruentemente la representación de objetos en relación a la atmósfera que los envuelve, destacando la importancia de las luces, brillos, reflejos y acentos de color.

Analizaremos los reflejos, elemento clave de la pintura hiperrealista, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición, produciendo la sensación de atmósfera engarzada o envolvente. Analizaremos las luces primarias y secundarias y su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.

También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llegar a la extrema precisión pictórica:

  • Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
  • Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del pincel y suavizar los golpes.
  • Cuáles materiales son los adecuadas para conseguir el mayor grado de precisión.
8 El Dibujo Hiperrealista Lunes 27 al Jueves 30 de Julio de 2015 De 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
El hiperrealismo consiste en representar elementos con extrema precisión figurativa, de tal forma que parezcan reales. Los dibujos hiperrealistas a primera vista parecen fotografías, sin embargo, lograr este tipo de resultados va más allá de meramente copiar una fotografía.El hiperrealismo como movimiento artístico nació durante los años 60, justo después del gran boom del expresionismo abstracto. El arte minimalista y el pop fueron algunas de sus influencias y detonadores.

El mayor problema técnico que presentó el pintor hiperrealista fue respecto a cómo representar convincentemente los diferentes materiales de la naturaleza. ¿Cómo lograr la forma precisa mediante el dibujo? ¿Cómo plasmar el color exacto y representar de la textura de los objetos? y ¿Cómo integrar los objetos bajo una misma atmósfera?

Para responder estas y otras preguntas, revisaremos en este curso la teoría del color en relación al hiperrealismo y analizaremos cómo representar materiales opacos, brillantes, vítreos, pulidos, metálicos, texturados, entre otros. Prestaremos atención a las técnicas de representación de las diferentes texturas de objetos y cómo es que éstos se manifiestan ante la luz, y por lo tanto como representarlos de forma asertiva.

Objetivos:

Haremos énfasis en los métodos para controlar con precisión los bocetos, el dibujo y la valoración de la luces y contrastes.

Analizaremos los reflejos, elemento clave del dibujo hiperrealista, ya que es la refracción de la luz que incide sobre un objeto y rebota sobre otros lo que genera la integración entre los distintos elementos de una composición, produciendo sensación de atmósfera engarzada o envolvente.

Analizaremos las luces primarias y secundarias, su papel en la composición y cómo hacer uso de ellas.

También analizaremos otros recursos técnicos que permiten al artista llevar la precisión pictórica  al punto de extrema precisión. Como son:

  • Cómo transferir la imagen del boceto al soporte en diferentes escalas, sin modificar las proporciones.
  • Cómo cuidar los acabados y los procesos técnicos para disminuir la huella del lápiz y suavizar los golpes.
  • Cuales técnicas de dibujo y materiales son los adecuadas para conseguir el mayor grado de precisión.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832.

Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma que cada alumno debe traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00.

Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]

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Curso en Monterrey “Los metales en la pintura” .

junio 8, 2015
Autor Ambrogio Lorenzetti, Fecha: 1342 Tecnica: Temple sobre metal en tabla. Dimensiones 257×168 cm

Ambrogio Lorenzetti

Curso Fecha Horario Precio
1 Los Metales en la Pintura Jueves 25 al viernes 26 de Junio de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3800.00 (incluye materiales)
En la pintura medieval el oro fue el metal obligatorio para representar la luz emanada y el valor simbólico de lo sagrado. Durante el Duecento y Trecento italiano el oro punzonado representó rayos, aureolas de santos y personajes sagrados en las obras de artistas como Giotto, Duccio y otros maestros de la época. Entre el Trecento y el Quattrocento en el gótico cortes, artistas como Fabriano, Beato Angélico y Masaccio aplicaron oro en sus polípticos devocionales. El oro fue utilizado como fondo dorado por Piero della Francesca, Andrea Mantegna, y Sandro Botticelli en pequeños y medianos formatos.

En el periodo flamenco y barroco se trabajaron distintos géneros pictóricos sobre soportes de cobre por artistas de la talla de Rubens y otros.En México se trabajó oro pintado sobre tablas preparadas de gesso liso o en relieve que posteriormente serían doradas, labradas, punzonadas y pintadas. La técnica de pintura sobre metal fue utilizada para decorar un sinnúmero de iglesias a lo largo del país. De esta tradición pictórica en el siglo XIX tras la guerra de independencia derivó a la pintura popular una técnica sobre láminas de metal pintado con la cual se producirían las pinturas conocidas como exvotos.

En este curso analizaremos métodos para aplicación de láminas de oro, sobre soportes de madera, gesso grosso, imprimaturas, telas y papeles, así como distintas técnicas pictóricas para pintura sobre oro de hoja y sobre soportes de cobre y otros metales.Estos procedimientos antiguos son un gran añadido a los recursos técnicos del multifacético escenario de la pintura actual.

  • Mostrar los procedimientos técnicos para la preparación de imprimatura de creta bruñida sobre soporte de madera con moldura de yeso y aplicación de oro de hoja.
  • Información teórica y práctica sobre el procedimiento de ensamblajes, revoques, vitelas, colas, resinas, aceites, esencias, bold de armenia, relieves sobre madera, gesso grosso, gesso sutile, gesso color, labrados, punzonados, incrustaciones de concha, bruñidos, medios, colores opacos, semi opacos y translúcidos, barnizados mordentes para pan de oro y lámina de cobre, aplicado de oro y plata, etc. Así como las valoraciones necesarias para las capas de pintura en técnicas de pintura sobre metal.
  • Elaboración de un soporte completo, con distintos tipos de aplicaciones de lamina de oro por alumno.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Este curso será impartido en nuestro taller de Monterrey.

Informes D.F.: (55) 5373-1059, [email protected]

Informes Monterrey: 045-81-8287-4429, [email protected]

 

Tiziano y la evolución de la pintura al óleo

mayo 25, 2015

 

La Bacanal, (1518-19): Formó parte de la trilogía de las Bacanales encargada por Alfonso I de Este para su castillo de Ferrara. En el pentagrama que aparece junto a las muchachas se puede leer escrito en francés antiguo: "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber" (Museo del Prado).

La Bacanal, (1518-19), Tiziano.

 

La pintura al oleo como tantas otras técnicas de pintura ha sido utilizada de muchas y muy distintas maneras a lo largo de la historia. El oleo nació como un temple con exceso de aceite, y fue durante muchos siglos conocido como temple.

Con el paso de los siglos la técnica de pintura al oleo fue evolucionando y con esta los materiales utilizados en ella sufrieron modificaciones, uno de estos cambios fue agregar al temple cada vez mayor cantidad de aceite hasta que se abandonó el temple y se utilizo puro aceite.

Durante el siglo XVI de la mano de Tiziano la pintura al oleo sufrió una transformación radical. Tiziano decidió engrosar el aceite que se utilizaba para pintar al oleo mas de lo que nadie lo había hacho hasta el momento, utilizando para preparar sus pinturas aceites mas espesos. A partir de este momento apareció una nueva forma de pintar hoy conocida como técnica de impasto, la cual implica utilizar la pintura de tal manera que esta produzca efectos de relieve. Esta forma de pintar ya existía desde hacia tiempo más nadie la había exaltado tanto como Tiziano.

 

Entierro de Cristo - Óleo sobre lienzo, 137 x 175 cm, Museo del Prado (Madrid).

Entierro de Cristo – Óleo sobre lienzo, 137 x 175 cm, Museo del Prado (Madrid).

 

Hasta ese momento en la historia y durante varios siglos posteriores la pintura había sido principalmente considerada un instrumento de representación y su valor social en ello radicaba. Su materialidad, capacidad gestual, chorreados, salpicaduras, cargas y comportamiento espontáneo no era considerado valioso por si mismo y no lo serian de forma oficial hasta varios siglos después durante el siglo XX. Sin embargo varios pintores a lo largo de la historia notaron estas características en la pintura y las exaltaron en su obra. Uno de estos artistas y el primer europeo en hacer fuerte énfasis en estos aspectos matéricos de la pintura fue Tiziano.

La pintura de Tiziano es desde este punto de vista  el primer antecedente de un aspecto de la pintura(su materialidad) que siglos después seria uno de los actores principal de la pintura moderna. Desde la época de los impresionistas y con gran fuerza durante el tiempo de los expresionistas abstractos, la pintura se consideró y utilizo no solo como una herramienta de representación si no como una entidad independiente y valiosa por si misma con la posibilidad de producir mucho mas que la ilusión de mimesis, capas incluso de disociarse por completo de esta y crear nuevos mundos ajenos al mundo conocido. Esta forma de pensar sobre la pintura surgida muchos siglos posteriores a Tiziano(mas profetizada por su técnica y trazo)seria la que anunciaría el nacimiento de un arte no objetivo, llevando al arte y no solo a la pintura por muchos y muy distintos caminos durante finales del siglo XIX y todo el siglo XX.

 

Castigo de Marsias

Castigo de Marsias – Óleo sobre lienzo, 212 x 207 cm, Museo Estatal (Kromeriz).

 

Fueron las necesidades de Tiziano, su búsqueda estética personal en conjunto con su conocimiento técnico e inventiva lo que le permitió ir mas allá de aquello existente y establecido en su época, produciendo para si mismo una nueva técnica y una nueva forma de pintar, la cual hoy día nos hereda.

Es la unión del pensamiento en conjunto con el conocimiento de los materiales y herramientas de la pintura la que nos permite como pintores explorar nuestra capacidad sensorial y expresiva en un dialogo con la pintura que va mas allá de la afirmación consiente de lo conocido. Y es gracias al conocimiento de las cualidades de la pintura que el juego del creativo se complejiza y la carne de un cuerpo representado es capas de volverse verdadera carne en forma de materia sobre un lienzo para así relacionarse con nosotros los espectadores en nuevas y distintas dimensiones.

Tiziano así como muchos otros artistas de distintas épocas fue de los grandes pintores que transformaron el material de la pintura, el estilo y la técnica a voluntad, forjando sus propias reglas y legándonos a los pintores de tiempos posteriores libertad.

Lista de Cursos 2015

abril 6, 2015

Esta es la lista tentativa de cursos y fechas que impartirá la Mtra. Luz García durante el año 2015.

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Curso de Técnicas y Materiales – Mayo 2015

abril 6, 2015

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Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas, Materiales y Procedimientos en la Pintura Artística Viernes 29 y Sábado 30 de Mayo de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3200.00 (incluye materiales)
A través de la historia de la pintura, los pintores han utilizado diversos soportes medios y materiales cuyas características otorgan a los colores cohesión y anclaje así como distintas calidades ópticas: transparencia, opacidad, saturación, brillo, etc. Cada medio dota de personalidad única a los colores, las nombramos técnicas, tales como el temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc.

Es en “la cocina del artista” —como se le suele nombrar al trabajo de taller— en donde se experimenta con las técnicas y donde se utilizan, producen y comprenden las esencias, barnices, aceites, resinas, gomas, ceras, antifungales, secativos, acrilatos, cargas y pigmentos, entre otros muchos materiales.

Los objetivos generales de este curso son:

  • Brindar información practico-didáctica para preparar soportes con diferentes imprimaturas, elaborar barnices, barnicetas,  óleos, encausto, acuarelas, gouache, gises al pastel, pintura acrílica, a la caseína, al jabón de cera, al temple y mixtas.
  • Demostrar procedimientos varios para el uso práctico de las diferentes técnicas de pintura.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]

Curso de Técnicas y Materiales – Enero 2015

noviembre 5, 2014

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Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas, Materiales y Procedimientos en la Pintura Artística Viernes 23 y Sábado 24 de Enero de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3200.00 (incluye materiales)
A través de la historia de la pintura, los pintores han utilizado diversos soportes medios y materiales cuyas características otorgan a los colores cohesión y anclaje así como distintas calidades ópticas: transparencia, opacidad, saturación, brillo, etc. Cada medio dota de personalidad única a los colores, las nombramos técnicas, tales como el temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc.

Es en “la cocina del artista” —como se le suele nombrar al trabajo de taller— en donde se experimenta con las técnicas y donde se utilizan, producen y comprenden las esencias, barnices, aceites, resinas, gomas, ceras, antifungales, secativos, acrilatos, cargas y pigmentos, entre otros muchos materiales.

Los objetivos generales de este curso son:

  • Brindar información practico-didáctica para preparar soportes con diferentes imprimaturas, elaborar barnices, barnicetas,  óleos, encausto, acuarelas, gouache, gises al pastel, pintura acrílica, a la caseína, al jabón de cera, al temple y mixtas.
  • Demostrar procedimientos varios para el uso práctico de las diferentes técnicas de pintura.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]

Fotos: Cursos de Verano 2014

noviembre 3, 2014

Obituario – Mtro. Luis Nishizawa

noviembre 3, 2014

El pasado 29 de Septiembre de 2014 falleció el Mtro. Luis Nishizawa Flores a sus 96 años.

El Mtro. Nishizawa se entregó de lleno a la educación de muchas generaciones de artistas en México.

Todos sus alumnos lo recordamos con profundo y eterno agradecimiento.

Descanse en paz.

 

Cursos de Invierno 2014

noviembre 3, 2014

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La Mtra. Luz García Ordóñez impartirá los siguientes cursos durante la temporada de invierno 2014:

 

Curso Fecha Horario Precio
1 Los Metales en la Pintura Lunes 1 al Jueves 4 de Diciembre de 2014 De 10:00 a 14:00 Hr. $3300.00 (incluye materiales)
En la pintura medieval el oro fue el metal obligatorio para representar la luz emanada y el valor simbólico de lo sagrado.Durante el Duecento y Trecento italiano el oro punzonado representó rayos, aureolas de santos y personajes sagrados en las obras de artistas como Giotto, Duccio y otros maestros de la éFpoca. Entre el Trecento y el Quattrocento en el gótico cortes, artistas como Fabriano, Beato Angélico y Masaccio aplicaron oro en sus polípticos devocionales. El oro fue utilizado como fondo dorado por Piero della Francesca, Andrea Mantegna, y Sandro Botticelli en pequeños y medianos formatos.

En el periodo flamenco y barroco se trabajaron distintos géneros pictóricos sobre soportes de cobre por artistas de la talla de Rubens y otros.

En México se trabajó oro pintado sobre tablas preparadas de gesso liso o en relieve que posteriormente serían doradas, labradas, punzonadas y pintadas. La técnica de pintura sobre metal fue utilizada para decorar un sinnúmero de iglesias a lo largo del país. De esta tradición pictórica en el siglo XIX tras la guerra de independencia derivó a la pintura popular una técnica sobre láminas de metal pintado con la cual se producirían las pinturas conocidas como exvotos.

En este curso analizaremos métodos para aplicación de láminas de oro, sobre soportes de madera, gesso grosso, imprimaturas, telas y papeles, así como distintas técnicas pictóricas para pintura sobre oro de hoja y sobre soportes de cobre y otros metales.

Estos procedimientos antiguos son un gran añadido a los recursos técnicos del multifacético escenario de la pintura actual.

  • Mostrar los procedimientos técnicos para la preparación de imprimatura de creta bruñida sobre soporte de madera con moldura de yeso y aplicación de oro de hoja.
  • Información teórica y práctica sobre el procedimiento de ensamblajes, revoques, vitelas, colas, resinas, aceites, esencias, bold de armenia, relieves sobre madera, gesso grosso, gesso sutile, gesso color, labrados, punzonados, incrustaciones de concha, bruñidos, medios, colores opacos, semi opacos y translúcidos, barnizados mordentes para pan de oro y lámina de cobre, aplicado de oro y plata, etc. Así como las valoraciones necesarias para las capas de pintura en técnicas de pintura sobre metal.
  • Elaboración de un soporte completo, con distintos tipos de aplicaciones de lamina de oro por alumno.
2 Las Técnicas de Gustav Klimt Lunes 1 al Jueves 4 de Diciembre de 2014 De 15:30 a 19:30 Hr. $3300.00 (incluye materiales)
La obra de Gustav Klimt (1862-1918), uno de los artistas más destacados de la historia del arte moderno es la fusión de distintos géneros artísticos y metodologías de trabajo provenientes del arte, del diseño y del oficio que heredó de su padre.Fue formado en el lenguaje del pintor, diseñador y decorador Hans Makart con un estilo técnico minucioso entre el naturalismo y el simbolismo, con cargas alegóricas pertenecientes a mundos como la música y el teatro. Asimismo su obra fue influida por el Art Nouveau, Art Deco y Jugendstil que asimilados por Klimt detonaron en sugerencias y misterios en su obra.

Desde temprana edad aprendió con su padre varias técnicas artísticas que analizaremos y practicaremos, tales como realces blancos para papel, lápiz graso, aplicaciones de oro, pintura sobre metal, relieves, y esgrafiados para imprimaturas texturadas, técnicas mixtas de gouache, acuarela, jabón de cera, y óleo. Complementó sus estudios en la escuela de artes aplicadas y en el museo austriaco imperial de arte donde aprendió dibujo y pintura figurativa.

Con esta amplia variedad de técnicas y procedimientos la obra de Gustav Klimt muestra una muy personal, consistente y rica técnica pictórica, que puede beneficiar los resultados plásticos de los artistas de hoy.

  • Analizar recursos técnico y materiales empleados por el pintor para texturar, anexar oro en sus cuadros y sus procedimientos para aplicar las capas de pintura.
  • Elaboraremos un ejercicio con la técnica de Gustav Klimt.
3 Las Atmósferas Etéreas en la Pintura Viernes 5 y Sábado 6 de Diciembre de 2014 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3300.00 (incluye materiales)
Las manifestaciones de las fuerzas de la naturaleza han sido siempre una fuente inagotable de imágenes para los artistas, y recurrir al temperamento siempre cambiante de estos elementos no sólidos ha sido un reto constante a representar por los artistas en su pintura. Para intensificar aspectos de esta temática, los ambientes etéreos y difusos, la ausencia de un punto focal claro, el modo en que la niebla disuelve las formas, las dudosas siluetas entre vapor, polvo, lluvia o humo.Pintores como Caspar David Friedrich, William Turner, Thomas Cole, Claude Monet, Hendrick Vroom, Jean Francois Millet, Duke Fildes, Phillipp Otto Runge y muchos otros exploraron las manifestaciones etéreas de la naturaleza y al distorsionarlas produjeron nuevas e inquietantes cosmovisiones plásticas.

Analizaremos estos elementos y su representación o abstracción y el uso de sus características para producir efectos y resultados plásticos capaces de ejercer impacto y poderosa emoción en el espectador así como multitud de lecturas e interpretaciones de la obra.

  • Analizar la conducta de la luz entre distintos elementos tales como, nubes, bruma, vapor, humo y smog entre otros.
  • Analizaremos atmósferas tridimensionales de niebla.
  • Estudiaremos la ausencia de un punto focal claro.
  • Selección de colores, densidades y un análisis de las sucesivas capas de pintura y control de la densidad de medios.
  • Elaboración de un cuadro con atmósfera etérea, en técnica mixta.
4 Las Técnicas de Dibujo de Rembrandt Lunes 8 al Jueves 12 de Diciembre de 2014 De 10:00 a 14:00 Hr. $3300.00 (incluye materiales)
Los cientos de dibujos de Rembrandt constituyen una de las mejores gamas técnicas empleadas por cualquier pintor de la historia. Rembrandt trabajó sobre papeles, maderas y taffelets, y en todos ellos combinó diferentes medios, como tintas, aguadas, pinturas de plata, bistre, acuarelas opacas, tizas blancas, rojas y negras, vitela entonada, carboncillo, agalla, barnices, sílice teñido y óleo seco. Todo esto en la búsqueda de lograr la técnica o técnicas de dibujo que le permitieran visualizar frente a sus ojos aquello que el tenía en mente.Con medios húmedos y secos produjo efectos de realce sobre las superficies, preciosos difuminados y fluidos espontáneos explotando al máximo las posibilidades que le brindaban los materiales en yuxtaposiciones y complementando con su amplia gama de formas de modelados en claroscuro, medios tonos y otros recursos dibujisticos.

  • Analizar materiales y procedimientos técnicos de Rembrandt y su elaboración.
  • Analizar procedimientos de aplicación y yuxtapocición para propiciar tridimensión y alto contraste.
  • Elaboración de dibujos tridimensionales con las técnicas dibujísticas de Rembrandt.
5 La Técnica Pictórica de Caravaggio Lunes 8 al Jueves 11 de Diciembre de 2014 De 15:30 a 19:30 Hr. $3800.00 (incluye materiales)
Michelangelo Merisi (1573-1610) llamado el Caravaggio por el pueblo donde nació fue uno de los grandes pintores de todos los tiempos.La luz es la característica unificadora de su arte. Las figuras de sus telas están pintadas con colores profundos y sombras acentuadas con las que narra historias y describe escenas con su inconfundible realismo dramático que tanto asombró al público de su tiempo y a multitud de jóvenes pintores de lugares lejanos como Sevilla y Utrecht, quienes tomaron aspectos de su estilo pictórico y los utilizaron en su propia obra siendo por esto nombrados “caravaggistas”, o “tenebristas”.

El “iluminismo” de Caravaggio establece el valor de la luz sobre la imagen, llevando la obra al más alto nivel de tensión expresiva. Resume volumen y color en espacios suspendidos, llenos de vitalidad, donde está presente solo lo esencial.

  • A partir de maquetas demostraremos, los procedimientos para elaborar la atmósfera luminosa de alto contraste
  • Analizaremos el procedimiento adecuado para estructurar una “paleta” de alto contraste.
  • Estudiaremos el manejo técnico estructural para pintar la tridimensión en técnica al óleo “negro”.
  • Cada alumno elaborará un cuadro con la técnica de Caravaggio.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]