Pigmentos y Materias Primas para Pintores y Restauradores.

Técnicas de encausto para pintura abstracta y figurativa: Curso CDMX 2016

enero 29, 2016
Jasper Johns

Jasper Johns – Numeros, encausto sobre panel.

 

El encausto es una técnica de pintura translúcida de hermosa apariencia que puede ser utilizada a manera tanto espontánea como controlada, con finísima precisión. De hecho, algunos de los primeros retratos figurativos de la historia fueron hechos en técnica de encausto, mismos que fascinaron a pintores de épocas posteriores. Entre estos se encuentran Leonardo da Vinci, el Greco y Diego Rivera. Su multiplicidad de posibilidades hace de esta técnica ideal para ser utilizada tanto en pintura abstracta como figurativa o puntos intermedios entre ambas. Lo importante a considerar al utilizar encausto, es que para el realismo, el medio debe permitir la precisión, para lograrlo el pintor debe hacer que el encausto tenga las características que le den este comportamiento. Por otro lado, a la hora de hacer pintura abstracta, el pintor podría necesitar que su material tenga la capacidad de comportarse de múltiples formas y generar una amplia gama de resultados, tanto ópticos como matéricos. En ambos casos la importancia de que el artista conozca el material y tenga la capacidad de controlarlo es lo que determinará si logrará o no aprovechar las magníficas cualidades de esta técnica, que han fascinado a grandes pintores a través del tiempo y con ello, poder enriquecer su obra.
El encausto es una pintura imperecedera, de presencia laqueada que no se altera y que permite abundantes juegos plásticos. Es altamente flexible en cuanto a aplicación de materiales en diferentes grosores, desde los ínfimamente delgados hasta los muy gruesos. Es un material que por sus características, queda completamente anclado a la imprimatura desde las primeras manos, volviéndose con el tiempo una unidad con ella. Es capaz de generar textura y se le puede incrustar oro, y otros elementos, utilizarlo con sílice y vidriar su superficie provocando una apariencia refractante. Puede ser trabajado en caliente o en frío y producir desde la figuración más precisa hasta la abstracción más espontánea.
Para utilizar exitosamente esta técnica es indispensable conocer cómo preparar soportes especiales, controlar la transparencia del material, utilizar cargas, y saber qué función tienen las resinas.

 

Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas de encausto para pintura abstracta y figurativa Viernes 1 y Sábado 2 de Abril 2016 De 10:00 a 14:00 15:30 a 19:30 Hr. $3600.00 (Incluye materiales)
Objetivos:

  • Analizaremos los materiales, imprimaturas y medios en sus distintas durezas.
  • Estudiaremos cómo aplicar las capas de pintura en técnicas de encausto para lograr óptima pintura tanto figurativa como abstracta.
  • Estudiaremos cómo producir representaciones precisa en encausto, sin que éstas sufran modificaciones con el calor.
  • Estudiaremos cómo producir múltiples juegos plásticos aprovechando el carácter natural de los elementos del encausto en múltiples modalidades.
  • Analizaremos el uso de metales en polvo, laminados de oro y otros metales, sus métodos de aplicación y su comportamiento e interacción con otros materiales.
  • Estudiaremos el uso del vidriado en el encausto.
  • Cada alumno ejecutará una obra con procesos técnicos de pintura abstracta y figurativa en técnica de encausto donde aplicará lo visto en el curso.

 

Lucian Freud y el blanco de plomo en la pintura

enero 29, 2016

Alguna vez vi un documental sobre Lucian Freud, en el cual se contaba una anécdota que me pareció un gran insight con respecto a su técnica de pintura, referente al uso del pigmento blanco de plomo, también conocido como albayalde o blanco de plata.

En Inglaterra durante la segunda mitad del siglo XX, se intentó prohibir el uso de blanco de plomo en diversas industrias, incluida la fabricación de pintura para artistas. Hacía algunos años que Lucian Freud se había dado cuenta de que este pigmento le daba a su pintura un carácter particular que ningún otro pigmento producía, los juegos de luces y sombras resaltaban más, se sentía mayor espacialidad en los cuadros y simplemente, cobraban un carácter distinto, algo que sin ese material era imposible de lograr, que hacía su obra mucho más impactante visualmente y que no tenía que ver con su talento sino exclusivamente con el uso y manejo del material. Por ello, al enterarse Freud de la prohibición sobre el blanco de plomo, entró en pánico. Fue tal su miedo con respecto a la pérdida del pigmento, que mandó comprar todo el óleo de blanco de plomo, de todas las tiendas que encontró en Inglaterra.

Al enterarme de esta anécdota pensé: ¿Qué mejor ejemplo que éste para demostrar lo insustituible de las características del blanco de plomo en la pintura?

Lucian Freud

Durante muchos siglos, el blanco de plomo, que actualmente casi ha desaparecido de la paleta de los pintores contemporáneos, fue el blanco más utilizado por los pintores europeos. Fue utilizado no sólo como pigmento blanco sino también como un carbonato para hacer imprimaturas, como secativo, como medio para hacer aceite negro y para dar cuerpo a los impastos a manera de carga. La principal característica insustituible de este pigmento –misma que hiciera a Freud comprar todo el blanco que encontró en Inglaterra– es su capacidad de refractar la luz. Cuando la luz incide sobre este pigmento, lo hace brillar como a una perla, especialmente si este se encuentra en un medio oleoso. Esto hace que cuando nos alejemos de un cuadro pintado con este material, el efecto de luminosidad se intensifique, incluso un cuadro que de cerca parecería ser grisáceo, con colores muy sucios, a la distancia aparenta ser luminoso. Algunos cuadros de Monet, Rembrandt o el mismo Freud son gran ejemplo de este fenómeno.

 

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Claude Monet, Catedral de Rouen – Puerta en el Sol.

 

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Rembrandt, Autorretrato, 1659-1660

 

Otro aspecto importante que logra el blanco de plomo como ningún otro material es la sensación de espacialidad en los lienzos. Su capacidad de refractar la luz provoca que los planos se separen unos de otros de forma dramática, característica que pintores como Rembrandt, Vermeer y Velázquez reconocieron y exploraron a profundidad en sus telas. Por desgracia, este aspecto de la espacialidad en los cuadros no puede ser contemplada en fotos, solamente en vivo. Así que los que nunca hayan observado obras con estas características, tendrán que ir a donde están los cuadros de estos pintores para percibirlo, y los que ya hayan visto cuadros de estos pintores tendrán que regresar. ¿Acaso es posible que uno se canse de ver cuadros de Rembrandt y Velázquez?

 

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Diego Velazquez – Las Hilanderas, 1657-58

 

Ningún otro material genera los efectos antes mencionados de forma tan dramática como el blanco de plomo, y pese a su toxicidad –la cual obliga a que sea trabajado con marcadas precauciones– es insustituible en la paleta de cualquier pintor. Grandes cuadros no sólo dependen del talento de un pintor; requieren materiales que permitan lograr grandes resultados.

 

 

 

La Pintura Hiperrealista: Cursos en Monterrey 2016

enero 24, 2016

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Gustave Courbet (1819 – 1877) pintor quien fuera nombrado despectivamente como realista por la crítica de su época, utilizó la crítica a su favor e hizo un manifiesto “realista” donde explicaba su interés sobre la realidad en sus diversas manifestaciones. El término “realista” fue utilizado por la crítica debido a los temas que el pintor seleccionaba, sin embargo el realismo es también un método de representación, que en opinión de Courbet, fue desarrollado por Edouard Manet, el “pintor de la vida moderna”. En este último caso, el término es utilizado con frecuencia como sinónimo de “naturalismo”, para definir el intento de reproducir fielmente la realidad, pero una vez más, no es el único significado que se le da a la palabra.

El hecho de que se utilice el mismo nombre para designar plasmaciones diversas, confirma la complejidad de las manifestaciones realistas producidas a lo largo del siglo XX y previas. El Nouveau réalisme o Nuevo realismo, implica la apropiación concreta de la realidad, el “hiperrealismo” o “super realismo”, debido a su perfección técnica, es también llamado fotorrealismo o realismo fotográfico, el realismo social se enfoca en hacer visible y expandir el conocimiento sobre los problemas sociales y así muchas formas de pintar llamadas “realismo” tienen objetivos diferentes. El novelista, pintor, poeta y crítico de arte, John Berger, dijo que “el realismo no es un estilo sino una aproximación a un objeto”, por otro lado cuando Pablo Picasso hablaba de realismo, decía que había que olvidarse de los objetos: “siempre procuro perder de vista a la naturaleza, me interesa la semejanza, una profunda semejanza, más real que la propia realidad”.

A la hora de pintar un cuadro hay varios retos que los interesados en producir imágenes que parezcan verdaderamente reales tienen que afrontar. El pintor debe analizar aspectos de la luz, de las texturas de los objetos, los brillos, reflejos y la conducta de los materiales, ya sean estos laqueados, transparentes, vidriosos, metálicos, telas, maderas, etc. En estos talleres nos enfocaremos en metodologías precisas para representar lo antes mencionado.

“No creo que en cuestiones de realismo, la fotografía sea la última palabra” –Richard Estes.

Objetivos Generales:

  • Este curso será impartido en tres módulos. La información será proporcionada en en bloques, y con ello procurar resultados de calidad profesional.

 

Curso Fecha Horario Precio
1 La Pintura Hiperrealista: primer módulo Miércoles 24, Jueves 25 y Viernes 26 de febrero de 2016 De 15:00 a 20:00 Hr. $3700.00 (materiales por separado)
 Cuerpos opacos tales como: madera, plásticos, papel, piedras, plantas, flores y frutas, telas en diferentes formas y objetos.

  • Diversos métodos de dibujo y transferencia de los mismos.
  • Métodos técnicos para producir efectos al manipular la pintura tales como cruzado, punteado, dry brush, estarcido, degradado, esfumado y otros.
  • Densidades de las capas de pintura.
  • Enmascarillados.
  • Wet on Wet.
  • Se realizarán diferentes ejercicios y prácticas en el taller, mismos que funcionarán como punto de partida para la elaboración de cuadros en sus propios talleres.
2 La Pintura Hiperrealista: segundo módulo Miércoles 1, Jueves 2 y Viernes 3 de junio de 2016 De 15:00 a 20:00 Hr. $3700.00 (materiales por separado)
 Cuerpos Brillantes, lustrosos y metálicos.

  • Analizaremos las formas básicas de representación volumétrica por medio de cono, cilindro y esfera.
  • Brillos y reflejos producidos por la atmósfera que envuelve a los objetos a representar, entre ellos: objetos laqueados, cerámicos, barnizados, pulidos, húmedos, cromados.
  • Sombras y semi-sombras.
  • Tonos y medios tonos.
  • Contrastes, altos, medios y bajos.
  • Cómo pintar de lo general a lo particular.
  • Los asistentes a taller elaborarán diversos ejercicios y prácticas.
3 La Pintura Hiperrealista: tercer módulo Miércoles 31 de agosto, Jueves 1 y Viernes 2 de septiembre de 2016 De 15:00 a 20:00 Hr. $3700.00 (materiales por separado)
Cuerpos transparentes, translúcidos, líquidos y gaseosos

  • Métodos de composición por forma y por color.
  • Atmósferas que se transparentan entre vidrios y cristales, líquidos y gases.
  • Valoración de brillos y reflejos.
  • Valoración de sombras y semi-sombras.
  • Procedimientos técnicos para formatos chicos, medianos y grandes.
  • Los asistentes al curso elaborarán diversos ejercicios y prácticas.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832.

Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma, que cada alumno debe traer por su cuenta).

Este curso será impartido en la Cd. de Monterrey, en Contry la Silla los dias Viernes 15 y Sábado 16 de enero y en Naucalpan, Ciudad de México los dias Vieres 22 de Enero y Sábado 23 de Enero.

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00.

Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Informes Monterrey: 045-81-8287-4429, [email protected]

Informes Ciudad de México: (55) 5373-1059: [email protected]

 

Marlen Dumas y la técnica de aguadas de tinta sobre papel

enero 22, 2016

Marlene Dumas es ampliamente conocida como una de las pintoras más importantes de la actualidad y que sigue produciendo obra. Nacida en Cape Town, Sudáfrica, se mudó a Holanda en 1976, donde alcanzo fama a mediados de 1980, por sus series de pintura y dibujo basadas principalmente en la figura humana. Estos trabajos reflejaban un complejo acercamiento a diversos elementos: la pintura, la temática, la imagen fotográfica y el texto, mismos que Dumas ha continuado investigando a lo largo de su carrera.

Entre los materiales favoritos  de Dumas encontramos el papel, la tinta y el acrílico. Mismos que por lo general trabaja  a manera de aguadas, técnica que le permite acentuar la expresividad de su trabajo y transmitir con fuerza sus temas.

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La aguada es una forma de trabajar materiales con base de agua, como son las tintas, gouache, acuarelas, temples y acrílicos sobre papel. Lo esencial en esta técnica es que se trabaje con mucha agua en el pincel —de ahí el término aguada— para que los materiales que utilicemos actúen de forma espontánea sobre el papel. Algo que también se hace habitualmente es mojar el papel sólo con agua, previo a comenzar a trabajar sobre él, o mojar las zonas donde vamos a trabajar con una aguada previa. Esto permite pintar líneas delgadas y otro tipo de trazos que gracias a la humedad conseguida previamente en el papel se expandirán y crearán distintos tipos de juegos espontáneos que podremos aprovechar para nuestro trabajo.

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Otra clave importante de esta técnica es el tipo de papel que escojamos para trabajarla. Debido a que se trabaja con mucha agua lo ideal es utilizar papeles muy absorbentes y a la vez resistentes. El gramaje (grosor) del papel nos dará mayor o menor control sobre los resultados y sobre la cantidad de agua que podamos utilizar en él. Lo ideal es utilizar papel de más de 300 g/m² (gramos sobre metro cuadrado) para obtener la mayor cantidad de posibilidades que nos ofrece esta técnica. Entre otros factores a considerar a la hora de comprar el papel, habrá que procurar que sea 100% algodón o que tenga un alto porcentaje del mismo en su defecto, lo que garantizará una mejor absorción y respuesta a los medios. Por último es importante que el papel sea completamente libre de ácido para que no se transformen con el tiempo los colores y materiales que utilicemos sobre él.

Nota: Distintas marcas de papel tienen diferentes grados de absorción e incluso aunque usemos papel del mismo gramaje, estos reaccionarán de manera distinta. Si se quiere profundizar en esta técnica será importante probar múltiples marcas o incluso diferentes papeles artesanales para ver cuál produce los mejores resultados en nuestra obra.

 

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Sailor's dream 1996 Marlene Dumas

 

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La gran ventaja de esta técnica es que puede trabajarse en un mismo pliego de papel con múltiples técnicas de agua, como lo hace Marlene Dumas al fundir acrílicos con gouache, tintas y acuarelas. Sin embargo para hacer esto es bueno tomar algunas cosas en consideración, especialmente en relación a la técnica de acrílico: Existen muchos tipos de acrílicos que se pueden conseguir en el mercado, algunos espesos, otros fluidos y otros muy fluidos. Cuando trabajamos técnicas de acrílico, por lo general nos enseñan a utilizar un sólo tipo de acrílico y volver fluida la pintura utilizando sólo agua. Si queremos que sea más líquida le echamos más agua, si queremos que sea espesa la dejamos sin agua. El problema de este método es que el agua funge como un solvente para el acrílico y entre más agua le echemos al acrílico, menos partículas de acrílico habrá en nuestra aguada y por tanto menos capacidad de pegado tendrá nuestro acrílico. Esto generará que el pigmento que quedó sobre el papel caiga con los años a manera de polvo ya que no hay mucho que lo detenga sobre él. Si bien es cierto que el papel al ser absorbente minimiza la caída del polvo, no esta de mas ayudarle a cumplir esta tarea utilizando con conciencia nuestros medios.  Para resolver este conflicto lo ideal es utilizar medios acrílicos muy fluidos, mismos que requerirán una menor cantidad de agua para volverse aguadas y por lo tanto conservarán la capacidad de pegado necesaria para detener el pigmento en el papel la mayor cantidad de tiempo posible.

 

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La pintora Marlene Dumas

 

 

Clases de pintura y dibujo los días sábado

enero 4, 2016

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Curso Fecha Horario Precio
1 Clases libres de pintura y dibujo Sábados a partir del 16 de Enero de 2016 De 10:00 a 14:00 Hr. $1500 Mensuales (4 clases mensuales)
Clases libres de pintura y dibujo en las que los alumnos tienen la posibilidad de experimentar con distintos materiales, técnicas y aspectos de la teoría del color para enriquecer las posibilidades de su pintura y potenciar los resultados en su obra.

  • Durante las clases se utilizaran materiales como: distintos tipos de acrílicos, oleos, gouache, acuarela, encausto, carboncillo, lápices, etc.
  • Los alumnos podrán enfocarse en las técnicas que prefieran entre las que veamos en clase, de acuerdo con sus gustos e intereses.
  • Estudiaremos diversos aspectos de la teoría del color para enriquecer las posibilidades plásticas y los resultados del trabajo de cada alumno.
  • Por último analizaremos la técnica y obra de artistas en los que los alumnos tengan interés, o compartan afinidad con su forma de trabajar.

Horarios y fechas:

Las clases se imparten los días sábados de 10 am a 2 pm a partir del día sábado 16 de Enero de 2015.

Precio:

El costo de inscripción es de $600 pesos (pago único). La tarifa mensual es de $1500 pesos, y contempla 4 clases sabatinas semanales de 4 horas. En caso de que el alumno no pueda asistir a alguna de las clases, ésta podrá ser repuesta en otra ocasión sin costo adicional. Sólo se repone una clase por mes.

No todos los materiales que serán utilizados durante el curso está incluidos en la tarifa mensual, ya que dependerán de los intereses y el desarrollo de cada alumno.

Curso impartido por el maestro Jorge A. González García.

 

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espatulas, cuaderno de apuntes, lapiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]

 

 

La filosofia de Neo Rauch a la hora de pintar un cuadro

enero 2, 2016

A la hora de pintar un cuadro, cada artista se encuentra solo frente al lienzo. El pintor alemán Neo Rauch menciona que ésta soledad forzada frente a la tela nos permite entregarnos a una fantasía dentro de la cual somos dictadores capaces de determinar todo lo que ocurre dentro de nuestras pinturas, circunstancia que nos hace libres para rechazar todos los puntos de vista externos no afines a nuestra convicción profunda. Sin embargo esta actitud dictatorial no es un acto de rebeldía ni egocentrismo, sino una responsabilidad y una necesidad.  “En el momento en que aceptamos restricciones que no proceden de nuestra estructura interna, nos alejamos de nuestros afectos, de aquello que tiene un profundo sentido para nosotros y con ello limitamos nuestras posibilidades”. Por lo tanto el camino de una obra de arte no puede pasar por votaciones democráticas, sino que sólo es posible desde la manifestación profunda de nuestro ser, nuestra individualidad.

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Fotos: Curso en San Carlos, Sep ’15

diciembre 29, 2015

Cursos de técnicas y materiales en Monterrey y Ciudad de México

diciembre 3, 2015

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Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas, Materiales y Procedimientos en la Pintura Artística Viernes 15 y Sábado 16 de Enero de 2016 en Monterrey. Viernes 22 y Sábado 23 de Enero de 2016 en Cd. de Mex. De 10:00 a 15:00 Hr. y 16:00 a 19:00 Hr. $3600.00 My y $3300 Df (ambos incluyen materiales)
A través de la historia de la pintura, los pintores han utilizado diversos soportes medios y materiales cuyas características otorgan a los colores cohesión y anclaje así como distintas calidades ópticas: transparencia, opacidad, saturación, brillo, etc. Las técnicas pictóricas, tales como el temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc., dotan de personalidad única a los colores mediante el uso de diversos medios.

Es en “la cocina del artista” —como se le suele nombrar al trabajo de taller— en donde se experimenta con las técnicas y donde se utilizan, producen y comprenden las esencias, barnices, aceites, resinas, gomas, ceras, antifungales, secativos, acrilatos, cargas y pigmentos, entre otros muchos materiales.

Los objetivos generales de este curso son:

  • Brindar información practico-didáctica para preparar soportes con diferentes imprimaturas, elaborar barnices, barnicetas,  óleos, encausto, acuarelas, gouache, gises al pastel, pintura acrílica, a la caseína, al jabón de cera, al temple y mixtas.
  • Demostrar procedimientos varios para el uso práctico de las diferentes técnicas de pintura.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832.

Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma, que cada alumno debe traer por su cuenta).

Este curso será impartido en la Cd. de Monterrey, en Contry la Silla los dias Viernes 15 y Sábado 16 de enero y en Naucalpan, Ciudad de México los dias Vieres 22 de Enero y Sábado 23 de Enero.

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00.

Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Informes Monterrey: 045-81-8287-4429, [email protected]

Informes Ciudad de México: (55) 5373-1059: [email protected]

Anselm Kiefer y la Pintura Matérica

diciembre 1, 2015

Anselm Kiefer (Alemania, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor habitualmente nombrado por los expertos como perteneciente al Neoexpresionismo.

Estudió artes plásticas en tres ciudades. En Friburgo de Brisgovia, en Karlsruhe con el profesor Horst Antes y en Düsseldorf, donde fue alumno del influyente y emblemático Joseph Beuys. Sus primeras obras fueron instalaciones y happenings y siguieron la linea de trabajo de Joseph Beuys. Comenzó a pintar hasta finales de los años 60 donde encontraría su propio lenguaje. En 1969 presento su primera exposición individual y no ha soltado los botes de pintura desde entonces.

Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la segunda guerra mundial mas conocidos de la actualidad pero también fue sumamente controvertido al principio de su carrera. Sus temas son crudos y fuertes e incluso tabú, habitualmente relacionados con la guerra, el nazismo, los campos de concentración y otros temas de la historia alemana reciente.

La pintura de Anselm Kiefer es principalmente matérica. Lo cual quiere decir que utiliza distintas técnicas, como acrílico, óleo, dibujo , acuarela, fotografía y collage, y lo funde con múltiples materiales como vidrio, madera, vegetales, ensamblaje, paja, ramas, madera, yeso, piedra, ceniza, polvo, flores, ropa, metales, alambre de púas, armamento militar, desechos, etc.

Todo estos objetos y materiales aparecen en sus cuadros entre gruesas capas de pintura, por lo general acrílica, que le permite anclar al lienzo el gran peso de sus distintos objetos, como otros grandes pintores matéricos han hecho.

 

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Anselm Kiefer trabajando en su estudio.

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Cursos de Invierno 2015

octubre 1, 2015

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Curso Fecha Horario Precio
1 Lecciones de dibujo de los grandes maestros Lunes 30 de noviembre al Jueves 3 de diciembre de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Los grandes maestros de pintura desarrollaron diversos métodos para sugerir espacialidad, volumen y textura en los cuerpos.

Fueron profundos observadores del comportamiento e interacción entre la luz, las densidades de los materiales y sus texturas, haciendo énfasis en la penetración de luz en los objetos. La forma en que los grandes maestros trabajaron el dibujo se basó en el estudio de objetos y elementos estáticos sobre los cuales inciden diferentes grados de intensidad lumínica.Utilizaron recursos de perspectiva para obtener distintos planos de color y claroscuro. En cuanto al uso de materiales, acentuaron la perspectiva y tridimensión adicionando diferentes cargas (saturaciones matéricas). Esto les permitió representar elementos y efectos, que con el uso exclusivo del contorno hubiesen sido imposibles de plasmar.

Para sus propósitos dibujisticos utilizaron principalmente superficies como pergamino, vitela, tablas y tafelets, pues el papel no era un recurso fácil de obtener en Europa. Esto los obligó a innovar en el uso de materiales, abriendo la puerta a la invención de múltiples técnicas, como tintas, bistres, tinta de carbón, tizas, gouache, acuarela, pasteles, caseínas, jabón de cera, distintos tipos de carboncillos y técnicas mixtas. etc.

A partir de las técnicas inventadas por los artistas y su experimentación, surgió el entendimiento de la perspectiva mediante saturaciones matéricas, y la sensación de presencia, volumen, cercanía y distancia que producen los distintos medios por sus diferencias corpóreas. Estas características pueden ser aprovechadas por el artista para acentuar la espacialidad y el volumen utilizando medios delgados, intermedios y gruesos para resaltar de forma dramática la tridimensionalidad.

Objetivos generales del curso:

  • Analizaremos cómo construir los diferentes planos utilizando el claroscuro.
  • Analizaremos cómo valorar las diferentes texturas, los objetos y elementos compositivos en dibujo.
  • Analizaremos la perspectiva por planos de color y claroscuros.
  • Analizaremos la perspectiva por cargas y saturaciones matéricas.
  • Demostraremos los procedimientos técnicos usados por los grandes maestros y su aplicación mediante distintos materiales, tales como tintas, bistres, tizas, caseína, entre otros.
  • Se realizará una obra utilizando los procedimientos analizados en el curso.
2 El rostro y sus expresiones en la pintura Lunes 30 de noviembre al Jueves 3 de diciembre de 2015 De 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
El deseo de recordar a los vivos y a los muertos a través de la representación ha sido de suma importancia para la humanidad desde la antigüedad. Sabemos de la existencia de retratos en el arte europeo anteriores al año 3000 a.C.A pesar del largo tiempo que se lleva practicando, definir con precisión qué es un retrato plantea algunos problemas. Podríamos definir al retrato como una imagen que guarda parecidos con el individuo representado, más no todos los retratos se parecen al modelo y no tienen por que hacerlo, ya que un buen retrato es mucho más que captar el parecido; es profundizar en la expresión de un semblante y lo que existe detrás de ella. Es expresar a través de los rasgos de un rostro los aspectos del hombre que son imposibles de transmitir con palabras.

Los pliegues del rostro nos hablan del pasado de una persona, de las emociones que habita. Son el mapa de lo que ha transitado en su vida. Este es uno de los aspectos importantes a considerar a la hora de hacer un retrato. Asimismo, el artista tiene la capacidad de producir alteraciones en los rasgos, por distintas razones que no siempre tienen que ver siquiera con las características propias del modelo representado. Un ejemplo de esto son los retratos de los reyes italianos del s. XV, quienes fueron idealizados por sus retratistas de tal manera que sus rostros se acercaran a los cánones de belleza de la Grecia antigua.

Podemos encontrar otro claro ejemplo en la obra de Picasso, quien hizo algunos de los rostros de sus modelos a semejanza de máscaras africanas. Modigliani también figura como ejemplo, ya que alargó los cuellos y rostro de sus retratados a la manera de las pinturas del Fayum y les quitó el brillo de los ojos, insinuando con sutileza lo que pensaba del hombre moderno: que estaba muerto por dentro.

La distorsión de los rasgos puede ser utilizada para idealizar de forma estética un rostro, para enfatizar algunas de las características del retratado y develar su alma, o para transmitir nuevas ideas, formas de ver y pensar, como lo hicieron Picasso, Modigliani y muchos otros.

Para esto hay que estudiar rasgos como los de los ojos, que nos permiten acentuar emociones de enojo, tristeza, duda, entre otras muchas de orden más sutil. El rictus de la boca, las tonalidades de la piel, sus pliegues, arrugas, ojeras y marcas de edad o de la carencia de las mismas indicando juventud, la representación de dientes, pelo y ojos de forma viva, los tonos de los labios, aspectos del cuerpo e incluso joyería y prendas. Aprovechando los distintos rasgos para captar el parecido, reforzarlo, ignorarlo, simplificar, transformar y distorsionar. Todo según las necesidades propias del artista.

Objetivos del curso:

  • Analizaremos diferentes estilos de composición para la representación de un retrato a la manera de varios artistas.
  • Analizaremos la representación a capas de la piel y los efectos que producen distintos tipos de iluminación sobre la piel.
  • Estudiaremos cómo pintar dientes, pelo, ojos y tatuajes.
  • Cada participante elaborará un cuadro donde se ponga en práctica lo visto durante el curso usando técnica mixta de óleo.
3 La Técnica Pictórica de Velázquez Viernes 4 y sábado 5 de diciembre de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Diego de Velázquez (1599-1660) fue el pintor más destacado del siglo de oro español. Édouard Manet (1823-1883) le llamó “El Pintor de los Pintores”. Los Impresionistas lo consideraron el pintor de la visión pura y es considerado por muchos como un importante precursor del arte moderno.

En los cuadros de Velázquez encontramos diversos planos pictóricos así como discursivos. En algunas de sus pinturas —como Las Meninas o Las Hilanderas— hay varias escenas ocurriendo al mismo tiempo dentro de un mismo lienzo. Estas escenas fueron resueltas con pinceladas atrevidas de distintas densidades con las que consiguió exaltar la corporeidad de cada uno de los elementos y planos del cuadro. Su particular manera de pintar le permitía hacer una magistral representación del espacio, y es de este elemento del que se valió para producir sus más grandes obras.

Uno de los factores que permitieron a Velázquez lograr sus grandes cuadros fue su vasto conocimiento y dominio del material. Su técnica está resuelta en óleo secante (aceite negro) como vehículo de los colores, impastos (pútrido) para modelar las formas y figuras, y veladuras para ajustar los colores (valoración tonal). Después de entender la materia y la espacialidad, Velázquez se interesó por pintar imágenes en las que se pudieran utilizar estos conocimientos. Hizo composiciones dobles, introdujo “cuadros dentro del cuadro” y adecuó su técnica y estilo para explotar este recurso. Para enfatizar colocó espejos en sus composiciones, habitaciones dobles, puertas abiertas y otros elementos. Con ello creo narrativas pictóricas que prevalecen hasta el día de hoy como precedentes históricos, transformando la forma de pintar para la posteridad.  

Contrastando el uso de las capas de pintura con áreas de luz diurna y oscuridad, Velázquez acentuó aún más las escenas y los personajes de sus cuadros, y pese al énfasis hecho mediante el color en sus personajes, mantuvo siempre trazos espontáneos y rostros desdibujados, mismos que inspirarían algunos siglos después las libres pinceladas de los impresionistas.

Objetivos generales del curso:

  • Realizar un cuadro por alumno con los procedimientos técnicos del maestro Diego de Velázquez.

Asociando:

  • Los materiales.
  • Las capas de pintura.
  • Los procesos de aplicación y su composición con los distintos planos de profundidad
4 La Técnica Pictórica de Vermeer Lunes 7 al jueves 10 de diciembre de 2015 De 10:00 a 14:00 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
Vermeer nació el 31 de octubre de 1632, en Delft, Holanda. Aunque no se conoce con certeza su formación artística, algunos textos sugieren que Vermeer aprendió el oficio de Carel Fabritius, uno de los alumnos de Rembrandt. Si bien, durante su época, Vermeer fue un artista poco conocido, a mediados del siglo XIX comenzó una aceptación cada vez más entusiasta de su obra y no es casualidad que el creciente interés por Vermeer coincidiera con el nacimiento del Impresionismo.El color fue entendido por los impresionistas como una cualidad de la percepción de la luz, cuya claridad, tonalidad y saturación depende de su longitud de onda. Esta creciente tendencia impresionista agudizó el interés por la obra de Vermeer y su precisión en el manejo de la luz diurna.

Algunos textos sugieren que Vermeer utilizó la cámara obscura para hacer valoraciones en sus cuadros, lo cual le hubiese permitido enfocar y reproducir las vistas del exterior para analizarlas y recrear sus formas con precisión. Unido esto a su uso del diseño y empleo de la geometría como elemento compositivo fundamental, pudo acentuar la sensación de espacialidad generada en sus cuadros, con planos de colores graduados en distintas tonalidades y agrisamientos, que por último, enfatizaba con brochazos de distintas densidades.

Otro elementos clave de la pintura de Vermeer es que no reproduce la luz tal cual es en sus cuadros, sino que valiéndose de lo que percibía a través de la cámara obscura, la idealizaba, transformándola mediante la exaltación. La luz es el elemento central de sus cuadros. Los principios de composición que utilizó evitaban los elementos superficiales, dando poca atención a lo anecdótico y narrativo para así destacar la luz, el color y la atmósfera. Vermeer fue el primer pintor que redujo la importancia a las historias retratadas, para centrar la atención en el aspecto visual.

En su búsqueda de exaltar la luz, dio preferencia a las disposiciones equilibradas dentro de la superficie pictórica y redujo estructuras complejas a pocos elementos. Utilizó contrastes fuertes entre espacios de alta luz y sombra, producidos con capas superpuestas de colores simultáneos y complementarios que generan grises ópticos. Aplicó la pintura pastosamente a manera de manchones y puntos, capturando con ello gran parte del espectro del color en cada uno de sus cuadros, produciendo una sinfonía cromática.

Objetivos del curso:

  • Estudiaremos los efectos de la cámara obscura sobre la visión.
  • Analizaremos la perspectiva lineal y la perspectiva por color utilizada por Vermeer.
  • Analizaremos sus medios y saturaciones del color.
  • Analizaremos la sobreposición de capas a la manera de Vermeer.
  • Se elaborará un cuadro por asistente poniendo en práctica los procedimientos técnicos de Vermeer vistos durante el curso.
5 Atmósferas Nocturnas y de Penumbra en la Pintura Lunes 7 al jueves 10 de diciembre de 2015 De 15:30 a 19:30 Hr. $3350.00 (incluye materiales)
De acuerdo al consenso de la crítica especializada, Goya fue el primer artista que asoció causas psicológicas sociales de melancolía, debilidad y cercanía con la muerte en las escenas de sus pinturas, específicamente las negras. En ellas representó un mundo caduco, anterior a los ideales de la revolución francesa, donde había muerte, decrepitud, melancolía y depresión asociados con sátira y tragedia fundidos entre los elementos del paisaje, campos de batalla y otros sitios. Todo esto, aunado a una paleta cromática oscura que recalca dichas emociones y produce estadios de duelo, entre otras emociones.

Las escenas nocturnas de la obra de Goya muestran poca o casi nula iluminación, generando sensaciones de enigma, espacios irreales logrados por medio de gamas de color con contrastes controlados que producen diversos tipos de interpretaciones: fieles, aproximadas y dudosas, detonando misterio, ilusión, magia, sueño y desmaterialización. Estas escenas fueron algunas de los principales precursores de la abstracción y en particular del expresionismo abstracto.

El uso de paletas controladas de colores aseguran un manejo asertivo de las atmósferas de oscuridad y penumbra. Las densidades y los medios son a su vez las herramientas para que el artista consiga detonar más emociones en su obra y vaya más allá de la representación bidimensional y narrativa de los elementos y cuerpos, enriqueciendo las posibilidades de interpretación.

Objetivos generales:

  • Analizaremos la teoría del color para dominar las escalas cromáticas que mejor representan los horarios nocturnos.
  • Analizaremos densidades de medios para producir diversos efectos visuales.
  • Analizaremos densidades y saturación de colores para lograr efectos difusos, semidifusos, transparentes, translúcidos y precisos en atmósferas nocturnas.
  • Estudiaremos las penumbras exteriores e interiores.
  • Analizaremos el comportamiento de brillos y reflejos de baja intensidad.
  • Cada asistente elaborará un cuadro durante el taller para poner en práctica los conocimientos vistos durante el curso.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832.

Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma que cada alumno debe traer por su cuenta).

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